Lípa Musica 2014

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Cena vstupenky: 690 | 590 | 490 Kč 

Štefan Margita - tenor
Marek Štilec - dirigent
Filharmonie Hradec Králové

Program: "Operní gala"
Carl Maria von Weber (1786-1826): Čarostřelec, předehra
César Franck (1822-1890): Panis angelicus
Franz Schubert (1797-1828): Ave Maria
Gaetano Donizetti (1797-1848): Don Pasquale, předehra
Una furtiva lagrima, árie z opery Nápoj lásky
Georges Bizet (1838-1875): Intermezzo z opery Carmen
George Gershwin (1898-1937): Sporting life, árie z opery Porgy a Bess 

Přestávka 

Petr Iljič Čajkovskij (1840-1893): Polonéza z opery Evžen Oněgin
Nikolaj Rimskij-Korsakov (1844-1908): Árie kupce z opery Sadko
Johann Strauss ml. (1825-1899): Netopýr, předehra k operetě
Jacques Offenbach (1819-1880): Click-clack, árie z opery Les contes d´Hoffmann
Pietro Mascagni (1863-1945): Intermezzo z opery Cavalleria Rusticana
Francesco Cilea (1866-1950): Lamento di Federico z opery Arlézanka 

Slavnostnímu zahájení nesluší nic tolik jako opera. Proto taky zahajovací koncert uvádí operní gala snad nejznámějšího českého operního zpěváka, tenoristy Štefana Margity za doprovodu Filharmonie Hradec Králové. Výjimečný večer hostí Kulturní dům Crystal v České Lípě, pomyslném hlavním městě festivalu.

Umělecký rejstřík Štefana Margity je velmi bohatý a jeho kariéra je lemována mnoha zásadními operními rolemi, z nichž večer nabízí hned několik. Široký záběr repertoáru osciluje mezi světy klasické operní hudby 19. století a tvorby, jež hraničí s jazzem, jak se jej snažil do univerza klasické hudby implementovat Američan George Gershwin.

Večer načíná předehra k romantické opeře Čarostřelec od Carla Marii von Webera. Již samotná předehra opery odehrávající se na Šumavě je ceněna pro svou narativnost a mimořádnou poutavost. Následuje něžný i úpěnlivý kus Panis angelicus od belgicko-francouzského skladatele Césara Francka, který je známý v podání mnoha vynikajících světových tenorů. Na něj navazuje při operních ukázkách takřka obligátní, ale při tom stejně stále naléhavý a niterný opus Ave Maria od Franze Schuberta.

Další část operního večera zavádí posluchače do Itálie poloviny 19. století, kde byl ve svém vrcholném skladatelském období autor sedmdesáti oper Gaetano Donizetti. Donizettiho dílo bylo na počátku 20. století částečně pozapomenuto a dočkalo se rehabilitace o padesát let později, kdy jeho opery znovu začaly uvádět významné světové scény. V České Lípě zazní Donizettiho díla předehra k opeře Don Pasquale, na níž naváže árie Una furtiva lagrima z opery Nápoj lásky.

Orchestrální intermezzo ze slavné Bizetovy opery Carmen neuvede posluchače do dalšího aktu opery, nýbrž předznamená árii Sporting life z opery Porgy a Bess George Gershwina. Tento autor je hudebnímu světu známý především svým jazzovým odkazem ve vážné hudbě, či, chcete-li, zanášením pravidel vážné hudby do jazzu.

Popřestávkovou část programu uvádí slavnostní i rozverná polonéza z Čajkovského opery Evžen Oněgin. Z dílny jiného ruského romantika stejné generace Nikolaje Rimského-Korzakova pochází árie kupce z opery Sadko. Tato opera svou evokativností a instrumentálností zastiňuje další skladatelovy opery, naproti tomu je dnes ale poměrně málo známá a uváděná. Její zařazení na repertoár tak podtrhuje široký záběr operního exkurzu zahajovacího večera.

Poněkud se z operního zaměření večera vymyká předehra ke Straussově operetě Netopýr, která je typickým dílem vídeňské provenience druhé poloviny 19. století, značí ji lehký valčíkový rytmus, který jako by chtěl zakonzervovat podobu světa před vstupem do komplikovaného a nejednou dramaticky smutného 20. století.

Druhou polovinu 19. století značí celá řada dalších hudebních skladatelů. Zastoupení francouzského kulturního okruhu zprostředkovává Jacques Offenbach. Tento všestranný hudebník je světu nejvíce znám jako autor kankánu z Orfea v podsvětí a jako završitel žánru komické opery. Jeho operní a operetní tvorba byla typická hlavně důsledným a zdařilým doplňováním hudební a dramatické složky. Během zahajovacího večera zazní z jeho obsáhlého díla árie Click-clack z opery Hoffmannovy povídky.

Celý program uzavírá dvojice italských skladatelů, kteří svým operním dílem poznamenali přelom 19. a 20. století a jejichž vliv se výrazně projevil v operní tvorbě 20. století. Přelomové byly hlavně jejich realistické tendence, které jejich hudební dramata obsahovala. Mascagni byl autorem mnoha oper a hned jeho první opera Cavalleria Rusticana se stala také operou nejslavnější. Program zakončuje árie od Francesca Cilea z opery Arlésanka, ve které se Federico vyznává ze své nenaplněné tajné lásky k dívce z Arles. Slavnou árii v minulosti zpívali velcí tenorové jako Plácido Domingo, Luciano Pavarotti nebo José Carreras. Při premiéře Arlésanky v roce 1897 ji zpíval samotný Enrico Caruso.

Štefan Margita se narodil v Košicích. Mladý talent byl záhy pozván do Vídeňské národní opery a v krátkém čase se stal známým na mezinárodní úrovni. Vystupoval v Ženevě, Dallasu, Paříži a Tel Avivu, Basileji, Stuttgartu, Berlíně, Lipsku a mnohde jinde. Za významné je třeba považovat i jeho hostování v milánské La Scale nebo v Národní opeře v Paříži. Jeho kariéru lemuje celá řada operních rolí, zpíval Jacquina v Beethovenově Fideliu, Narrabotha ve

Straussově Salome, Nemorina v Donizettiho Nápoji lásky nebo Alfreda ve Verdiho La Traviatě v Basileji.

Pro českou hudbu byly významné jeho adaptace postav z Janáčkových oper, které zpíval rovněž na mnoha důležitých světových pódiích. S velkým úspěchem se kupříkladu i díky umění Štefana Margity setkalo provedení opery Příhody lišky Bystroušky v Théâtre des Champs-Elysées v Paříži. Také v současnosti se zpěvák ve velké míře věnuje Janáčkovu dílu a jeho současnou nejvýznamnější rolí je part Laca z opery Její pastorkyňa.

Úspěšnost jeho kariéry potvrzuje fakt, že si jej ke spolupráci zvou přední dirigenti jako Claudio Abbado, Gerd Albrecht, Vladimír Ashkenazy, Jiří Bělohlávek nebo Seiji Ozawa.

Štefan Margita je v prvé řadě operním zpěvákem, ale se stejným zápalem provádí i koncertní pěvecké večery. Na jeho koncertním repertoáru je Beethoven, Mahler, Liszt nebo Kodály. S koncertními programy již navštívil mnohá zahraniční pódia a absolvoval i turné po Japonsku.

V roce 2006 vyšel kompaktní disk Štefana Margity s tvorbou Bély Bartóka, Sylvie Bodorové a Mikuláše Schneidera-Trnavského, který měl skvělou kritickou odezvu doma i v zahraničí. Roku 2009 vyšlo CD JaRaLaj, které je naproti tomu zpěvákovým exkurzem do oblasti worldmusic a přináší výběr slovenských, romských a balkánských písní.

Filharmonie Hradec Králové byla založena původně pod názvem Operní orchestr města Hradec Králové roku 1978. Ke svému současnému názvu se hlásí od roku 1993 a vyjadřuje tím historickou kontinuitu filharmonických těles v krajském městě.

Významné období uměleckého rozkvětu tělesa je spojeno se jménem prof. Františka Vajnara, který jako šéfdirigent pracoval s orchestrem nepřetržitě od roku 1991 až do roku 2001, kdy byl jmenován čestným šéfdirigentem. V letech 2001-2012 působil na postu šéfdirigenta tělesa Ondřej Kukal, který je nadále hlavním dirigentem orchestru. Od roku 2012 je šéfdirigentem FHK Andreas Sebastian Weiser.

Orchestr z Hradce Králové vystoupil v četných významných koncertních síních Evropy a interpretační kvalitu orchestru dokumentují CD nahrávky pro tuzemské i zahraniční společnosti nebo Český rozhlas. Pravidelně FHK účinkuje na významných českých festivalech věnovaných klasické hudbě. Mezi ně patří Mezinárodní operní festival Smetanova Litomyšl, Mezinárodní hudební festival Janáčkovy Hukvaldy a od roku 2005 je filharmonie také pořadatelkou festivalu Hudební fórum Hradec Králové, na kterém se odehrály mnohé české premiéry významných soudobých evropských skladatelů Schnitkeho, Kančeliho, Gubajduliny, Beria nebo Henzeho.

Marek Štilec náleží k mladé dirigentské generaci. Narodil se v roce 1985, ale již stihl absolvovat studium dirigování u Leoše Svárovského a poté úspěšně vystudoval obor dirigování na pražské HAMU.

Přes výrazné mládí je v jeho uměleckém rejstříku již celá řada prestižních jmen. Spolupracuje s řadou významných orchestrů, mezi jinými Symfonickým orchestrem hl. m. Prahy FOK, Českým národním symfonickým orchestrem, Symfonickým orchestrem Českého rozhlasu, Pražskou komorní filharmonií, Pražským komorním orchestrem, Filharmonií Bohuslava Martinů Zlín, Komorní filharmonií Pardubice, JKF České Budějovice, Plzeňskou filharmonií, Akademickými komorními sólisty, Czech Virtuosi, Orchestrem Berg či Orchestrem Opery Ústí nad Labem.

Velký profesionální rozmach charakterizuje i jeho působení na zahraničních scénách, kde účinkuje s New World Symphony, Orchestra of the Swan, London Classical soloists, Berlin Camerata, Kammerphilharmonie Graz, National Orchestra of Moldova a Pärnu City Orchestra.

Kromě koncertů s různými tělesy Marek Štilec nachází uplatnění i v operních inscenacích a radost mu přináší i práce s menšími než symfonickými kolegii. Již v sedmnácti letech založil vlastní komorní sbor Quattro, jehož je dirigentem a uměleckým vedoucím.

Jeho profesionalitu oceňují mnohé výrazné osobnosti české klasické scény. Kromě řady vynikajících pěvců je jeho jméno spojeno i s projekty Martina Kasíka, Irvina Venyše, Lubomíra Brabce, Jaroslava Svěceného, Jiřího Bárty, Jany Bouškové nebo Kateřiny Englichové a podílel se také na CD JaRaLaj hlavního protagonisty večera Štefana Margity.

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http://www.fhk.cz/

 

 

 

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Ticketpreis: 690 | 590 | 490 Kč 

Eröffnungskonzert des Festivals

Operngala

Štefan Margita – Tenor
Philharmonie Hradec Králové
Marek Štilec – Dirigent

Carl Maria von Weber (1786-1826): Freischütz - Ouvertüre
César Franck (1822-1890): Panis angelicus
Franz Schubert (1797-1828): Ave Maria
Gaetano Donizetti (1797-1848): Don Pasquale - Ouvertüre
Una furtiva lagrima, Arie aus der Oper Liebestrank
Georges Bizet (1838-1875): Intermezzo aus der Oper Carmen
George Gershwin (1898-1937): Arie aus der Oper Porgy und Bess

Pause

Petr Iljič Čajkovskij (1840-1893): Polonaise aus der Oper Eugen Onegin
Nikolaj Rimskij-Korsakov (1844-1908): Arie des Kaufmanns aus der Oper Sadko
Johann Strauss ml. (1825-1899): Fledermaus, Ouvertüre zur Operette
Jacques Offenbach (1819-1880): Klein-Zack-Arie aus der Oper Hoffmanns Erzählungen  
Pietro Mascagni (1863-1945): Intermezzo aus der Oper Cavalleria Rusticana    
Francesco Cilea (1866-1950): Lamento di Federico aus der Oper  L´Arlesiana

Was passt besser zu einem feierlichen Eröffnungsabend als eine Oper? Die Operngala des vielleicht bekanntesten tschechischen Opernsängers, Štefan Margita (Tenor), führt deshalb unter Begleitung der Philharmonie Hradec Králové das Eröffnungskonzert auf. Diesen exklusiven Abend gastiert das Kulturhaus Crystal in Česká Lípa (Böhmisch Leipa), der imaginären Hauptstadt des Festivals.

Štefan Margitas künstlerisches Register ist sehr reich. Seine Karriere umfasst viele grundlegende Opernrollen, von denen der Abend gleich etliche anbietet. Das umfangreiche Repertoire pendelt zwischen den Welten der klassischen Opernmusik des 19. Jahrhunderts bis an die Grenzen des Jazz, den der Amerikaner George Gershwin ins Universum der klassischen Musik zu implementieren versuchte.

Der Abend beginnt mit der Ouvertüre zur romantischen Oper „Der Freischütz“ von Carl Maria von Weber. Bereits selbst die Opernouvertüre, die sich im Böhmerwald abspielt, wird für ihre Narrativität und ihre außerordentliche Spannung geschätzt.Es folgt ein zärtliches und wehklagendes Stück Panis angelicus vom belgisch-französischen Komponisten César Franck, das von vielen ausgezeichneten Welttenoristen aufgeführt wurde. Dem schließt sich das Opus Ave Maria von Franz Schubert an, das bei der Vorführung von Opernausschnitten quasi obligatorisch, aber dennoch immer wieder eindringlich ist und den Zuhörer in seinen Bann zieht.

Weiterhin führt der Opernabend seine Zuhörer nach Italien des 19. Jahrhunderts, wo der Autor von siebzig Opern, Gaetano Donizetti, in der höchst produktiven Phase seines Lebens weilte. Donizettis Werk geriet zu Beginn des 20. Jahrhunderts teilweise in Vergessenheit. Sein Comeback erlebte es fünfzig Jahre später, als die internationale Musikszene begann, Donizettis Opern erneut aufzuführen. In Česká Lípa ertönen von Donizettis Werken die Ouvertüre zur Oper Don Pasquale und die Arie Una furtiva lagrima aus der Oper Liebestrank.

Das orchestrale Intermezzo aus der berühmten Bizets Oper Carmen führt die Zuhörer nicht in den nächsten Opernakt, sondern stellt die Arie Sporting Life aus der Oper Porgy und Bess von Gershwin vor. Dieser Autor ist in der Musikwelt insbesondere für seinen Jazz-Nachlass in der klassischen Musik bekannt, oder wenn Sie wollen, für die Implementierung von Regeln der klassischen Musik in den Jazz.

Den zweiten Programmteil eröffnet nach der Pause die feierliche, aber auch ausgelassene Polonaise aus der Oper Eugen Onegin von Tschaikowski. Aus der Werkstatt eines anderen russischen Romantikers derselben Generation, Nikolai Rimsky-Korzakov, stammt die Arie des Kaufmannes aus der Oper Sadko. Diese Oper stellt durch ihre Evokativität und Instrumentalität weitere Opern dieses Komponisten in den Schatten. Paradoxerweise ist sie aber heute relativ unbekannt und wird selten aufgeführt. Ihre Eingliederung in das Repertoire dieses Eröffnungsabends unterstreicht insofern eine breite Palette des Opernexkurses.

Gewissermaßen entzieht sich die Ouvertüre zur Oper Die Fledermaus von Johann Strauss der Leitidee des Abends. Die Ouvertüre ist ein typisches Werk der Wiener Provenienz der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Sie kennzeichnet sich durch einen leichten Walzerrhythmus, der die Weltgestaltung vor dem Eintritt ins komplizierte und nicht einmal dramatisch traurige 20. Jahrhundert quasi einkonservieren wollte.

Die zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts charakterisiert eine Vielzahl weiterer Komponisten. Den französischen Kulturkreis vertritt Jacques Offenbach. Dieser vielseitige Musiker ist der Welt vorrangig als Autor des Cancans aus der Operette Orpheus in der Unterwelt sowie als jener Komponist bekannt, der die Genre der komischen Oper gipfelte.Für sein Opern- und Operettenschaffen war hauptsächlich die konsequente und gelungene Verflechtung musikalischer und dramatischer Komponenten typisch. Während des Eröffnungsabends ertönt aus seinem umfangreichen Werk die Klein-Zack-Arie aus der Oper Hoffmanns Erzählungen.

Das ganze Programm schließen zwei italienische Komponisten ein, die durch ihr Opernschaffen die Wende des 19. und 20. Jahrhundert kennzeichneten und das Operettenschaffen des 20. Jahrhunderts beträchtlich beeinflussten. Bahnbrechend waren insbesondere die in ihren Dramen beinhalteten realistischen Tendenzen. Mascagni war der Autor vieler Opern, und gleich seine erste Oper Cavalleria Rusticana wurde zu der berühmtesten. Das Programm beendet die Arie von Francesco Cilea aus der Oper L´Arlesiana, in der Federico seine unerfüllte geheime Liebe zu einem Mädchen von Arles gesteht. Die berühmte Arie sangen in der Vergangenheit große Tenöre wie Plácido Domingo, Luciano Pavarotti oder José Carreras. Bei ihrer Opernpremiere 1897 sang diese Arie selbst Enrico Causo.

Štefan Margita wurde in Košice, in der Ostslowakei, geboren. Das junge Talent wurde bald in die Wiener Nationaloper eingeladen und wurde in kurzer Zeit auf internationaler Ebene bekannt. Er trat in Genf, Dallas, Paris, Tel Aviv, Basel, Stuttgart, Berlin, Leipzig und in vielen anderen Städten auf. Von großer Bedeutung ist beispielsweise auch sein Gastieren in der Mailänder La Scala oder in der Nationaloper in Paris. Seine Karriere zeichnet sich durch eine Vielzahl von Opernrollen aus. Er sang Jacquino in Beethovens Fidelio, Narraboth in Straussens Salome, Nemorino in Donizettis Liebestrank oder Alfredo in Verdis La Traviata in Basel.

Für die tschechische Musik waren seine Adaptierungen der Rollen aus Janáčeks Opern, die er ebenfalls auf vielen wichtigen Weltpodien sang, von Bedeutung. Einen großen Erfolg feierte zum Beispiel, auch dank Margitas großen Könnens, die Inszenierung der Oper Das schlaue Füchslein im Théâtre des Champs-Elysées in Paris. Auch in der Gegenwart widmet sich der Sänger in großem Maße Janáčeks Werk. Seine momentan bedeutendste Rolle ist der Part von Laco aus der Oper Jenůfa (Ihre Ziehtochter).

Den Erfolg seiner Karriere bestätigt der Fakt, dass er von führenden Dirigenten wie Claudio Abbado, Gerd Albrecht, Vladimír Ashkenazy, Jiří Bělohlávek oder Seiji Ozawa zur Zusammenarbeit eingeladen wird. Štefan Margita befindet sich in der ersten Reihe der Opernsänger, gibt aber mit gleichem Enthusiasmus auch konzertante Gesangsabende.

In seinem Konzertrepertoire befinden sich Beethoven, Mahler, Listz oder Kodály. Mit seinen Konzertprogrammen besuchte er bereits viele ausländische Podien und absolvierte auch eine Tournee durch Japan. 2006 erschien die Štefan Margitas Kompakt-Aufnahme mit dem Werk von Béla Bartók, Sylvia Hororová und Mikuláš Schneider-Trnavský, die im In- sowie im Ausland hervorragenden Anklang fand. 2009 erschien die CD-Aufnahme JaRaLaj, die demgegenüber ein Exkurs des Sängers in den Bereich der Worldmusic ist und eine Auswahl slowakischer, balkanischer und verschiedener Roma Lieder vorträgt.

Die Philharmonie Hradec Králové wurde 1978 ursprünglich unter dem Namen „Das Opernorchester der Stadt Hradec Králové“ gegründet. Ihre jetzige Bezeichnung trägt sie seit 1993. Sie äußert dadurch eine historische Kontinuität des philharmonischen Ensembles in der Bezirksstadt.

Die bedeutende Etappe in der künstlerischen Blütezeit der Philharmonie wird mit dem Namen des Prof. František Vajnar verbunden, der als Chefdirigent mit dem Orchester zwischen 1991 und 2001 ununterbrochen arbeitete. Während dieser Zeit wurde er zum Ehrenchefdirigenten ernannt. In den Jahren 2001-2012 war Ondřej Kukal der Chefdirigent des Orchesters, der auch ferner der Hauptdirigent des Orchesters ist. Zum Chefdirigenten der Philharmonie Hradec Králové wurde im Jahre 2012 Andreas Sebastian Weiser ernannt.

Das Orchester aus Hradec Králové trat in vielen bedeutenden Konzertsälen Europas auf. Seine Interpretationsqualität dokumentieren CD-Aufnahmen für inländische- sowie ausländische Gesellschaften oder für den Tschechischen Rundfunk. Die Philharmonie HK tritt regelmäßig auf tschechischen Festivals auf, welche der klassischen Musik gewidmet sind. Dazu gehören das Internationale Opernfestival „Smetanas Litomyšl“ sowie das Internationale Musikfestival „Janáček Hukvaldy“. Seit 2005 ist die Philharmonie der Veranstalter des alljährlichen Festivals klassischer Musik namens „Musikforum Hradec Králové“, auf dem viele tschechische Premieren bedeutender gegenwärtiger europäischer Komponisten, wie z.B. von Šnitke, Kančeli Gubajduliny, Berio oder Henze, aufgeführt wurden.

Marek Štilec gehört zur jungen Generation der Dirigenten. Er wurde 1985 geboren, absolvierte aber bereits sein Dirigierstudium bei Leoš Svárovský und beendete erfolgreich das Fach Dirigieren an der Prager Akademie der musischen Künste (HAMU).

Trotz seines jungen Alters findet man in der Liste seiner künstlerischen Laufbahn bereits eine Vielzahl renommierter Namen. Er arbeitet mit vielen bedeutenden Orchestern zusammen, unter anderem mit dem Symphonischen Orchester der Hauptstadt Prag FOK, mit dem Tschechischen Symphonischen Orchester, mit dem Symphonischen Orchester des Tschechischen Rundfunksenders, mit der Prager Kammerphilharmonie, mit dem Prager Kammerorchester, mit der Bohuslav-Martinů-Philharmonie Zlín, mit der Kammerphilharmonie Pardubice, mit der Südböhmischen Kammerphilharmonie České Budějovice, mit der Pilsner Philharmonie, mit Akademischen Kammersolisten, mit Czech Virtuosi, mit dem Orchester Berg oder mit dem Orchester der Oper Ústí nad Labem.  

Seinen großen professionellen Aufschwung charakterisiert auch sein Wirken im Ausland, wo er mit New World Symphony, Orchestra of the Swan, London Classical soloists, Berlin Camerata, Kammerphilharmonie Graz, National Orchestra of Moldova und Pärnu City Orchestra auftritt.

Neben Konzerten in verschiedenen Musikformationen verschafft sich Marel Štilc auch in Operninszenierungen Anerkennung. Freude hat er auch an der Zusammenarbeit mit kleineren symphonischen Ensembles. Bereits im Alter von siebzehn Jahren gründete er sein eigenes Kammerensemble „Quattro“, dessen Dirigent und künstlerischer Leiter er ist. Seine Professionalität wird von vielen bedeutenden Persönlichkeiten der klassischen Musikszene Tschechiens hoch geschätzt. In der Reihe ausgezeichneter Sänger verbindet man seinen Namen auch mit Projekten von Martin Kasík, Irvin Venyš, Lubomír Brabec, Jaroslav Svěcený, Jiří Bárta, Jana Boušková oder Kateřina Englichová. Er beteiligte sich auch an der CD-Aufnahme JaRaLaj des Hauptprotagonisten dieses Abends: Štefan Margita.

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Ticketpreis: 590 | 490 | 390 Kč

Giuseppe Scarlatti (1723-1777): Armida, Oper
Kammeroper aus dem Schlossarchiv von Böhmisch Krumau

Florea Theatrum
Armida – Alice Martini
Rinaldo – Alžběta Poláčková
Utaldo – Jaroslav Březina
Barockorchester Musica Florea
Balett – Hartig Ensemble / Helena Kazárová – Choreografie, künstlerische Leiterin
Dirigent – Marek Štryncl

Das Libretto von Marco Coltellini für die Oper Armida war ein relativ bekanntes Werk, an dessen Vertonung sich etliche Autoren versuchten , unter anderem auch Antonio Salieri. Guiseppe Scarlatti bearbeitete jedoch als Allererster die Vorlage im Jahre 1766. Sein Weg führte ihn nach Wien, wo die Italiener gerade zu dieser Zeit den Takt auf dem Gebiet des Opernschaffens angaben und die Welt von der italienischen Vorherrschaft überzeugten

Scarlatti selbst war Autor von mehr als dreißig Opernwerken.

Scarlattis Gönner war die Familie Schwarzenberg, bei der er als Hauslehrer für Musik angestellt war. Die Oper über die wunderschöne Zauberin Armida und den christlichen Ritter Rinaldo ist gerade dem Fürsten Josef Adam von Schwarzenberg und seiner Tochter Marie Terezie gewidmet. Akten im Archiv zu Böhmisch Krumau (Český Krumlov) lassen vermuten, dass die Oper wahrscheinlich privat im Schloss von Böhmisch Krumau aufgeführt wurde.

In Europa gab es einst Hunderte von kleinen Schlosstheatern, die zum Amüsement ihrer Besitzer und zur Repräsentation ihres Sitzes dienten. Die Adeligen traten auch häufig selbst in kurzen Hausopern auf. In Schlössern zu Leitomischl (Litomyšl) und insbesondere in der Residenz des Fürstenhauses Schwarzenberg in Böhmisch Krumau ist bis heute nicht nur eine vollkommene technische Ausstattung des Schlosstheaters aus der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts erhalten geblieben, sondern es ist auch reichhaltiges Archivmaterial vorhanden, das Zeugnis über das Betreiben der Heimbühne ablegt. Man kann darin einen Einblick in das gespielte Repertoir bekommen. Die bisher überlieferten Werke zeigen nur einen winzigen Bruchteil des damaligen Schaffens. Mit der detaillierten Rekonstruktion und Wiederaufführung der fast zweihundertfünfzigjährigen Oper hat man sich bemüht eine exakte Gestaltung derselben zu präsentieren, wie man sie sonst wohl nicht mehr erlebt. Vielleicht besteht gerade darin der größte Beitrag des Projektes Florea Teatrum.

Die puristische Aufführung der Hochbarockoper folgt allen möglichen Aspekten, damit das Ergebnis dem Original möglichst nahe kommt. Aus diesem Grund ist ein wichtiger Bestandteil der Opernaufführung auch das Balett des Hartig Ensembles. Einmalig ist jedoch insbesondere die transportable Theaterbühne aus Holz, die speziell für die Aufführung von Armida angefertigt wurde, obwohl sie auch für ein breiteres Spektrum von Aufführungen von Musik- und Schauspielvorstellungen genutzt werden kann. Bei den Kulissen wird barocke Konstruktionstechnologie und die Tiefenperspektive genutzt. Die Poetik und Authentizität der Bühnenarchitektur wird durch die Beleuchtung der Bühne abgerundet, zu der Kerzen und ein System von Spiegeln verwendet werden. Zusammengenommen entsteht so die Poetik der Bühnenarchitektur eines historischen Theaters.

Das Ensemble Musica Florea wurde 1992 gegründet. Zum Initiator dessen Gründung wurde der Violincellist Marek Štryncl, der zugleich als sein Orchesterdirigent wirkt. Musica Florea beschäftigte sich als eines der ersten Ensembles in der Tschechischen Republik mit der Interpretation der alten Musik. Ein unverzichtbarer Bestandteil der Vorstellungen des Ensembles ist das Spiel auf originalen historischen Instrumenten oder deren Kopien und das detaillierte Studium der zeitgenössischen Musikquellen und deren Ästethik allgemein. Dies bildet die Basis der Ensembletätigkeit und ist zugleich auch der Grund für seinen Erfolg.

Das breite Repertoir umfasst nicht nur instrumentale Kammermusik, sakrale sowie profane instrumentale Kompositionen, sondern auch Orchestralkonzerte und monumentale symphonische Kompositionen, Opern- sowie Oratorienwerke. Die Konzerttätigkeit des Ensembles säumen Auftritte auf bedeutenden Weltfestivals. An verschiedenen Projekten arbeitet Musica Florea mit exelenten Solisten und Ensembles zusammen. Unter den Mitwirkenden erscheinen Namen wie Magdalena Kožená, Philippe Jaroussky, Nancy Argenta oder Véronique Gens.

Mit großer Resonanz trat das Ensemble Musica Florea auf zahlreichen ausländischen Bühnen auf. Hoch geschätzt sind auch seine Aufnahmen. Die französische Zeitschrift Diapason sprach dem Ensemble die höchste Würdigung für Missa Sanctissimae Trinitatis aus. Zu Hause lobten die Kritiker sowie die Zuhörer wiederum das Projekt der Arien von Bach mit Magdalena Kožená. Hoch geschätzt wurde auch die Interpretation der Werke von Johann Sebastian Bach in der Variation des Ensembles auf dem Festival im kroatischen Varazdin Musica Florea bietet aber vor allem bereits seit mehr als zehn Jahren regelmäßig Konzertreihen an, in denen es neuentdeckte Werke der alten Meister wiederaufführt und sich bemüht, diese in höchstmöglichem Maße ihrer Interpretationsoriginalität zurück ins Leben zu bringen.

Der Violincellist Marek Štryncl stammt aus Jablonec und ist ein universaler Musiker, der nicht nur ein hervorragender Instrumentalist, sondern der darüber hinaus auch als Dirigent, Chormeister und Komponist tätig ist. Bereits während seines Studiums am Konservatorium in Teplice (Tepliz) war er Konzertmeister der Nordböhmischen Philharmonie. Daraufhin machte er an der Prager Akademie der musischen Künste im Fach Dirigieren seinen Abschluss und studierte barockes Violincello an der Akademie für alte Musik in Dresden. Sein breites Repertoir umfasst das Schaffen vom Frühbarock bis zur Romantik sowie gegenwärtige Kompositionen. Sein Interesse für die Interpretation der alten Musik führte ihn 1992 dazu, dass er das Ensemble Musica Florea gründete, das sich vornehmlich dem barocken und klassizistischen Schaffen widmet. Entweder als Interpret als auch gemeinsam mit dem Ensemble nahm Marek Štryncl mehrere Tonträger auf, die in Fachkreisen eine hohe Resonanz fanden. Auf der Suche nach musikalischen Herausforderungen wagt sich Marek Štryncl ab und zu auch an Experimente. Dazu gehört ein gemeinsames erinnerungswürdiges Programm mit Iva Bittová. Gerade bei der Barockoper war es jedoch Marek Štryncl, der das Projekt des mobilen Barocktheaters Florea initiierte und sich dafür begeisterte.

http://musicaflorea.cz/

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Cena vstupenky: 590 | 490 | 390 Kč

Florea Theatrum
Armida – Alice Martini
Rinaldo – Lucie Rozsnyó
Utaldo – Jaroslav Březina 
barokní orchestr Musica Florea
balet – Hartig Ensemble /Helena Kazárová
dirigent – Marek Štryncl

Program: Giuseppe Scarlatti: Armida, opera

Komorní opera (1766) ze zámeckého archívu Českého Krumlova

Pozvánka Marka Štryncla na představení v České Lípě:

Libreto Marca Coltelliniho pro operu Armida bylo poměrně známým dílem, jehož zhudebnění se chopilo několik autorů, mimo jiné také Antonio Salieri. Úplně poprvé ale námět zpracoval v roce 1766 Giuseppe Scarlatti. Tak jako mnozí jeho krajané našel Scarlatti uplatnění na sever od Alp. Scarlattiho jeho dráha dovedla do Vídně, kde v té době Italové udávali rytmus a přesvědčovali svět o italské nadvládě na poli operní tvorby. Sám Scarlatti byl autorem více jak třiceti operních děl.

Scarlattiho mecenášem byla knížecí rodina Schwarzenbergů, u kterých byl domácím učitelem hudby. Právě knížeti Josefu Adamovi Schwarzenbergovi a jeho dceři Marii Terezii byla opera o krásné kouzelnici Armidě a křesťanském rytíři Rinaldovi dedikována. Archivní výzkum v Českém Krumlově implikuje, že opera byla pravděpodobně prováděna v soukromí na českokrumlovském zámku.

V Evropě byly kdysi stovky malých zámeckých divadel, která sloužila k pobavení jejich majitelů a reprezentaci jejich sídla. V drobných domácích operách šlechtici často i vystupovali. Na zámcích v Litomyšli a zejména na schwarzenberské rezidenci v Českém Krumlově se dodnes uchovalo nejen dokonalé technické vybavení zámeckého divadla z druhé poloviny 18. století, ale též bohatý archivní materiál, který vydává svědectví o provozování domácích scén a nechává nahlédnout i do hraného repertoáru. Dodnes dochovaná díla ale tvoří jen nepatrný zlomek tehdejší produkce. Detailní rekonstrukce a obnovená premiéra takřka dvěstěpadesátileté opery se snaží udržet přesnou podobu něčeho, co už tu dávno není. Snad právě v tom ční největší přínos projektu Florea Theatrum.

Puristické provedení opery vrcholného baroka sleduje všechny možné aspekty, aby výsledek byl originální předloze co nejbližší. Proto je důležitou součástí opery také balet v podání Hartig Ensemblu. Největší unikum projektu ale tkví především ve vytvoření převozné dřevěné divadelní scény, která byla vyrobena právě pro uvedení Armidy, ačkoliv umožňuje i uvádění širokého spektra hudebních i činoherních představení. Kulisy užívají barokní konstrukční technologie a hloubkovou perspektivu. Poetiku a autentičnost jevištní architektury završuje nasvícení scény, ke kterému je užito svíček a systému zrcadel. To vše dohromady vytváří poetiku jevištní architektury historických divadel.

Musica Florea byla založena v roce 1992. Iniciátorem jejího založení se stal violoncellista Marek Štryncl, který je dirigentem souboru. Musica Florea se jako jeden z prvních ansámblů u nás začala věnovat poučené interpretaci staré hudby. Nedílnou součástí jeho podání je hra na originální historické nástroje nebo jejich kopie a pečlivé studium dobových hudebních pramenů a estetiky obecně. To je základem činnosti souboru a zároveň i zárukou jeho renomé.

Široký repertoár zahrnuje instrumentální komorní hudbu, světské i duchovní vokálně-instrumentální skladby, ale i orchestrální koncerty a monumentální skladby symfonické, operní a oratorní. Koncertní činnost souboru lemují vystoupení na významných světových festivalech. Na různých projektech Musica Florea spolupracuje s excelentními sólisty a ansámbly. Ve výčtu jeho spolupracovníků se pohybují jména jako Magdalena Kožená, Philippe Jaroussky, Nancy Argenta nebo Véronique Gens.

S četnými ohlasy se Musica Florea setkala na mnoha zahraničních scénách, a stejně jsou ceněny její nahrávky. Francouzský časopis Diapason souboru udělil nejvyšší ohodnocení za Missa Sanctissimae Trinitatis, v domácím prostředí zase kritiky i posluchače vysoce zaujal projekt Bachových árií s Magdalenou Koženou. Interpretaci děl Johanna Sebastiana Bacha v podání souboru byla vysoce hodnocena na festivalu v chorvatském Varaždinu. Musica Florea ale především již více jak deset let pravidelně uvádí koncertní řady, ve kterých uvádí nově objevená díla starých mistrů, jež se snaží vrátit k životu v nejvyšší možné míře jeho interpretační původnosti.

Jablonecký violoncellista Marek Štryncl je univerzálním muzikantem, který, kromě toho že je vynikajícím instrumentalistou, se věnuje též dirigentství, sbormistrovství a skladatelské činnosti. Již v době svých studií na konzervatoři v Teplicích zastával funkci koncertního mistra Severočeské filharmonie. Poté absolvoval pražskou AMU v oboru dirigování a studoval barokní violoncello na Dresdner Akademie für alte Musik.

V širokém repertoárovém záběru se zabývá tvorbou od raného baroka až po romantismus a soudobé skladby. V roce 1992 ho jeho zájem o interpretaci staré hudby vedl k tomu, že založil soubor Musica Florea, s nímž se věnuje hlavně barokní a klasicistní tvorbě. Buď jako interpret nebo společně se souborem Marek Štryncl nahrál desítky CD nosičů, které se v odborných kruzích setkaly s vysokou odezvou. V hledání hudebních výzev Marek Štryncl zavítá občas i do vod experimentálnějších. Z nich lze připomenout společný program s Ivou Bittovou. Je-li však řeč o barokní opeře, je na místě připomenout, že to byl právě Marek Štryncl, který inicioval a nadchl pro projekt převozného barokního divadla Florea.

http://musicaflorea.cz/

23.09.2014 - 06:30 | Česká Lípa, Jirásek Theater
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Ticketpreis: 100 Kč
 

Lípa Musica für Kinder

Öffnung der Brunnen

 

Severáček –Reichenauer Kinderchor der Grundschule für Kunst
Silvie Pálková –Chorleiterin
Jiří Kubík –Bariton
Pavel Soukup –Erzähler
Jurij Horbačuk –Geige
Olessia Voliček –Geige
Ištván Matejča –Bratsche
Eva Dvořáková –Klavierbegleitung

 

Milan Uherek (1925-2012), Bearbeitung: Ej, děvča olšanské (mährisches Volkslied)
Dúbravěnko zelená (mährisches Volkslied)
Už ho vedou, Martina (Suite tschechischer und mährischer Lieder)
Miroslav Raichl (1930 – 1998): Lieder ohne Regenschirm (Zyklus von Liedern für Kinderchor und Klavier)
Bruno Coulais (1954): Caresse sur l ´océan
Cerf-volant  (Lieder aus dem Film „Nachtigallen im Käfig“)
Petr Eben (1929 – 2007): Kdyby tu nic nebylo Wenn hier nichts wäre (aus dem Zyklus „Es grünt das Zweiglein“)
Bohuslav Martinů (1890 – 1959):Öffnung der Brunnen (Kantate für Kinderchor, zwei Geigen, Bratsche, Klavier, Baritonsolo und Rezitator)

Die Jugend ist unsere Hoffnung und die Lifeperformance dieses jungen Ensembles beweist, dass es mit der Musik auch in den nächsten Dekaden nicht schecht aussieht. Bereits jetzt besteigen das Podium junge Sänger, die vielleicht einmal zu hochrangigen Künstlern werden und weltberühmte Säle füllen werden. Die künftigen Stars treten für das Publikum unter dem Titel „Öffnung der Brunnen“ auf. Das Kinderprogramm des Festivals findet im Jirásek-Theater statt.

Milan Uherek studierte an der Philosophischen Fakultät in Brünn sowie an der pädagogischen Fakultät und an der Janáček-Akademie der musischen Künste in Brünn. Sein Schaffen ist seit den fünfziger Jahren mit Liberec (Reichenau) verbunden, wo er 60 Jahre lang als Chorleiter, Korrepetitor und Dirigent der Oper im F.X.Šalda-Theater tätig war. Ebendort gründeten er und seine Frau Jiřina einen Chor für Kinder und Jugendliche. Den Kinderchor gründete Milan Uherek bereits im Jahre 1954. Seit 1958 trägt der Chor den Namen „Severáček“ und Milan Uherek stand bis in die neunziger Jahre an seiner Spitze. Doch auch danach engagierte er sich noch im Kinderchor und war als künstlerischer Berater tätig. Den Kindern widmete er auch beinahe sein ganzes Notenmaterial. Seine Kompositionen und Bearbeitungen waren fast komplett dem Chor Severáček gewidmet.

Ein Komponist von zahlreichen für den Chor bestimmten Liedern war auch Miroslav Rajchl, der sonst ein universaler Komponist der Kammer-, Orchester- sowie Vokalmusik war. Sein Zyklus „Lieder ohne Regenschirm“ führte der Chor bereits im vorigen Jahr auf dem Festival Prager Frühling auf. Die Komposition beinhaltet nicht nur Sinn für Humor und Poesie, im Programm ist sie auch eine angenehme Abwechslung.

Bruno Coulais, ein zeitgenössischer französischer Komponist, konzentriert sich hauptsächlich auf Filmmusik und ist Komponist vieler französischer Filmmusiken. Frankreichs Grenzen überschritt der Erfolg des Filmes „Nachtigallen im Käfig“ (Les Choristes), der von einem Jungenchor an einer konservativen Internatsschule handelt. Das Programm beinhaltet zwei Lieder aus diesem Film. Ein weiteres Lied, welches das reiche Können des Chores zeigt, ist das Lied „Wenn hier nichts wäre“ aus dem Zyklus „Es grünt das Zweiglein“ des Komponisten Petr Eben. In diesem Werk stellt Eben die vier Jahreszeiten von Frühling bis Winter dar und ist damit zum einen modern und erreicht andererseits auch das Interesse von einem Kinderpublikum sowie von jungen Interpreten.

Das Programm wird durch die Kantate von Bohuslav Martinů mit dem Namen „Die Öffnung der Brunnen“ beendet, die dem ganzen Konzertprogramm ihren Namen verleiht. Die Inspiration für dieses Werk fand Martinů während seines Aufenthaltes in der Böhmisch-Mährischen Höhe und es erinnert an das symbolische Frühjahrsritual der Öffnung der Brunnen. Die Komposition entstand jedoch erst mit Abstand von einigen Jahren anhand der Worte des Dichters Miloslav Bureš, der am Ritual der Öffnung der Brunnen teilnahm und darüber ein Gedicht schrieb. Dann wendete er sich an seinen Freund Bohuslav Martinů, der den Text vertonte.  

Geleitet wurde der Kinderchor Severáček seit seiner Gründung in den fünfziger Jahren vom Ehepaar Uherka. Der Erfolg des Chores, der an der Grundschule für Kunst in Liberec (Reichenau) wirkt, wird von über dreißig Siegen in internationalen Wettbewerben daheim sowie im Ausland bestätigt. Begeisterte Ovationen erlebten die Chormitglieder bereits in zwölf europäischen Ländern, aber auch in Jordanien, Südkorea, Kanada, in den USA oder in Japan, wo der Chor die Tschechische Republik auf der Weltausstellung EXPO 2005 repräsentierte. Im Repertoir von Severáček sind alle künstlerischen Epochen vom Mittelalter bis zur Gegenwart vertreten, einschließlich moderner experimenteller Chorkompositionen.

Mit der gleichen Begeisterung interpretiert Severáček auch Volkslieder. Der Chor bringt so neue und allseitige Talente hervor, die später auf Opernbühnen nicht nur bei uns, sondern auch in Dresden, München oder in Paris tätig sind. Severáček arbeitet auch oft mit der Opernszene des F. X. Šalda-Theaters zusammen und nimmt an vielen derer Vorstellungen sowie an Aufnahmen für Rundfunk und Fernsehen teil. Eingeladen wird der Chor außerdem zu internationalen prestigträchtigen Festivals, zu denen auch der Prager Frühling gehört .

Die gegenwärtige Chor- und künstlerische Leiterin ist Silvie Pálková, die unter tschechischen Chorleiterinnen eine angesehene Persönlichkeit ist. Sie absolvierte das Konservatorium in Pardubice (Pardubitz) und sitzt ebenfalls oft als Preisrichterin in Jurys bei internationalen Wettbewerben. Neben der Tätigkeit im Chor Severáček ist sie als Chorleiterin des gemischten Vokalensembles „Ještěd“ und als Solosängerin tätig. Sie ist Trägerin des Preises „Junior-Chorleiter“ und des „Ferdinand-Vach-Preises“.

http://severacek.cz/

23.09.2014 - 07:00 | Česká Lípa, Jiráskovo divadlo
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cena vstupenky: 100 Kč
Vstupenky na první představení jsou pouze pro školy a školky. Na druhé představení je možné vstupenky zakoupit ve festivalové kanceláři.

Severáček – liberecký dětský sbor ZUŠ
Silvie Pálková – sbormistryně
Jiří Kubík – baryton
Milan Hodný – vypravěč
Jurij Horbačuk – housle
Olessia Voliček – housle
Ištván Matejča – viola
Eva Dvořáková – klavírní spolupráce

Program:
Milan Uherek (1925-2012) 
- úprava: Ej, děvča olšanské (moravská lidová)
- Dúbravěnko zelená (moravská lidová)
- Už ho vedou, Martina (suita českých a moravských lidových písní)

Miroslav Raichl (1930 – 1998)
- Písničky bez deštníku (cyklus písní pro dětský sbor a klavír)
Bruno Coulais (1954) 
- Caresse sur l ´océan
- Cerf-volant (písně z filmu Slavíci v kleci)

Petr Eben (1929 – 2007)
- Kdyby tu nic nebylo (z cyklu Zelená se snítka)
Bohuslav Martinů (1890 – 1959):
- Otvírání studánek (kantáta pro dětský sbor, dvoje housle, violu, klavír, barytonové sólo a recitátora)

Mládí je naší nadějí a živá performance mladého sboru dává příslib, že to s hudbou nebude vypadat zle ani v příštích dekádách. Již teď na pódia vystupují mladí zpěváci, ze kterých snad jednou budou umělci plnící věhlasné sály. Budoucí hvězdy vystoupí pro budoucí publikum v prozatím dětském vystoupení s názvem Otvírání studánek. Dětský program festivalu hostí Jiráskovo divadlo v České Lípě.

Milan Uherek studoval v Brně na Filozofické fakultě, pedagogické fakultě a na JAMU. Jeho další působení bylo od padesátých let spojeno s Libercem, kde působil po 60 let jako sbormistr, korepetitor a dirigent opery v Divadle F. X. Šaldy. Tamtéž se společně se svou ženou Jiřinou stali zakladateli a inspirátory sborové práce s dětmi a mládeží. Dětský sbor zde založil již v roce 1954. Od roku 1958, kdy sbor přijal jméno Severáček, stál Milan Uherek v jeho čele až do devadesátých let. Ani poté nezůstal stranou a jako umělecký poradce do činnosti sboru dále promlouval. Dětem Milan Uherek věnoval i takřka celý svůj notový materiál, jeho kompozice a úpravy byly většinou určeny právě pro Severáček.Autorem četných písní určených pro sborové provedení byl i Miroslav Raichl, který byl jinak univerzálním skladatelem komorní, orchestrální i vokální hudby. Jeho cyklus Písničky bez deštníku již sbor uvedl v loňském roce na festivalu Pražské jaro. Skladba krom jiného uplatňuje smysl pro humor a poezii a je v programu příjemným odlehčením.Bruno Coulais, současný francouzský skladatel, se výrazně profiluje na filmovou hudbu a je autorem hudebních podkladů k desítkám francouzských filmů. Za hranice Francie přesáhl ohlas filmu Slavíci v kleci (Les Choristes), který pojednává o sboru složeném z problémových chlapců konzervativní internátní školy. Z tohoto filmu jsou na programu připraveny dvě písně.Možnostem sborového hlasu vychází vstříc i píseň Kdyby tu nic nebylo z cyklu Zelená se snítka skladatele Petra Ebena. V díle Eben sledoval průběh celého roku od jara do zimy a docílil v něm spojení modernosti s atraktivitou pro dětského posluchače i interpreta.Program uzavírá kantáta Bohuslava Martinů s názvem Otvírání studánek, která dává název celému koncertnímu programu. Dílo je inspirováno pobytem Martinů na Českomoravské vysočině a upomíná na symbolický obřad jarního otvírání studánek. Vzniklo ale až v několikaletém odstupu na slova  básníka Miloslava Bureše, který se rituálu otvírání studánek účastnil a napsal o něm báseň. Potom se obrátil na svého přítele Bohuslava Martinů, který slova básně zhudebnil.

Ústředními postavami dětského sboru Severáček byli od jeho založení v padesátých letech manželé Uherkovi. Činnost sboru působícího při liberecké základní umělecké škole lemuje na třicet vítězství na mezinárodních soutěžích doma i v zahraničí. S nadšenými ovacemi se jeho členové shledali již ve dvaceti evropských zemích, ale též v Jordánsku, Jižní Koreji, v Kanadě, USA nebo v Japonsku, kde sbor reprezentoval Českou republiku na výstavě EXPO 2005.

V repertoáru Severáčku jsou zastoupena všechna umělecká období od středověku po současnost, včetně moderních experimentálních sborových kompozic. Se stejným nadšením ale Severáček interpretuje také písně lidové. Sbor tak vychovává nové a všestranné talenty, po kterých později sahají operní scény u nás, ale též v Drážďanech, Mnichově nebo Paříži. Severáček často spolupracuje také s operní scénou Divadla F. X. Šaldy a účastní se mnohých představení, natáčení pro rozhlas a televizi, je zván na prestižní mezinárodní festivaly, mezi kterými nechybí ani Pražské jaro.

Současnou sbormistryní a uměleckou vedoucí je Silvie Pálková, která je mezi českými sbormistryněmi výraznou postavou. Absolvovala konzervatoř v Pardubicích a často působí jako porotkyně na mezinárodních soutěžích. Kromě činnosti v Severáčku působí jako sbormistryně smíšeného pěveckého sboru Ještěd a sólová zpěvačka. Je nositelkou cen Sbormistr-junior a Ceny Ferdinanda Vacha.

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Ticketpreis: 250 Kč
 

Jono McCleery – Gesang, Gitarre
There Is

Im Festivalprogramm wird alljährlich auch an die Projekte gedacht, die mit ihrer Orientierung über die Welt der klassischen Musik hinausgehen. Das Festival findet auch an ungewöhnlichen Auftrittsorten statt, zu denen auch das Zentrum für Textildruck in Česká Lípa (Böhmisch Leipa) gehört. Diesmal treffen die Zuschauer hier auf eine der herausragendsten Persönlichkeiten der Londoner Folkmusik - Jono McCleery.

Der englische Liedermacher Jono McCleery machte durch ettliche Singels auf sich aufmerksam. Mit Neuaufnahmen, wie z.B. das auf seiner Singel befindliche Lied „Wonderful Life“, überzeugte McCleery davon, dass er auch mit einer banalen ursprünglichen Pop-Version eine tiefe innerliche und expressive Aussage treffen kann. Das erste Album unter dem Titel Darkest Light gab er dank der Unterstützung seiner Fans im Jahre 2008 heraus.

Die Arbeiten am nächsten Album verliefen bereits unter dem Dach des Labels Ninja Tune.

Dieser Verlag wurde 1990 in London von zwei DJs (Matt Black und Jonathan More), welche bahnbrechend für die elektronische Popmusik sind, gegründet. Ihre Idee war es, den nicht kommerziellen Musikern der überwiegend elektronischen Musik, die mit neuen progressiven Verfahren in Genres wie Trio Hop, Hip Hop, Nu Jazz, Drum and Bass und Chillout experimentierten, zu helfen. Jono McCleery ist mit seiner Orientierung bei diesem Label eher eine Ausnahme. Auf der anderen Seite gilt es, dass die oft propagierten Crossover-Tendenzen, d.h. die Grenzen zwischen Genres verschmelzen. Der Liedermacher Jono McCleery beweist dies im Großen und Ganzen beim Label Ninja Tune.

Das aktuelle Album „There is“ ist ein tiefer Brunnen der musikalischen Inspiration des Interpreten. Seine Musik wird beeinflusst von Miles Davis, Massive Attack, John Martyn, Fink und Radiohead. All dies ist verpackt in einem phantastisch  produzierten Album, über das sich einige Fachleute wie über ein aus Liebe geborenes Kind äußerten. Jonos Musik ist damit zeitlos. Es spiegelt Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft in einem Augenblick wider.

Das Albums von McCleery „There Is“ ist eine wunderbare Entdeckung und bestätigt die Progressivität des Labels Ninja Tune. Genauso wie dessen Philosophie öffnet sich auch „There Is“ einer Vielzahl von Einflüssen und Ideen. Darüber hinaus ist es aber auch tiefsinnig aufgebaut und bringt damit dem Zuhörer, der in diese Musik eintaucht, ein neues, wenig erwartbares und nicht immer einfach lesbares Musikerlebnis.

Die Musik auf dem Album zeichnet sich durch eine finstere Sinnlichkeit aus. Es handelt sich um ein melanchonisches Essay über Beziehungen, in denen Zweifel und Angst auftauchen.

Vielleicht ist es aus diesem Grund herausragend und überlebt in der Gegenüberstellung zur blitzenden und fast lasziv klingenden Pop-Musik.

Jono McCleery ist sich jedoch völlig der Art seiner Mitteilung bewusst. Nicht weniger expressiv und narrativ ist auch seine Form. Der Stimmausdruck des Londoner Sängers ist temperamentvoll und passt zu den Inhalten der Texte.Die musikalische Hauptlinie wird durch minimalistische elektronische Einspieler und Klangmodulationen unterstrichen. Das Ergebnis ist ein seltsamer Mix von musikalischen Ansätzen, in denen sich die Schlichtheit der Liedkomposition mit der hintergründigen Ausdrucksstärke und der kraft- und anspruchsvollen Hauptmelodie vereinen. Dies alles führt beim Anhören von Jono McCleery zu einem einmaligen Musikerlebnis, voll von Offenbarungen.

http://www.jonomccleery.com/
http://ninjatune.net/artist/jono-mccleery

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Cena vstupenek: 250 Kč

Jono McCleery – zpěv, kytara
program: There is 

V programu festivalu je každoročně myšleno i na projekty, které svým zaměřením přesahují svět klasické hudby. Sluší jim i pro festival netradiční scény, mezi které rozhodně patří českolipské Centrum textilního tisku. Tentokrát se zde diváci setkají s osobitou tváří londýnského folku Jonem McCleerym.

Anglický písničkář Jono McCleery na sebe upozornil několika singly. Covery, jako je například Wonderful life vydaný na jeho singlu, McCleery přesvědčil o tom, že dokáže vytvořit niternou a expresivní výpověď i z na první pohled banální popové originální verze. První album s názvem Darkest Light vydal díky podpoře svých fanoušků v roce 2008. Práce na dalším albu již probíhaly pod patronací nezávislého labelu Ninja Tune. Toto vydavatelství v Londýně založili v roce 1990 dva DJové a elektroničtí průkopníci s myšlenkou pomáhat nekomerčním muzikantům převážně elektronické hudby, kteří přicházeli s novými progresivními postupy v žánrech jako trip hop, hip hop, nu jazz, drum and bass a chillout. Jono McCleery je svým zaměřením v podobné společnosti spíše výjimkou, na druhou stranu platí, že často propagované crossoverové tendence hranice mezi žánry postupně rozpouštějí a písničkář Jono McCleery to na labelu Ninja Tune více či méně potvrzuje.

Aktuální album There Is je hlubokou studnicí hudebních inspirací interpreta. Jeho obsah je popisován jako Miles Davis, Massive Attack, John Martyn, Fink, a Radiohead, to vše zabalené v jednom nádherně produkovaném albu, o kterém se někteří kritici vyjadřovali jako o z lásky zplozeném dítěti. Jonova hudba je nadčasová. Odráží minulost, přítomnost a budoucnost v jediném okamžiku. Poslech McCleeryho posledního alba There Is je velice objevný a potvrzuje progresivnost labelu Ninja Tune. Stejně jako jeho filozofie je i There Is otevřené řadě vlivů a myšlenek. Kromě toho je ale i krásně, důmyslně vystavěné a posluchači, který se do něj ponoří, přináší nový, málo očekávaný a ne vždy jednoduše čitelný hudební zážitek.

Hudbu na albu značí temná smyslovost. Jedná se o melancholický esej o vztazích, ve kterých se znovu objevují pochybnosti a úzkost. Hluboká psychologická sonda vyvážená otevřeností je programově intimní, nekomerční a nelaciná. Snad právě proto vyčnívá a přežívá tváří v tvář blištivě až lascivně oděné popové hudbě.

Jono McCleery si je ale plně vědom podstaty svého sdělení a neméně výrazově bohatá a dostatečně narativní je i jeho forma. Hlasový projev londýnského zpěváka je duchaplný a náležitě sleduje obsah výpovědi. Hlavní hudební linii napomáhají na výrazu minimalistické elektronické vstupy a zvukové modulace. Výsledkem je zvláštní mix přístupů, ve kterých se snoubí písničkářská jednoduchost se záludnou expresivitou a působivým a propracovaným podkladem. To vše činí z poslechu Jona McCleeryho unikátní, neprostý a objevný hudební zážitek.

http://www.jonomccleery.com/
http://ninjatune.net/artist/jono-mccleery

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Cena vstupenek: 150 Kč

Berhard Marx - varhany
 

Anonymi :
- Tänze der Renaissance

Diederik Buxtehude (ca. 1637 – 1707):
- Praeludium, zwei Fugen, Ciacona g-moll, BuxWV  148

Johann Sebastian Bach (1685 – 1750):
- Praeludium   Es – Dur, BWV 552/1
- Kyrie, Gott Vater in Ewigkeit », BWV 672
- Christe, aller Welt Trost », BWV 673
- Kyrie, Gott heiliger Geist », BWV 674
- Fuge  Es – Dur, BWV 552/2

Carl Philipp Emanuel Bach (1714 – 1788 ): 
- Sonate  III  F-Dur, Wq 70,3 (Berlin 1758)
-  Adagio per il Organo  d-moll

Vincenzo Petrali (1832 – 1889  ):
- Pastorale per l’Elevazione
- Versetto per il Gloria

Elsbeth Forrer (1815 – 1857):
- Marsch in Es – Dur (1855)

Anna Katharina Winteler (1810-1855):  
- Alpenrosen-Bolka am Bühl

Barokní prostory českolipské baziliky Všech svatých znovu rozezní zvuk varhan, který jí tolik sluší. Prováděná hudba však barokní rozměr bezpečně přesáhne. Německý varhaník Bernhard Marx uvede program od renesance po 19. století.

Varhanní koncerty jsou silně spojeny s postavou mistra všech mistrů Johanna Sebastiana Bacha a jeho dílo ve festivalovém varhanním exkurzu chybět nemůže. Bachovská hudební literatura je nesmírně obsáhlá a nabízí buď v originálním předepsání nebo v úpravách dostatek studijního materiálu pro mnoho nástrojů. Jeho klávesový odkaz je však nejzásadnější a i laikům nejznámější.

Program se však věnuje i varhanním skladbám předbachovské éry. Tu zastupují renesanční tance nebo monumentální a výrazově bohaté dílo Diederika Buxtehudeho. Tento skladatel působil jako varhaník v Lübecku a mocně ovlivnil celou následující generaci skladatelů včetně Bacha samotného. Ten se za ním údajně vydal pěšky v roce 1705, aby se s věhlasným mistrem setkal a slyšel ho hrát. Nakonec si Bach svůj pobyt v Lübecku prodloužil na tři měsíce, během kterých mu byl Buxtehude učitelem.

Pobachovská část programu je reprezentována synem geniálního skladatele Carlem Philippem Emanuelem Bachem. Tento skladatel v sobě nezapře vliv svého otce. I on je autorem velkého množství chrámových skladeb a oratorií, zároveň ale napsal řadu orchestrálních symfonií, klavírních sonát a smyčcových kvartetů. V jeho hudební logice je již patrný odklon od barokních forem a snaha o nacházení estetiky v racionalismu, jak požadoval raný klasicismus.

Ještě novátorštějším skladatelem byl varhaník Vincenzo Petrali z italské Cremy, který již byl autorem 19. století snažícím se provést reformu sakrální hudby. Chrámová hudba v Itálii tehdy začala splývat s hudbou operní a Petrali a jeho souputníci jí chtěli navrátit její duchovní poslání. Patřičnou autoritu Petrali k této hudební revoluci měl, v jeho domovině mu přezdívali „il principe degli organisti italiani“.

Naproti tomu švýcarské ženské skladatelky Elsbeth Forrer a Anna Katharina Winteler v 18. a 19. století prokázaly, že na varhany se dají hrát i tehdy populární lidové tance a motivy. Výsledkem jejich tvorby jsou varhanní polky, pochody a sváteční písně. Mnohé z těchto motivů zlidověly. Uším současníkům jejich rozverné melodie ponejvíce připomínají kolotočářské a flašinetářské písně, ale i tato hudba byla původně složená pro varhany a její zařazení na program podtrhuje široký repertoárový záběr večera.

Varhanní mistr Bernhard Marx je muzikantem, u kterého se spojuje bohatá instrumentální praxe s pečlivým přístupem k práci s hudebními prameny a muzikologickými poznatky. V obou směrech se profiloval už od svých studií, kdy souběžně studoval hru na nástroj a hudební vědu. Po frekventování německých hudebních vysokých škol ve Freiburgu a v Saarbrückenu se stal stipendistou v oboru hry na varhany a opět i hudební vědy na pařížské Sorbonně. Své vzdělání si rozšířil na mistrovských kursech u A. Heilera ve Vídni a u L. F. Tagliaviniho v Bologně. Od roku 1979 potom sám začal působit jako profesor varhan, dějin církevní hudby a varhanní literatury na Vysoké škole církevní hudby v Rottenburgu.

Jeho hudební kariéru dle kritiků ověnčuje virtuózní interpretace, jejíž autentičnost podtrhuje důkladná muzikologická příprava hraného materiálu. Za svou kariéru se jako soutěžící a dnes jako porotce účastnil četných prestižních varhanních soutěží. Jeho ruce poznaly varhany kostelů na několika světadílech a nahrál úctyhodné množství hudebních nosičů.

Kromě zmíněných aktivit pracuje Bernhard Marx dlouhá léta také jako inspektor kostelních varhan Freiburské diecéze a již od roku 1972 je titulárním varhaníkem kostela sv. Jana ve Freiburgu. V roce 1997 se stal uměleckým ředitelem Festivalu duchovní hudby v Dómu v St. Blasien a následně taktéž jeho titulárním varhaníkem.

 

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Ticketpreis: 150 Kč

Bernhard Marx – Orgel

Anonym: Renaissancetänze
Diederik Buxtehude: Präludium, zwei Fugen, Ciacona g-Moll
Johann Sebastian Bach: Präludium Es-Dur, BWV 552/1
Kyrie, Gott Vater in Ewigkeit, BWV 672
Chryste, aller Welt Trost, BWV 673
Kyrie, Gott heiliger Geist, BWV 674
Carl Philipp Emanuel Bach: Sonate III F-Dur, Allegro, Largo, Allegretto
Addagio per il Organo d-Moll
Vincenzo Petrali: Pastorale per l´Evazione
Versetto per il Gloria
Elsbeth Forrer: Marsch in Es-Dur
Anna Katharina Winteler: Alpenrosen-Polka „am Bühl“

In den Barockräumen der Allerheiligenbasilika in Česká Lípa (Böhmisch Leipa) ertönen erneut die Orgelklänge, die so gut zu ihr passen. Die aufgeführte Musik überragt jedoch ohne Zweifel sämtliche Barockdimensionen. Der deutsche Organist Bernhard Marx führt das Programm von der Renaissance bis zum 19. Jahrhundert auf.

Die Orgelkonzerte sind fest mit dem Meister aller Meister, Johann Sebastian Bach, verbunden. Sein Werk darf im Festivalorgelexkurs nicht fehlen. J.S. Bachs Musikliteratur ist sehr umfassend und bietet in den Originalfassungen, wie auch in den verschiedensten Bearbeitungen, genügend Studienmaterial für etliche Instrumente. Bachs Nachlass für Tasteninstrumente ist jedoch der grundsätzlichste und auch den Laien der bekannteste.

Das Programm widmet sich aber auch den Orgelkompositionen aus der Vor-Bach-Ära, stellvertretend dafür Renaissancetänzen oder dem monumentalen und ausdrucksstarken Werk von Dieterich Buxtehude. Dieser Komponist war Organist in Lübeck und beeinflusste grundlegend die ganze nachfolgende Generation, einschließlich den großen Meister J.S. Bach persönlich. Der machte sich angeblich 1705 auf den Weg zu ihm, um sich mit dem ruhmreichen Meister zu treffen und um ihn spielen zu hören. Schließlich verlängerte Bach seinen Aufenthalt in Lübeck um drei Monate, in denen er bei Buxtehude Unterricht nahm.

Der Programmteil, welcher der Nach-Bach-Ära gewidmet ist, wird durch den Sohn des genialen Komponisten, Carl Philips Emanuel Bach, repräsentiert. Dieser Komponist verleugnet nicht den Einfluss seines Vaters. Auch er ist Autor vieler Kirchenkompositionen und Oratorien. Er schrieb zugleich eine Vielzahl von Orchestersymphonien, Klaviersonaten und Streichquartetten. In seiner musikalischen Logik ist bereits die Ablösung von festen Barockformen zu spüren sowie die Bemühung um die Ästhetik im Rationalismus, wie sie der Frühklassizismus forderte. Ein noch progressiverer Komponist war der Organist Vincenzo Petrali aus dem italienischen Crema, der bereits Autor des 19. Jahrhunderts war und der sich um die Durchführung einer Reform der sakralen Musik bemühte. Die Kirchenmusik begann damals in Italien mit der Opernmusik, zu verschmelzen. Petrali und seine Zeitgenossen wollten der Kirchenmusik ihre geistliche Botschaft zurückgeben. Während dieser Musik-Revolution freute sich Petrali gehöriger Autorität. In seiner Heimat gab man ihm den Beinamen „il principe degli organisti italiani“.

Im 18. und 19. Jahrhundert beweisen im Gegensatz dazu die schweizerischen Komponistinnen Elsbeth Forrer und Anna Katharina Winteler, dass sich auf der Orgel auch damals populäre Volktänze und Motive spielen ließen. Das Ergebnis ihres Schaffens sind Orgelpolkas, Märsche und Feiertagslieder. Viele dieser Motive waren volkstümlich.

Mit den Ohren ihrer Zeitgenossen erinnern ihre ausgelassenen Melodien meistens an die Karussell- und Drehorgellieder. Aber auch diese Musik wurde ursprünglich für Orgel komponiert, weshalb ihre Eingliederung ins Programm einen breiten Repertoireumfang des Abends hervorhebt.

Der Orgelmeister Bernhard Marx ist ein Musiker, bei dem sich eine reiche instrumentale Praxis mit sorgfältiger musikalischer Quellenforschung und musikologischer Erkenntnisse verbindet. In beiden Richtungen profilierte er sich schon während seiner Studien, als er parallel dazu Instrumentspiel und Musikwissenschaft studierte. Nach Beendigung seiner Studien an den deutschen Hochschulen für Musik in Freiburg und Saarbrücken wurde er Stipendiat im Bereich des Orgelspiels und der Musikwissenschaft an der Pariser Sorbonna.

Seine Ausbildung vertiefte er in Meisterkursen bei A. Heiler in Wien und bei L. F. Tagliavini in Bologna. Seit 1979 ist er selbst Professor für Orgelspiel, Kirchenmusikgeschichte und Orgelliteratur an der Hochschule für Kirchenmusik in Rottenburg.

Seine Musikkarriere krönt, den Kritikern nach, seine virtuose Interpretation, deren Authentizität eine gründliche wissenschaftliche Vorbereitung des gespielten Materials unterstreicht. Während seiner Karriere nahm er als Teilnehmer und heute als Jurymitglied an vielen renommierten Orgelwettbewerben teil. Seine Hände lernten Kirchenorgeln auf etlichen Erdteilen kennen. Er nahm beachtenswert viele Musikträger auf.

Neben den erwähnten Aktivitäten arbeitet Bernhard Marx schon seit langem als Inspektor der Kirchenorgeln in der Freiburger Diözese. Bereits seit 1972 ist er Titularorganist der Johanneskirche zu Freiburg. 1997 wurde er zum künstlerischen Direktor des Kirchenmusikfestivals im Dom zu St. Blasien und anschließend zu seinem Titularorganisten ernannt.

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Clarinet Factory
Jindřich Pavliš, Luděk Boura, Vojtěch Nýdl, Petr Valášek

Programm: Good meditation

01/ STARTRACK
02/ B-A-C-H
improvizace na svatováclavský chorál
03/ BIRD SONG
04/ AROUND A POINT
05/ HOŘÍ POLE LÁN
06/ SKLENĚNÁ  
07/ DOBRÁ MEDITACE
08/ OUT OF HOME
09/ VLTAVA
10/ HIKARI
11/ L’AMOUR
12/ DO NOT STRESS!

http://www.clarinet-factory.cz/

 

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cena vstupenky: 150 Kč

Clarinet Factory
Jindřich Pavliš, Luděk Boura, Vojtěch Nýdl, Petr Valášek

Program: Dobrá meditace

01/ STARTRACK
02/ B-A-C-H
improvizace na svatováclavský chorál
03/ BIRD SONG
04/ AROUND A POINT
05/ HOŘÍ POLE LÁN
06/ SKLENĚNÁ  
07/ DOBRÁ MEDITACE
08/ OUT OF HOME
09/ VLTAVA
10/ HIKARI
11/ L’AMOUR
12/ DO NOT STRESS!

Na tento koncert vypravujeme autobus z České Lípy zdarma.
Podmínkou pro odvoz je platná vstupenka a registrace v tomto formuláři.
Zbývající počet volných míst je aktuálně orientačně 17.

Multižánrový soubor Clarinet Factory čerpá ve své inspiraci z nejrůznějších žánrů, ale také z odkazu klasické hudby a jejích velikánů a z duchovní tradice této hudby.  V programu Dobrá meditace, ktery soubor připravil k příležitosti svátku sv. Václava, se snoubí duchovní rozměr s přesahem do žánru, jakými jsou třeba minimalismus, lidová a etnická hudba. Hudebníci pronikaji do soudobých směrů jak z oblasti vážné hudby, tak jazzu nebo jiných neklasických hudebních odvětví. 

Skladby Clarinet Factory často vychází ze společných improvizací, ze vzájemného duševního a duchovního souznění. Bohatstvi zvuku, i takových, které by posluchač nečekal, imitace jiných nástrojů a využití zpěvu a lidského hlasu a hra bez not - to jsou neodmyslitelné znaky, jež soubor Clarinet Factory charakterizují. Ve skladbách jako B-A-C-H, Out of Home, Skleněná nebo Vltava se čtyři (nejen) klarinetisté nechali inspirovat velikány hudební minulosti. Birdsong, Startrack nebo Arround a point jsou naopak zvukovými abstrakcemi, částečně improvizovanými a vždy reagujícími na atmosféru daného koncertního prostoru a odezvu publika. Zcela jinou kapitolu tvoří písně. Hoří pole lán je emotivní inspirací sahající k dávným kořenům hudby, L'Amour prostě sděluje ve svem francouzském textu potřebu lidské lásky, Hikari připomíná vzdálené světy. Zcela specifickou součástí koncertů souboru Clarinet Factory je důraz na práci s publikem. To se již tradičně zapojuje do spoluvytváření skladeb, jako je v dnešním případě titulní Dobrá meditace a Do Not Stress. Posluchači budou mít rovněž možnost být svědky premiéry imoprovizace na samotný Svatováclavský chorál.

Zveme vás na komentovanou prohlídku kostela včetně věže se zvony a jeho okolí, kterou vás provede Radim Vácha z Národního památkového ústavu a sdružení Sonow, jež se podílí na rekonstrukci kostela, a to společně s Klárou Machovou, vedoucí kulturního odboru v Kamenickém Šenově. Prohlídka se uskuteční před koncertem – od 18.00 hod. 

 

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Ticketpreis: 190 Kč

Ensemble Musaicum
Karolina Brachman - Sopran
Johanna Seitz – Harfe
Elizabeth Seitz – Psalterium
Michael Drücker - Theorbe
Markéta Cukrová – Alt als Gast

In feminea forma: Musikpraxis der Frauenklöster

Hildegard von Bingen (1098 – 1179) – Quia ergo femina (Antiphona)
Gracia Baptista (fl. 1557) – Conditor alme
Caterina Assandra (after 1590 – 1620) – O dulcis amor Jesu, Motetti op.2, Milano 1609
Lucrezia Orsina Vizzana (1590 – 1662) – O magnum mysterium, Componimenti musicali, Venetia 1623
Chiara Margarita Cozzolani (1602 – ca. 1677) – O dulcis Jesu, Concerti Sacri, Venetia 1642
Barbara Strozzi (1619 – after1664) Fantasie & Passacaglia on Lagrime mie, Diporti di Euterpe, op. 7, Venetia 1659
Hildegard von Bingen – Karitas habundat (Antiphona)
Francesca Caccini (1587 – ca.1640) – Lasciatemi qui solo, Il primo libro delle Musiche, Firenze 1618
Francesca Campana Romana (1605~1610 – 1665) – Fanciulla vezzosa, Arie a una, due, e tre voci, Roma 1629
Settimia Caccini (1591- after 1661) – Due luci ridenti, Manuscript “Raccolta di Arie a voce sola, e Madrigali a piu voci”, Bologna
Barbara Strozzi - Al Battitor di Bronzo della sua crudelissima DamaQuante volte ti bacio” ,       Il primo de’ madrigali, Venetia 1644
Anonymus -    The Ladies Masque,  The Fairey Masque, The Furies, Second witches dance          England, ca. 1600
Lucrezia Orsina Vizzana (1590 – 1662) – Ornaverunt faciem templi, Componimenti musicali, Venetia 1623
Claudia Sessa (fl. 1613) – Occhi io vissi di voi, Canoro pianto di Maria Vergine sopra la faccia di Christo estinto, Venetia 1613
Isabella Leonarda (1620 – 1704) – Ave Regina caelorum, Motteti a Quattro Voci, Milano, 1684
Sulpitia Cesis (1577 – after 1619) Maria Magdalena, Motetti spirituali, Modena 1619
Hildegard von Bingen – O viridissima virga (Symphonia)

Der Konzertabend anlässlich des hl. Wenzels in der Kirche des hl. Laurentius in Jezvé trägt den Untertitel „In feminea forma“, sprich: „Nach weiblicher Art“. Er bringt die Zusage einer unkonformen und entdeckenden Zusammensetzung des Repertoires mit sich, denn der Abend wird Komponistinnen gewidmet und stellt im breiten Spektrum Musikprofile von Hildegard von Bingen bis zu Elizabeth Jacquet de la Guerre vor. 

Das weibliche Element war in der Musikgeschichte eher eine seltene Erscheinung und im Kollegium der Komponisten gilt dies doppelt. Bis zum 19. Jahrhundert gönnte die gesellschaftliche Situation den in künstlerischen Kreisen wirkenden Frauen eine entsprechende Anerkennung. So gelangen zur musikalischen Praxis vornehmlich Nonnen aus Klosterchören oder umgekehrt finanziell und sozial unabhängige Frauen aus der höheren Gesellschaft. Die einen sowie die anderen erhielten eine vielseitige und hochwertige musikalische Ausbildung. In der Musikwelt galten diese weiblichen Repräsentantinnen oft als sehr begabt. Der Vorteil dieser weiblichen Komponisten waren ihr starker Sinn für Leidenschaft und Moderne. Ihre Lebensschicksäle waren nicht einmal beachtenswert. Dies reflektieren ihre Werke ausgiebig, in welche das Konzertprogramm einen Einblick gewähren lässt.

Obwohl die heilige Hildegard von Bingen im tiefen Mittelalter lebte, war sie eine Renaissancepersönlichkeit. Gerade mit ihrem Werk beginnt und auch endet das Programm.

Die Klosterschwester widmete sich vom weitem nicht ausschließlich der Theologie und dem Praktizieren des geistlichen Lebens. Neben dem Komponieren befasste sie sich auch mit Naturwissenschaften, Medizin und war sogar Autorin eines Dramas. Im Gegensatz dazu stammten drei italienische Komponistinnen des 17. Jahrhunderts, Antonia Bembo, Barbara Strozzi und Francesca Campana Romana, aus dem weltlichen Milieu. Bembo lebte und wirkte in Paris. Zu ihren Förderern gehörte selbst Ludwig XIV., dem sie auch die meisten ihrer Werke widmete. Größtenteils weltliche Musik komponierten auch die Römerin Francesca Campana und Barbara Strozzi. Francesca Campana war Spinettspielerin und Autorin eines Arienbuches. Über die letztere, Barbara Strozzi, wurde oft gelästert. Ihre eifersüchtigen Zeitgenossen verbreiteten das Gerücht, dass sie eine Kurtisane sei.

Elisabeth Jacquet de la Guerre gehörte ebenfalls, wie ihre Zeitgenossin Antonie Bembo, zu den Autorinnen, die der französische König, Ludwig XIV., bewunderte und unterstützte.

Sie ist Autorin der ersten von einer Frau komponierten Oper und gilt zugleich für die einzig etablierte Barockautorin. Den weiteren drei Autorinnen ist es vielmehr gemeinsam, dass sie sich zum Klosterleben weihten. Die Bologner Nonne Lucrezia Orsina Vizzana war von Claudio Montewerdis Werk stark beeinflusst. Ihr Leben und Werk wurden jedoch nicht selten durch Angriffe der Moralisten aufgrund ihres Schaffens und Musiklebens am Kloster getadelt.  

Zu gleicher Zeit lebten noch zwei weitere musikbegeisterte Ordensschwestern: die Mailänder Autorin der geistlichen Kompositionen Claudia Sessa und die in Ávila, Spanien wirkende Gracia Baptista. Gracia Baptista ist Autorin einer Barockvariation über ein mittelalterliches Motiv mit dem Namen Conditor Alme Siderum.

Das Ensemble Musaicum wurde von der Sopranistin Karolina Brachman im Jahre 2009 gegründet. Sein künstlerisches Hauptziel war das Studium und die Interpretation der Vokalwerke des 16., 17. und 18. Jahrhunderts. Neben seiner Gründerin bilden die Basis des Ensembles Irene Klein (Viola da Gamba) und Christoph Narth (Laute, Theorbe). Abhängig vom aufgeführten Programm laden sie zur Zusammenarbeit weitere Künstler ein. Ein Bestandteil der historisch belehrten Interpretation, der sich das Ensemble widmet, ist das Spiel auf historischen Instrumenten oder deren Repliken. Das ästhetische Erlebnis ist auf diese Weise um die Authentizitätsdimension erhöht. Die Musik ist für das Ensemble ein reiches Stil-Mosaik, deren Gestalt von kulturellen sowie geographischen Aspekten beeinflusst ist. Mit denen arbeitet das Ensemble über den Rahmen der Notenpartituren. Insgesamt bildet das Ensemble Musaicum den Eindruck der Wahrhaftigkeit, indem es keine zeitgenössischen und gesellschaftlichen Kontexte unterdrückt. Das fleißige Studium, die Mühe sowie die Bewahrung vergangener Traditionen wirken sich jedoch nicht zum Nachteil auf die emotionale und spielerische Freiheit in seinen Interpretationen aus. Auch in der Gegenwart legt das Ensemble großen Wert auf die Barockmusik wenig bekannter Komponisten. Es bewegt sich aber auch vor und hinter den Grenzen des festgelegten Zeitraumes, und mit demselben Mut überschreiten die Ensemblemitglieder auch einzelne Genres. Genauso überzeugend greifen die Musiker des Ensembles zur englischen Lautenmusik, zu französischen Air de Couir, italienischen und deutschen Madrigalen oder Motteten. Die von dem Ensemble aufgeführten Werke sind ein buntes Gemisch aus manchmal vergessenen und schwierig zugänglichen Werken. Alle erfüllen jedoch das wichtigste Kriterium, das für einen belehrten sowie unbelehrten Zuhörer in erste Linie gute Musik ist.

Die Sopranistin Karolina Brachman studierte Gesang an der Musikakademie im polnischen Kattowitz. Ihr Wunsch, sich der Alten Musik zu widmen, brachte sie nach Deutschland in die Klasse von Barbara Schlick an der Hochschule für Musik in Köln am Rhein. Heute ist sie Dozentin für Gesang in Osnabrück. Während ihrer Karriere arbeitete sie in vielen deutschen Ensembles. Ein Tribut der Alten Musik und ihrem Heimatland Polen gab sie durch ihr Engagement in der Formation mit dem Namen: „Oh! Orkiestra historyczna“. Im Jahre 2009 gründete Karolina Brachman das Ensemble Musaicum, mit dem sie sich überwiegend der Alten Musik widmet. Ihre Neigung zur modernen Musik wurde wiederum durch die Kunst ihres Landsmannes, dem Impressionisten Karol Szymanowski, ausgelöst.

Markéta Cukrová ist eine der gefragtesten tschechischen Sängerinnen, die sich der Alten Musik widmen. Sie arbeitete bereits mit vielen tschechischen sowie europäischen Formationen zusammen, die sich mit der Musik des Mittelalters und des Barocks befassen.

Sie absolvierte Soloauftritte auf vielen Weltbühnen. Momentan gastiert sie in der Szene des Nationaltheaters in Prag, wo sie mit den Dirigenten Robert Gini oder Jiří Bělohlávek zusammenarbeitet. Bei der Inszenierung Händels früher Oper Amadigi di Gaula im deutschen Göttingen arbeitete sie mit der bekannten Spezialistin für Barockgestik, Sigfrid T´Hooft, zusammen. 

http://www.ensemble-musaicum.de/

 

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Entry: 190 Kč

St. Wenceslas concert

Ensemble Musaicum
Karolina Brachman – soprano
Markéta Cukrová – alto

Program: “In feminea forma” - musical portrait since Hildegard of Bingen to Elisabeth Jacquet de la Guerre

http://www.ensemble-musaicum.de/

 

30.09.2014 - 17:00 | Cvikov, hotel Sever
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cena vstupenky: 250 Kč

vstupenky na toto představení jsou v prodeji v Infocentru v Multifunkčním kulturním centru Sever (Cvikov, Žitavská 132)
otevřeno je v:
pondělí a středu 10:00 - 17:00,
úterý, čtvrtek, pátek a sobotu 10:00 - 15:00.

Vstupenky je možné zakoupit také ve festivalové kanceláři v obvyklém předprodejním čase.

 

Hradišťan

Jiří Pavlica – umělecký vedoucí
Alice Holubová – zpěv
David Burda – klarinet, krumhorn, flétny, zpěv
Milan Malina – cimbál, zpěv
Roman Gill – viola, zpěv
Milan Gablas – kontrabas, zpěv
Josef Fojta – klávesy, perkuse

Program: Hudební rozjímání o lásce, životě a smrti

Hradišťan je v povědomí českých posluchačů zakotven jako soubor prezentující kvalitní a originální pojetí hudby čerpající zdroje z folkloru moravsko-slovenského pomezí. V různě zaměřených projektech se mu daří naservírovat divákovi lidový hudební odkaz, který umí dle příležitosti obléknout do odlišných hávů. Vzniká tak osobitý crossover, ve kterém dochází ke spojení tradičního s netradičním, jinými slovy toho, co divák od cimbálové muziky čeká, s tím, co jeho dimenze vnímání podobně složených kapel přesahuje a kompletně předělává. 

Na českých a moravských scénách toto ojedinělé hudební těleso působí pod vedením Jiřího Pavlici od roku 1978. Právě díky jeho chápání významu lidové hudby se začal repertoár Hradišťanu rozrůstat o nové formy, které hledaly širší souvislosti s lidovou hudbou vzdálenějších kultur a společenství. Díky tomu nebývale vzrostly interpretační nároky na jednotlivé členy souboru. Již nestačilo hrát lidové písně co nejautentičtěji, byl zde také požadavek je hrát jinak, a právě zde vyvstala potřeba širší míry představivosti a schopnosti oprostit se od forem zažitých a platných. S postupem doby se primáš Jiří Pavlica začal stále více prosazovat také jako hudební skladatel a jeho autorská tvorba začala být pro Hradišťan stěžejní.

To vše učinilo z Hradišťanu na české scéně unikátní seskupení, které bylo pro svou kvalitu a originalitu nezaměnitelné s jinými podobně zaměřenými soubory. Díky od 90. let stále stoupající posluchačské poptávce po worldmusic pojem Hradišťan brzy překonal hranice našeho státu a o jeho hudbu byl zájem po celém světě. Soubor dosud koncertoval hned na čtyřech kontinentech. Stal se hostem mnohých festivalů zaměřených na tradiční, alternativní i vážnou hudbu. Hudební cestu Hradišťanu dokumentuje více jak třicet natočených hudebních nosičů, často je Hradišťan zván také do vysílání rozhlasu a televize.

Koncerty Hradišťanu často lákají různorodé publikum. Po několika úvodních kusech se publikum zpravidla spojí v celek, který Jiří Pavlica koncertem provádí a snaží se mu v repertoáru vyjít vstříc dle jeho aktuálních hudebních a pocitových potřeb. Hradišťan nepřijíždí koncerty pouze odehrát, je pro něj důležitá interakce, která z každého koncertu činí jiné představení, než bylo to předcházející.

Jiří Pavlica se narodil roku 1953. V jeho vzdělávání se spojila škola praktická s teoretickou průpravou, které se mu dostalo během studií muzikologie na Univerzitě Palackého v Olomouci. Hru na housle studoval na konzervatoři v Brně a později po nabytí bohaté instrumentální praxe studoval na JAMU u Arnošta Parsche a Zdeňka Pololáníka kompozici.

Jméno Jiřího Pavlici je spojeno hlavně s více jak pětatřicetiletým působením u souboru Hradišťan. Především díky jeho invenci a touze objevovat nové hudební souvislosti se Hradišťanu podařilo překlenout dramaturgický oblouk od lidové tradice až po oblast soudobé hudby. Kromě citlivého přístupu k hudbě je pro něj stejně důležitá složka textová. Velmi ceněné je v této souvislosti zhudebnění textů moravského básníka Jana Skácela.

Jiří Pavlica má ale za sebou výraznou hudební činnost i mimo sféry Hradišťanu. Jeho kariéru lemují vlastní autorské projekty, četná autorství filmové a divadelní hudby, pravidelné koncerty doma i v zahraničí. Nevyhýbá se spolupráci s velkými i komornějšími orchestry, ale naplnění mu přináší i projekty alternativní založené na mnohdy až nečekaných fúzích spojujících bez nadsázky hudbu několika kontinentů.

Práce Jiřího Pavlici získala odborná ocenění, mezi kterými je cena Českého hudebního fondu, cena z mezinárodní rozhlasové soutěže Prix Bratislava, cena nezávislých novinářů Žlutá ponorka. O úspěchu jeho nahrávek mezi posluchači svědčí udělení zlatých desek za alba Ozvěny duše nebo Mys Dobré naděje a platinové desky za album O slunovratu.

http://www.hradistan.cz

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Ticketpreis: 250 Kč

Hradišťan

Jiří Pavlica - Künstlerischer Leiter, Geige und Gesang
Alice Holubová – Gesang
David Burda – Klarinette, Krummhorn, Flöten, Gesang
Milan Malina – Zimbal, Gesang
Roman Gill – Konter-Bratsche, Gesang
Milan Gablas – Kontrabass, Gesang
Josef Fojta – Tasten, Schlagzeug

Nachsinnen über Liebe, Leben und Tod

Hradišťan ist im Bewusstsein der tschechischen Zuhörer als ein Ensemble verankert, das eine hochwertige und originelle Musik präsentiert. Seine Inspirationsquellen findet es in der Volkskunst der mährisch-slowakischen Grenzgebiete. In unterschiedlich orientierten Projekten gelingt es ihm, dem Zuschauer einen volkstümlichen Musiknachlass zu servieren, den es, der Gelegenheit entsprechend, immer wieder zu wandeln und in neue Kleider zu hüllen vermag. So entsteht ein eigenartiger Crossover, in dem es zur Verbindung des Traditionellen mit dem Nichttraditionellen kommt - anders gesagt: der Zuschauer erhält einfach das, was er sich von Zimbalmusik verspricht. Die zusammengesetzten Kapellen definieren die Wahrnehmungsdimension des Zuhörers komplett neu. In der tschechischen und mährischen Szene besteht dieses einzigartige Ensemble seit 1978 unter der Leitung von Jiří Pavlica. Gerade weil die Volksmusik für das Ensemble eine bedeutende Rolle spielt, begann es sein Repertoire auszudehnen, indem es breitere Zusammenhänge mit der Volksmusik entfernter Kulturen und Gemeinschaften sucht. Dementsprechend erhöhten sich die künstlerischen Ansprüche an einzelne Ensemblemitglieder enorm. Es reichte nicht mehr aus, Volkslieder möglichst authentisch zu spielen. Die neue Herausforderung war es, sie anders zu spielen. Und gerade dafür waren Phantasiereichtum und die Fähigkeit gefragt, sich von starren eingelebten und geltenden Formen zu befreien. Allmählich begann sich Primas Jiří Pavlica immer mehr auch als Komponist durchzusetzen, wobei seine Kompositionen für das Ensemble Hradišťan allmählich unentbehrlich wurden.

Dies alles machte Hradišťan innerhalb der tschechischen Szene zu einer einzigartigen Formation, die für ihre Qualität und Originalität mit anderen ähnlich orientierten Ensembles unverwechselbar war. Dank der seit den 90er Jahren stets steigenden Nachfrage der „Worldmusic“, gelang der Name „Hradišťan“ bald über die Grenzen unseres Landes hinaus, als sich das Interesse an seiner Musik in der ganzen Welt verbreitete. Das Ensemble konzertierte bislang gleich auf vier Kontinenten. Es war zu Gast auf vielen traditionellen, alternativen und klassisch orientierten Musikfestivals. Die musikalische Laufbahn des Ensembles Hradišťan dokumentieren mehr als dreißig aufgenommene Musikträger. Häufig wird Hradišťan auch in Rundfunk- und Fernsehsendungen eingeladen.

Die Konzerte des Ensembles Hradišťan ziehen oft ein diverses Publikum an. Nach einigen Einleitungsstücken vereinen sich die Künstler in der Regel mit dem Publikum zu einem Ganzen. Diese magische Einheit führt Jiří Pavlica durch das Konzert, während er sich bemüht, den aktuellen und sensiblen Bedürfnissen der Zuhörer entgegenzukommen. Hradišťan kommt niemals nur, um seine Konzerte abzuspielen. Für das Ensemble ist die Interaktion mit dem Publikum wichtig, weshalb aus jedem Konzert eine vollkommen andere Vorstellung hervorgeht. 

Jiří Pavlica wurde 1953 geboren. In seiner Ausbildung verband sich die praktische Schule mit der theoretischen Vorbildung, die er innerhalb seines Musikologie-Studiums an der Palacký-Universität in Olomouc (Olmütz) gewann. Das Geigenspiel studierte er am Konservatorium in Brno (Brünn). Nach dem Erwerb seiner reichen instrumentalem Praxis studierte er später Komposition an der Janáček-Akademie für Musik und Darstellende Kunst bei Arnošt Parsch und Zdeňek Pololáník. Der Name Jiří Pavlica ist insbesondere mit seiner mehr als fünfunddreißigjährigen Arbeit im Ensemble Hradišťan verbunden. Besonders dank seiner Invention und seiner Sehnsucht, neue musikalische Zusammenhänge zu entdecken, gelang es Hradišťan, die Volksmusik mit Zeitgenössischer Musik dramaturgisch geschickt zu verweben.

Neben dem sensiblen Ansatz zur Musik ist die Textkomponente für ihn genauso wichtig.

In diesem Zusammenhang wird seine Vertonung der Texte des mährischen Dichters Jan Skácel hoch geschätzt.

Neben seiner Arbeit mit dem Ensemble Hradišťan , war Jiří Pavlica auch anderweitig musikalisch tätig. Seine Karriere säumen etliche Autorenprojekte. Er komponierte Film- und Theatermusik und konzertierte regelmäßig im In- sowie im Ausland. Er verzichtet nicht auf die Zusammenarbeit mit großen Orchestern sowie Kammerorchestern. Befriedigung bringen ihm aber ebenfalls alternative Projekte, die manchmal - ohne zu übertreiben - unerwartete Abenteuer versprechen und die Musik verschiedener Kontinente verbinden.   

Die Arbeit von Jiří Pavlica erhielt fachliche Anerkennungen, zu denen der Preis des Tschechischen Musikfons, der Preis des internationalen Rundfunkwettbewerbs Prix Bratislava und der Preis der unabhängigen Journalisten „Das gelbe U-Boot“ gehören. Zeuge für den Erfolg seiner Aufnahmen ist der Erhalt der goldenen Platten für die Alben „Das Echo der Seele“ oder „Kap der Guten Hoffnung“ und der Empfang der Platinplatte für das Album „Über die Sonnenwende“.

http://www.hradistan.cz

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Ticketpreis: 250 Kč

Hradišťan

Jiří Pavlica - Künstlerischer Leiter, Geige und Gesang
Alice Holubová – Gesang
David Burda – Klarinette, Krummhorn, Flöten, Gesang
Milan Malina – Zimbal, Gesang
Roman Gill – Konter-Bratsche, Gesang
Milan Gablas – Kontrabass, Gesang
Josef Fojta – Tasten, Schlagzeug

Nachsinnen über Liebe, Leben und Tod

Hradišťan ist im Bewusstsein der tschechischen Zuhörer als ein Ensemble verankert, das eine hochwertige und originelle Musik präsentiert. Seine Inspirationsquellen findet es in der Volkskunst der mährisch-slowakischen Grenzgebiete. In unterschiedlich orientierten Projekten gelingt es ihm, dem Zuschauer einen volkstümlichen Musiknachlass zu servieren, den es, der Gelegenheit entsprechend, immer wieder zu wandeln und in neue Kleider zu hüllen vermag. So entsteht ein eigenartiger Crossover, in dem es zur Verbindung des Traditionellen mit dem Nichttraditionellen kommt - anders gesagt: der Zuschauer erhält einfach das, was er sich von Zimbalmusik verspricht. Die zusammengesetzten Kapellen definieren die Wahrnehmungsdimension des Zuhörers komplett neu. In der tschechischen und mährischen Szene besteht dieses einzigartige Ensemble seit 1978 unter der Leitung von Jiří Pavlica. Gerade weil die Volksmusik für das Ensemble eine bedeutende Rolle spielt, begann es sein Repertoire auszudehnen, indem es breitere Zusammenhänge mit der Volksmusik entfernter Kulturen und Gemeinschaften sucht. Dementsprechend erhöhten sich die künstlerischen Ansprüche an einzelne Ensemblemitglieder enorm. Es reichte nicht mehr aus, Volkslieder möglichst authentisch zu spielen. Die neue Herausforderung war es, sie anders zu spielen. Und gerade dafür waren Phantasiereichtum und die Fähigkeit gefragt, sich von starren eingelebten und geltenden Formen zu befreien. Allmählich begann sich Primas Jiří Pavlica immer mehr auch als Komponist durchzusetzen, wobei seine Kompositionen für das Ensemble Hradišťan allmählich unentbehrlich wurden.

Dies alles machte Hradišťan innerhalb der tschechischen Szene zu einer einzigartigen Formation, die für ihre Qualität und Originalität mit anderen ähnlich orientierten Ensembles unverwechselbar war. Dank der seit den 90er Jahren stets steigenden Nachfrage der „Worldmusic“, gelang der Name „Hradišťan“ bald über die Grenzen unseres Landes hinaus, als sich das Interesse an seiner Musik in der ganzen Welt verbreitete. Das Ensemble konzertierte bislang gleich auf vier Kontinenten. Es war zu Gast auf vielen traditionellen, alternativen und klassisch orientierten Musikfestivals. Die musikalische Laufbahn des Ensembles Hradišťan dokumentieren mehr als dreißig aufgenommene Musikträger. Häufig wird Hradišťan auch in Rundfunk- und Fernsehsendungen eingeladen.

Die Konzerte des Ensembles Hradišťan ziehen oft ein diverses Publikum an. Nach einigen Einleitungsstücken vereinen sich die Künstler in der Regel mit dem Publikum zu einem Ganzen. Diese magische Einheit führt Jiří Pavlica durch das Konzert, während er sich bemüht, den aktuellen und sensiblen Bedürfnissen der Zuhörer entgegenzukommen. Hradišťan kommt niemals nur, um seine Konzerte abzuspielen. Für das Ensemble ist die Interaktion mit dem Publikum wichtig, weshalb aus jedem Konzert eine vollkommen andere Vorstellung hervorgeht. 

Jiří Pavlica wurde 1953 geboren. In seiner Ausbildung verband sich die praktische Schule mit der theoretischen Vorbildung, die er innerhalb seines Musikologie-Studiums an der Palacký-Universität in Olomouc (Olmütz) gewann. Das Geigenspiel studierte er am Konservatorium in Brno (Brünn). Nach dem Erwerb seiner reichen instrumentalem Praxis studierte er später Komposition an der Janáček-Akademie für Musik und Darstellende Kunst bei Arnošt Parsch und Zdeňek Pololáník. Der Name Jiří Pavlica ist insbesondere mit seiner mehr als fünfunddreißigjährigen Arbeit im Ensemble Hradišťan verbunden. Besonders dank seiner Invention und seiner Sehnsucht, neue musikalische Zusammenhänge zu entdecken, gelang es Hradišťan, die Volksmusik mit Zeitgenössischer Musik dramaturgisch geschickt zu verweben.

Neben dem sensiblen Ansatz zur Musik ist die Textkomponente für ihn genauso wichtig.

In diesem Zusammenhang wird seine Vertonung der Texte des mährischen Dichters Jan Skácel hoch geschätzt.

Neben seiner Arbeit mit dem Ensemble Hradišťan , war Jiří Pavlica auch anderweitig musikalisch tätig. Seine Karriere säumen etliche Autorenprojekte. Er komponierte Film- und Theatermusik und konzertierte regelmäßig im In- sowie im Ausland. Er verzichtet nicht auf die Zusammenarbeit mit großen Orchestern sowie Kammerorchestern. Befriedigung bringen ihm aber ebenfalls alternative Projekte, die manchmal - ohne zu übertreiben - unerwartete Abenteuer versprechen und die Musik verschiedener Kontinente verbinden.   

Die Arbeit von Jiří Pavlica erhielt fachliche Anerkennungen, zu denen der Preis des Tschechischen Musikfons, der Preis des internationalen Rundfunkwettbewerbs Prix Bratislava und der Preis der unabhängigen Journalisten „Das gelbe U-Boot“ gehören. Zeuge für den Erfolg seiner Aufnahmen ist der Erhalt der goldenen Platten für die Alben „Das Echo der Seele“ oder „Kap der Guten Hoffnung“ und der Empfang der Platinplatte für das Album „Über die Sonnenwende“.

http://www.hradistan.cz

 

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Ticketpreis: 250 Kč

Hradišťan

Jiří Pavlica - Künstlerischer Leiter, Geige und Gesang
Alice Holubová – Gesang
David Burda – Klarinette, Krummhorn, Flöten, Gesang
Milan Malina – Zimbal, Gesang
Roman Gill – Konter-Bratsche, Gesang
Milan Gablas – Kontrabass, Gesang
Josef Fojta – Tasten, Schlagzeug

Nachsinnen über Liebe, Leben und Tod

Hradišťan ist im Bewusstsein der tschechischen Zuhörer als ein Ensemble verankert, das eine hochwertige und originelle Musik präsentiert. Seine Inspirationsquellen findet es in der Volkskunst der mährisch-slowakischen Grenzgebiete. In unterschiedlich orientierten Projekten gelingt es ihm, dem Zuschauer einen volkstümlichen Musiknachlass zu servieren, den es, der Gelegenheit entsprechend, immer wieder zu wandeln und in neue Kleider zu hüllen vermag. So entsteht ein eigenartiger Crossover, in dem es zur Verbindung des Traditionellen mit dem Nichttraditionellen kommt - anders gesagt: der Zuschauer erhält einfach das, was er sich von Zimbalmusik verspricht. Die zusammengesetzten Kapellen definieren die Wahrnehmungsdimension des Zuhörers komplett neu. In der tschechischen und mährischen Szene besteht dieses einzigartige Ensemble seit 1978 unter der Leitung von Jiří Pavlica. Gerade weil die Volksmusik für das Ensemble eine bedeutende Rolle spielt, begann es sein Repertoire auszudehnen, indem es breitere Zusammenhänge mit der Volksmusik entfernter Kulturen und Gemeinschaften sucht. Dementsprechend erhöhten sich die künstlerischen Ansprüche an einzelne Ensemblemitglieder enorm. Es reichte nicht mehr aus, Volkslieder möglichst authentisch zu spielen. Die neue Herausforderung war es, sie anders zu spielen. Und gerade dafür waren Phantasiereichtum und die Fähigkeit gefragt, sich von starren eingelebten und geltenden Formen zu befreien. Allmählich begann sich Primas Jiří Pavlica immer mehr auch als Komponist durchzusetzen, wobei seine Kompositionen für das Ensemble Hradišťan allmählich unentbehrlich wurden.

Dies alles machte Hradišťan innerhalb der tschechischen Szene zu einer einzigartigen Formation, die für ihre Qualität und Originalität mit anderen ähnlich orientierten Ensembles unverwechselbar war. Dank der seit den 90er Jahren stets steigenden Nachfrage der „Worldmusic“, gelang der Name „Hradišťan“ bald über die Grenzen unseres Landes hinaus, als sich das Interesse an seiner Musik in der ganzen Welt verbreitete. Das Ensemble konzertierte bislang gleich auf vier Kontinenten. Es war zu Gast auf vielen traditionellen, alternativen und klassisch orientierten Musikfestivals. Die musikalische Laufbahn des Ensembles Hradišťan dokumentieren mehr als dreißig aufgenommene Musikträger. Häufig wird Hradišťan auch in Rundfunk- und Fernsehsendungen eingeladen.

Die Konzerte des Ensembles Hradišťan ziehen oft ein diverses Publikum an. Nach einigen Einleitungsstücken vereinen sich die Künstler in der Regel mit dem Publikum zu einem Ganzen. Diese magische Einheit führt Jiří Pavlica durch das Konzert, während er sich bemüht, den aktuellen und sensiblen Bedürfnissen der Zuhörer entgegenzukommen. Hradišťan kommt niemals nur, um seine Konzerte abzuspielen. Für das Ensemble ist die Interaktion mit dem Publikum wichtig, weshalb aus jedem Konzert eine vollkommen andere Vorstellung hervorgeht. 

Jiří Pavlica wurde 1953 geboren. In seiner Ausbildung verband sich die praktische Schule mit der theoretischen Vorbildung, die er innerhalb seines Musikologie-Studiums an der Palacký-Universität in Olomouc (Olmütz) gewann. Das Geigenspiel studierte er am Konservatorium in Brno (Brünn). Nach dem Erwerb seiner reichen instrumentalem Praxis studierte er später Komposition an der Janáček-Akademie für Musik und Darstellende Kunst bei Arnošt Parsch und Zdeňek Pololáník. Der Name Jiří Pavlica ist insbesondere mit seiner mehr als fünfunddreißigjährigen Arbeit im Ensemble Hradišťan verbunden. Besonders dank seiner Invention und seiner Sehnsucht, neue musikalische Zusammenhänge zu entdecken, gelang es Hradišťan, die Volksmusik mit Zeitgenössischer Musik dramaturgisch geschickt zu verweben.

Neben dem sensiblen Ansatz zur Musik ist die Textkomponente für ihn genauso wichtig.

In diesem Zusammenhang wird seine Vertonung der Texte des mährischen Dichters Jan Skácel hoch geschätzt.

Neben seiner Arbeit mit dem Ensemble Hradišťan , war Jiří Pavlica auch anderweitig musikalisch tätig. Seine Karriere säumen etliche Autorenprojekte. Er komponierte Film- und Theatermusik und konzertierte regelmäßig im In- sowie im Ausland. Er verzichtet nicht auf die Zusammenarbeit mit großen Orchestern sowie Kammerorchestern. Befriedigung bringen ihm aber ebenfalls alternative Projekte, die manchmal - ohne zu übertreiben - unerwartete Abenteuer versprechen und die Musik verschiedener Kontinente verbinden.   

Die Arbeit von Jiří Pavlica erhielt fachliche Anerkennungen, zu denen der Preis des Tschechischen Musikfons, der Preis des internationalen Rundfunkwettbewerbs Prix Bratislava und der Preis der unabhängigen Journalisten „Das gelbe U-Boot“ gehören. Zeuge für den Erfolg seiner Aufnahmen ist der Erhalt der goldenen Platten für die Alben „Das Echo der Seele“ oder „Kap der Guten Hoffnung“ und der Empfang der Platinplatte für das Album „Über die Sonnenwende“.

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cena vstupenky: 220 Kč

Ivan und Lukáš Klánskýs – Klavier

Antonín Dvořák: Slawische Tänze

Das Šluknover Konzert erinnert an das Vermächtnis eines der größten Genies der tschechischen Musik - Antonín Dvořák. Der außerordentliche Erfolg „Der Slawischen Tänze“ trug bedeutend zu Dvořáks europäischem Ruhm bei und die tschechische sowie die weltweite Musik gewann dadurch ein Werk von unermesslichem Wert. Dvořák komponierte dieses Werk im Jahre 1878 und auf Brahms Veranlassung gab sie der Berliner Musikherausgeber Simrock heraus. Das vierhändige Klavierspiel war damals ein beliebtes Vergnügen in bürgerlichen Salons und Dvořáks Werk sollte an die vorher erfolgreich herausgegebenen „Ungarischen Tänze“ von Brahms anknüpfen.

Dvořák, der durch die tschechische Volksmusik beeinflusst wurde und schon vorher seine Mährischen Tänze herausgab, machte sich mit großem Elan ans Werk. Ein erster Entwurf entstand innerhalb von wenigen Stunden, die ganze Komposition entstand dann in weiteren drei Wochen. Dvořák ahnte jedoch bereits zu Anfang seiner Arbeit, dass das Werk auch für das Arrangement fürs Orchester interessant sein würde und deshalb erarbeitete er paralell auch eine orchestrale Version der Partituren.

Dvořák ging beim Komponieren vom Konzept der Volksmusik aus. Das entstandene Werk war jedoch ein originelles und hoch stilisiertes Stück. Beeinflusst durch die überwiegend tschechischen Volksinspirationen, die von den böhmischen Tänzen (Polka, Skočná, Sousedská, Furiant) ausgingen, entstand auch die ukrainische Dumka. Akustisch sind „Die Slawischen Tänze“ durch einen Wechsel von Dur- und Moll, durch den markanten Polywohlklang und durch die Basslinie geprägt. Allen Zyklusteilen ist die überwältigende Kreativität zu erkennen, die vielleicht alle Werke von Dvořák prägt. Intuition und Spontanität, Humor und Ungezwungenheit sind auch hier in großem Maß anwesend.

Die Namen Ivan und Lukáš Klánskýs genießen in Klavierkreisen einen großen Respekt bei allen Generationen. Während der Vater Ivan großes Erfahrungsvermögen und Überblick garantiert, beweist sein Sohn Lukáš, dass es möglich ist, in Vaters Fußstapfen zu treten und dabei aus seinem Schatten durch eigenen Fleiß, Erfindungsgeist und Individualität hervorzutreten.Um so wertvoller ist für die Zuhörer der Moment, in dem sich beide musikalischen Zugänge in einem Dialog zwischen den Generationen an einem Klavier treffen.

Ivan Klánský wurde 1948 geboren und seine reichen Interpretationserfahrungen machten ihn zu einem führenden Musiker des tschechischen sowie ausländischen Konzertlebens.

Ivan Klánský gewann schon ab seinem 19. Lebensjahr bedeutende Preise internationaler Klavierwettbewerbe. Bereits im jugendlichen Alter erwarb er sich Anerkennung aus Bolzano, später aus Leipzig, Neapel, Fort Worth oder Barcelona. Als einziger Tscheche in der bisherigen Geschichte, kam er 1970 ins Finale des Chopin-Wettbewerbs in Warschau.

Heute ist Ivan Klánský als Solist sowie als Mitglied des Klavierensembles Guarneri trio Prague ein in der ganzen Welt gefragter Interpret. Ohne zu übertreiben kann man sagen, dass er ein Musiker ist, dessen Kunst den eingeweihten Zuhörern von vier Kontinenten bekannt ist.

Außer Chopin gehören zu seinem Repertoir noch andere bekannte Werke der Weltklavierliteratur. Er nahm das komplette Klavierwerk von Bedřich Smetana und Leoš Janáček auf, aber in seinem Repertoir fehlen auch nicht Bach, Mozart und Beethoven. Zur Zeit leitet Ivan Klánský den Lehrstuhl für Tasteninstrumente der Prager Akademie der Musischen Künste, zu seinen bedeutendsten Schüler gehören die Gewinner des Wettbewerbes Prager Frühling - Martin Kasík und Ivo Kahánek.

Sein Sohn Lukáš Klánský wurde 1989 geboren und widmet sich dem Klavierspiel seit seinem fünften Lebensjahr. Ähnlich wie die Karriere seines Vaters ist auch der Karriereweg von Lukáš Klánský vom Anfang an mit zahlreichen Erfolgen auf internationalen Interpretationswettbewerben gesäumt. Sein Debüt auf großen Podien erlebte er bereits mit fünfzehn Jahren, als Mozarts Klavierkonzert F-Dur in seiner Darbietung unter Begleitung des Prager Kammerorchsters im Rudolfinum aufgeführt wurde. Ebebso im Rudolfinum spielte er nach dem Abschluss des Prager Konservatoriums sein Absolventenkonzert, das Konzert von Chopin „f-Moll“. Zur Zeit setzt Lukáš Klánský sein Studium in der Klasse seines Vaters an der Prager Akademie der musischen Künste (HAMU) fort. Dabei ist er als Konzertpianist bei zahlreichen Orchestern sowohl bei uns als auch im Ausland tätig. Regelmäßig tritt er auf Festivals wie dem Musikfestival Prager Frühling, Václav Hudečeks Musikfeste, das Musikfestival Talichs Beroun, Tschechische Träume oder im Kammerzyklus der Tschechischen Philharmonie auf. Trotz seines jugendlichen Alters wird er sowohl bei Profis sowie bei einem breiteren Publikum in der Tschechischen Republik und ebenso im Ausland hoch anerkannt.

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cena vstupenky: 220 Kč

Ivan a Lukáš Klánští – klavír
Antonín Dvořák (1841 -1904): Slovanské tance pro klavír na čtyři ruce 
Řada I. op. 46
- Presto  C dur    
- Allegretto scherzando  c moll    
- Poco allegro  As dur  
- Tempo di menueto   F dur    
- Allegro vivace  A dur    
- Allegretto scherzando D dur    
- Allegro assai  c moll    
- Presto g moll 

Řada II. op. 72
- Molto vivace  H dur    
- Allegretto grazioso  e moll      
- Allegro  F dur    
- Allegretto grazioso  Des  dur
- Poco adagio  b moll    
- Moderato, quasi Minuetto  H dur    
- Grazioso e lento, ma  non troppo, quasi tempo di Valse  As dur
- Allegro vivace  C dur        

Na tento koncert vypravujeme autobus z České Lípy zdarma.
Podmínkou pro odvoz je platná vstupenka a registrace v tomto formuláři.
Zbývající počet volných míst je aktuálně orientačně 0.

Každý rok, který má v sobě jako poslední číslici 4, je označován za Rok české hudby. Tuto číslici mají v letopočtech důležitá data spojená s životy Smetany, Dvořáka, Janáčka, Suka, nebo také Bibera z nedaleké Stráže pod Ralskem. Šluknovský koncert připomíná odkaz jednoho z největších géniů české hudby Antonína Dvořáka.

Mimořádný úspěch Slovanských tanců významně přispěl k Dvořákovu evropskému věhlasu a česká i světová hudba v nich získala dílo nevyčíslitelné hodnoty. Antonín Dvořák toto dílo složil v roce 1878 a na Brahmsův popud je vydal berlínský hudební vydavatel Simrock. Čtyřruční klavírní hra byla tehdy oblíbenou zábavou v měšťanských salonech a Dvořákovo dílo mělo navázat na předtím úspěšně vydané Brahmsovy Uherské tance.

Dvořák, který byl odchován českou lidovou hudbou a již předtím vydal své Moravské dvojzpěvy, se pustil čile do díla. Prvotní náčrt vznikl doslova během několika hodin, celá kompozice pak vznikla za další tři týdny. Dvořák však již na začátku své práce tušil, že dílo bude mít ohlas i při úpravě pro orchestr, a proto souběžně pracoval i s orchestrální verzí partitur.

Dvořák vycházel při komponování z pojetí lidové hudby, vzniklé dílo bylo ale originálním a vysoce stylizovaným kusem. Mezi převážně českými lidovými inspiracemi vycházejícími z polky, skočné, sousedské a furianta se objevuje také ukrajinská dumka. Zvukově jsou Slovanské tance typické střídáním durového a mollového tónorodu, výraznou polymelodičností a basovou linií. Všem částem cyklu je společná ohromující invence, která je Dvořákovi přisuzována snad ve všech jeho dílech. I zde je velkou měrou přítomná intuitivnost a spontaneita, humor a nenucenost.

Jména Ivana a Lukáše Klánských vzbuzují v klavírních kruzích velký respekt napříč generacemi. Zatímco otec Ivan garantuje obrovskou zkušenost a rozhled, jeho syn Lukáš prokazuje, že je možné kráčet v otcových šlépějích a přitom vybočit z jeho stínu vlastní pílí, invencí a osobitostí. O to vzácnější je pro posluchače moment, kdy se oba přístupy potkají v mezigeneračním dialogu za jedním klavírem.

Ivan Klánský se narodil v roce 1948 a jeho bohaté interpretační zkušenosti z něj učinily předního představitele českého i zahraničního koncertního života. Ivan Klánský se již od 19 let stal laureátem významných mezinárodních klavírních soutěží. V útlém muzikantském mládí si donesl uznání z Bolzana, později z Lipska, Neapole, Fort Worthu nebo Barcelony. Jako jediný Čech v historii se v roce 1970 dostal do finále chopinovské soutěže ve Varšavě.

Dnes je Ivan Klánský jako sólista i jako člen klavírního ansámblu Guarneri trio Prague interpretem vyhledávaným velkými světovými pódii. Bez nadsázky se dá říci, že je muzikantem, jehož umění je známé zasvěceným posluchačům čtyř světadílů. Ač bývá nejednou označován za chopinistu, do jeho repertoáru patří o mnoho širší záběr světové klavírní literatury. Nahrál kompletní klavírní dílo Bedřicha Smetany a Leoše Janáčka, ale na jeho recitálech nechybí ani Bach, Mozart nebo Beethoven. V současné době Ivan Klánský vede katedru klávesových nástrojů na pražské AMU, jeho nejvýznamnějšími žáky jsou vítězové soutěže Pražského jara Martin Kasík a Ivo Kahánek.

Syn Lukáš Klánský se narodil roku 1989 a hře na klavír se věnuje od svých pěti let. Podobně jako kariéra jeho otce je i dráha Lukáše Klánského od počátku lemována četnými úspěchy na mezinárodních interpretačních soutěžích, svůj debut na velkých pódiích zažil už v patnácti letech, kdy byl v jeho podání za doprovodu Pražského komorního orchestru uveden v Rudolfinu Mozartův klavírní koncert F-dur. Taktéž v Rudolfinu se odehrál i jeho absolventský koncert po ukončení Pražské konzervatoře, který byl věnován Chopinovu koncertu f-moll. V současnosti ve třídě svého otce Lukáš Klánský pokračuje ve studiích na pražské HAMU, přitom se věnuje koncertní činnosti s četnými orchestry u nás i v zahraničí a pravidelně vystupuje na festivalech jako je Pražské Jaro, Svátky hudby Václava Hudečka, Talichův Beroun, České sny nebo v komorním cyklu České filharmonie. Přes své mládí si získává uznání profesionálů i širšího publika v České Republice i v zahraničí.

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Cena vstupenky: 200 Kč

Zemlinského kvarteto
František Souček – housle
Petr Střížek – housle
Petr Holman – viola
Vladimír Fortin – violoncello 

Program:
L. Janáček (1854-1928): Smyčcový kvartet č. 1 Kreutzerova sonáta
B. Smetana (1824-1884): Smyčcový kvartet e moll Z mého života
A. Dvořák (1841-19:4) Smyčcový kvartet č. 12 F dur Americký op. 96

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V roce české hudby je pozornost festivalu obrácena ve velké míře k českým hudebním skladatelům. Koncert ve Waltersdorfu, který uvádí díla psaná hudebními velikány Janáčkem, Smetanou a Dvořákem pro smyčcová kvarteta, to potvrzuje.

Motivu Kreutzerovy sonáty jako dramatu milostného trojúhelníku se poprvé chopil Ludwig van Beethoven. O necelé půlstoletí byl jeho sonátou fascinován spisovatel Lev Nikolajevič Tolstoj natolik, že se jí nechal inspirovat při psaní moralistní novely o žárlivosti. Za dalších padesát let se příběhem Tolstého nadchl Leoš Janáček, který dílu vtiskl další podobu, tentokrát napsanou pro smyčcový kvartet. Náročné téma v sobě obsahuje napětí, svár a drama, to vše zhutněné do silného výrazového příběhu.

Jiným způsobem závažné téma přináší část programu věnovaná Bedřichu Smetanovi. Smyčcový kvartet e moll Z mého života je skladatelovou autobiografií, hudba lemuje etapy Smetanova života a je jeho osobním vyznáním. Skladba začíná motivy rozverného mládí pokoušeného uměleckým světem a postupně spěje k závažnějším tématům spojeným s formováním světonázoru a přihlášením se k ideám svého národa. V závěrečné větě přichází po optimistickém úvodu dramatický zlom následovaný děsivým nepokojem, který je alegorií skladatelovy tragédie a výsměchu osudu, který jej připravil o sluch. Tento nepokoj rozbíjí stavbu věty a její původní motivy v ní lze tušit pouze zastřeně, z dálky.

Není bez zajímavosti, že při soukromé premiéře Smetanova kvartetu v roce 1878 se hry na violu chopil jiný budoucí český hudební génius Antonín Dvořák, jehož smyčcový kvartet F dur Americký program uzavírá. Po předchozích dramatických a bilancujících kusech Dvořák uklidňuje uši posluchače, neb je naplněné radostí z odpočinku a ze setkání s blízkými. Dvořák jej napsal během prázdninového pobytu ve vesnici Spillville ve státě Iowa obklopen českými emigranty. Za Dvořákem sem po dlouhém odloučení přijeli i jeho děti. Dílo tak vznikalo ve veselém ovzduší a na jeho svěžím výrazu je to znát. Náčrt díla vznikl během pouhých tří dní, na poslední list si Dvořák zapsal: „Zaplať pán Bůh, jsem spokojen. Šlo to rychle.“ Premiéra se konala na Nový rok 1894 v Bostonu. Kus se setkal s takovým úspěchem, že jej Kneiselovo kvarteto, které jej provádělo, hrálo na různých místech v témže roce celkem padesátkrát.

Od svého založení v roce 1994 je Zemlinského kvarteto jedním z nejaplaudovanějších domácích smyčcových kvartet. Může se také honosit uznáním v zahraničí, v roce 2010 se stal vítězem prestižní soutěže Bordeaux International String Quartet Competition a obdobně úspěšný byl kvartet i na dřívějších mezinárodních soutěžích v kanadském Banffu, Praze nebo Londýně, kde Zemplinsky Quartet obdržel také cenu diváků. Významným oceněním kvartetu byla cena Nadace Alexandra Zemlinského ve Vídni v roce 2009.

Dílo Alexandra Zemlinského, rakouského skladatele, který dlouhou dobu působil i v Praze a jehož odkaz kvarteto šíří, tvoří samozřejmý pilíř repertoáru. Záběr Zemlinsky Quartetu je však o mnoho širší. Po celém světě uvádí díla Haydna, Mozarta, Beethovena, Čajkovského, Schuberta, Mendelssohna-Bartholdyho a mnohých dalších. V tomto roce klade kvarteto velký důraz na české skladatele a přináší díla Smetany, Dvořáka, Janáčka, Suka, Martinů ad.

Za úspěchy kvarteta stojí především vynikající sehranost, která muzikanty na pódiu spojuje v homogenní a vysoce přesvědčivý celek. Kvarteto má za sebou velmi bohatou nahrávací činnost. Vydalo již takřka 20 CD a od roku 2007 nahrává exkluzivně pro francouzskou společnost Praga Digitals. Členové kvarteta jsou vyhledáváni i jako sólisté, první houslista František Souček a violista Petr Holman působí též jako profesoři na Pražské konzervatoři.

http://www.zemlinskyquartet.cz/

 

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Ticketpreis: 200 Kč

Zemlinsky Quartett
František Souček – Geige
Petr Střížek – Geige
Petr Holman – Bratsche
Vladimír Fortin – Violoncello

L. Janáček: Streichquartett Nr.1 „Kreutzersonate
B. Smetana: Streichquartett e-Moll „Aus meinem Leben“
A. Dvořák: Streichquartett Nr. 12 F-Dur „Das Amerikanische“ Op. 96

Im Jahr der tschechischen Musik richtet sich die Aufmerksamkeit des Festivals in großem Maße auf tschechische Komponisten. Dies bestätigt auch das Konzert in Waltersdorf, das die komponierten Werke tschechischer Musikgrößen, wie Janáček, Smetana und Dvořák für Streichquartette aufführt.

Das Motiv der „Kreutzersonate“ als Drama einer Dreiecksbeziehung griff zum ersten Mal Ludwig van Beethoven auf. Nicht ganz fünfzig Jahre später war der Schriftsteller Lev Nikolajewitsch Tolstoj von Beethovens Sonate so begeistert, dass er sich von diesem Werk zum Schreiben einer moralischen Novelle über Eifersucht inspirieren ließ. Nach weiteren fünfzig Jahren begeisterte Tolstojs Geschichte wiederum Leoš Janáček, der dem Werk zu einer weiteren Gestaltungskomponente verhalf, diesmal eine Komposition für ein Streichquartett. Das Thema beinhaltet Spannung, Streit und Drama und das alles ist eingebunden in eine starke expressive Geschichte.

Der dem Komponisten Bedřich Smetana gewidmete Programmteil beinhaltet ein weiteres Thema. Das Streichquartett e-Moll „Aus meinem Leben“ ist eine Autobiographie des Komponisten. Die Musik spiegelt Etappen von Smetanas Lebens wider. Die Komposition beginnt mit Motiven der ausgelassenen Jugend, die von der Welt der Kunst verführt wird. Allmählich gelangt sie zu anderen Themen, die mit Formen der Weltanschauung und dem Bekenntnis zu Idealen seines Volkes verbunden sind. Im Abschlusssatz kommt nach der optimistischen Einführung ein dramatischer Bruch, gefolgt von grauenhafter Unruhe, die eine Allegorie auf die Tragödie Smetanas und der Verhöhnung seines Schicksals ist, das ihm das Gehör raubte. Diese Unruhe zerbricht den Satzbau und seine ursprünglichen Motive sind darin lediglich verschleiert zu erahnen.

Interessant zu erwähnen ist, dass bei der privaten Premiere von Smetanas Quartett im Jahre 1878 ein anderes zukünftiges tschechisches Musikgenie Bratsche spielte - Antonín Dvořák, dessen Streichquartett F-Dur das Programm schließt. Nach den vorangegangen dramatischen und bilanzierenden Werken, beruhigt Dvořáks Stück die Ohren der Zuhörer, denn sein Quartett ist voll von Freude und Entspannung. Dvořák komponierte es während eines Ferienaufenthaltes im Dorf Spillville im Staat Iowa, umgeben von tschechischen Emigranten.

Nach einer langen Trennung kamen dorthin auch seine Kinder. Das Werk entstand so in einer fröhlichen Atmosphäre, was durch seinen positiven Ausdruck zu spüren ist. Das grobe Werk entstand innerhalb von nur drei Tagen. Auf das letzte Blatt notierte Dvořák: „Gott sei Dank, ich bin zufrieden. Es ging schnell.“ Die Premiere fand an Neujahr 1894 in Boston statt.

Das Stück hatte einen so großen Erfolg, dass es das Kneisel-Quartett, das es aufführte, in diesem Jahr an verschiedenen Orten insgesamt fünfzig Mal spielen musste. 

Seit seiner Gründung im Jahre 1994 gehört das Zemlinsky-Quartett zu einem der am meisten gefeiertsten tschechischen Streichquartette. Es kann sich auch der Anerkennung im Ausland rühmen. Im Jahre 2010 siegte es im prestigeträchtigen Wettbewerb Bordeaux International String Quartet Competition und ähnlich erfolgreich war das Quartett auch in vorhergehenden Wettbewerben im kanadischen Banff, Prag oder London, wo das Zemplinsky-Quartett den Zuschauerpreis erhielt. Zu einer sehr bedeutenden Anerkennung seiner Leistung gehört für das Quartett der Preis der Alexander-Zemlinsky-Stiftung in Wien im Jahre 2009.

Das Werk des österreichischen Komponisten Alexander Zemlinsky, der lange Zeit auch in Prag wirkte und dessen Nachlass das Quartett weitergibt, bildet den Pfeiler des Programms.

Die Repertoirbreite des Zemlinsky-Quartetts ist jedoch noch viel größer. In der ganzen Welt führt es Werke von Haydn, Mozart, Beethoven, Tschaikowski, Schubert, Mendelssohn-Bartholdyho und vielen weiteren auf. In diesem Jahr legt das Quartett großen Wert auf tschechische Komponisten und spielt Werke von Smetana, Dvořák, Janáček, Suk, Martinů usw. Den Erfolg des Quartetts garantiert besonders die ausgezeichnete Synchronisierung, die die Musikanten auf der Bühne zu einem homogenen und hoch überzeugenden Ganzen verschmelzen lässt. Das Quartett hat sehr viele Tonaufnahmen vorzuweisen. Es nahm bereits 20 CDs auf und seit 2007 macht es exklusiv für die französische Gesellschaft Praga Digital Aufnahmen. Die Quartettmitglieder sind auch als Solisten gefragt. Der erste Geiger František Souček und Bratschist Petr Holman sind zugleich als Professoren am Prager Konservatorium tätig.  

http://www.zemlinskyquartet.cz/

 

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Ticketpreis: 220 Kč

Il violino boemo
Lenka Torgersen – Geige
Václav Luks – Cembalo

František Benda (1709-1786): Sonate B-Dur
- Largo
- Allegro ma non molto
- Amoroso
František Jiránek (1698-1778): Sonate F-Dur
- Adagio
- Allegro
- Tempo di Menuet
František Benda (1709-1786): Sonate A-Dur
- Andante
- Allegro
- Cantabile
Gottfried Heinrich Stölzel (1690-1749): Enharmonische Sonate c-Moll
František Benda(1709-1786): Sonate c-Moll
- Siciliano
- Allegro
- Presto
František Jiránek (1698-1778): Sonate C-Dur
- Adagio
- Allegro
- Gavotte

Auch in diesem Jahr bleibt das Festival mit seinen Zuschauern einer seiner kleinsten und zugleich malerischsten Szenen treu: der Kirche der hl. Barbara in Zahrádky, wo zum wiederholten Male das traditionelle Konzert bei Kerzenschein stattfindet. Seine Gäste und Protagonisten sind die Violinistin Lenka Torgersen und der Cembalist Václav Luks, die sich beide der belehrten Interpretation der Alten Musik widmen.

Das Programm unter dem Namen „Il violino boemo“ gewährt einen Exkurs ins Geigenschaffen der böhmischen Barockkomponisten František Benda und František Jiránek.

Die Qualität der böhmischen Geigenschule ist überraschend, und umso wertvoller ist deshalb der Beitrag der Interpreten, die deren Werk den Zuhörern erneut vorstellen. Der Konzertverlauf ist teilweise dem der CD-Aufnahme identisch, die die Interpreten zu Ehren von Benda, Jiránek oder Josef Antonín Gurecký herausgaben. Das erwähnte Album kennzeichnet sich durch Frohsinn, Farbreichtum und Zärtlichkeit. Die unaufgeklärten Zuhörer sind von der bisher unbekannten böhmischen barocken Geigenmusik der Aufnahme fasziniert.

Der berühmteste von den drei genannten Komponisten war František Benda, der aus einer musikalischen Familie aus Benátky nad Jizerou stammte. Er selbst war ein hervorragender Geigenspieler. Seine Musikkarriere führte ihn bis an den Hof des preußischen Königs Friedrich II., wo er Ruhm und Anerkennung genoss. Die Musikwissenschaftler verbinden das Bendas Universum mit der Vivaldischen Schule, die Benda zwar beeinflusste, die er aber nicht kopierte. Unter dem Einfluss der aufgeklärten Philosophie, die Friedrich II. auf seinem Hof pflegte, fand Benda andere, teilweise bereits dem vordringenden Klassizismus unterliegende Wege. Mit Vivaldi ist aber noch ein anderer Protagonist des Abends, František Jiránek, verbunden. Jiránek war Mitglied der Prager Kapelle des Grafen Václav Morzin (Wenzel von Morzin), des Mäzens von Antonio Vivaldi. Womöglich kam Jiránek gerade dank dieser Verbindung in die Lehre zu Vivaldi.

Lenka Torgersen ist Absolventin des Pilsner Konservatoriums und der Prager Akademie der musischen Künste, an der sie bei Václav Snítil studierte. In der Aufführungspraxis konzentrierte sie sich vorwiegend auf die Interpretation der Barockmusik. Zwischen 1999-2003 vertiefte sie ihre Ausbildung in diesem Fach an der Schola Cantorum Basiliensis unter der Leitung von Chiara Banchini.

Momentan ist sie Konzertmeisterin des Ensembles Collegium Marianum und des La Cetra Barockorchesters Basel. Sie arbeitet mit vielen weiteren Ensembles der tschechischen sowie weltweiten Interpretationsspitze zusammen, unter denen die Ensembles Freitagsakademie Bern, Collegium 1704, conSequenza und weitere nicht fehlen. Dank ihrer reichen Konzertpraxis kam sie mit hervorragenden Persönlichkeiten der Alten Musik in Berührung, z.B. mit Gustav Leonhardt oder Jordi Sávalo in Kontakt.

Lenka Torgersen nimmt für renommierte Gesellschaften wie Accent, Supraphon, Pan Classics, Harmonia Mundi oder Zig - Zag Territoires auf. Seit 2008 unterrichtet sie Barockgeigenspiel und Ensemblespiel an der Höheren Fachschule „Týnská“ an der Karlsuniversität in Prag.

Die musikalische Zusammenarbeit von Lenka Torgersen und Václav Luks wird vorwiegend für ihre Authentizität und dem gefühlvollen Ansatz zur Barockmusik geschätzt. Dies unterstreicht auch die Geige von Lenka Torgersen, die ein Originalinstrument aus dem Jahre 1760 ist und die die Stiftung „Deutsche Musikinstrumentenstiftung Göttingen“ der Interpretin langfristig verlieh.

Genau wie seine Konzertpartnerin ist auch Václav Luks ein ähnlich erfahrener Musiker. Seine Musikausbildung vollzog sich in ähnliche Richtung, wenn auch auf Tasteninstrumenten.

Seine Studien verfolgte er ebenfalls am Konservatorium in Pilsen, an der Akademie der musischen Künste in Prag und an der Basler Schola Cantorum, wo er seine Ausbildung im Fach „Historische Tasteninstrumente“ in der Klasse von J.-A. Bötticher und J. B. Christense beendete. Václav Luks ist den Zuhörern vor allem als künstlerischer Leiter des Ensembles Collegium 1704 bekannt. Dennoch ist dies aber nicht sein einziges Engagement. Als Solist oder Mitglied verschiedener Kammerensembles trat er auf vielen bedeutenden Podien in Europa sowie im Ausland auf. Regelmäßig wird er zur Zusammenarbeit mit führenden europäischen Orchestern, die sich auf die Interpretation historischer Musik spezialisieren, eingeladen. Weiterhin arbeitet Luks mit Rundfunksendern in der Tschechischen Republik und im Ausland zusammen.

Neben seiner Konzerttätigkeit widmet sich Václav Luks intensiv dem Studium historischer Musikquellen aus Böhmen, Österreich und Deutschland, Kulturbindungen in der mitteleuropäischen Region und dem Studium der Quellen des Spielens vom Generalbass (Basso continuo) auf  Tasteninstrumenten der Barockzeit. Zwischen 1996-1999 unterrichtete er Generalbass an der Akademie der musischen Künste in Prag und zwischen 2001-2003 an der Felix-Mendelssohn-Bartholdy-Hochschule für Musik in Leipzig. Momentan arbeitet er mit der Janáček-Akademie der musischen Künste in Brünn zusammen.

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Tradiční koncert při svíčkách
cena vstupenek: 220 Kč

Lenka Torgersen – barokní housle
Václav Luks - cembalo

Program:
František Benda (1709-1786): Sonáta B dur
- Largo
- Allegro ma non molto
- Amoroso

František Jiránek (1698-1778): Sonáta F dur
- Adagio
- Allegro
- Tempo di Menuet

František Benda (1709-1786): Sonáta A dur
- Andante
- Allegro
- Cantabile

Gottfried Heinrich Stölzel (1690-1749): Enharmonická sonáta c moll

František Benda(1709-1786): Sonáta c moll
- Siciliano
- Allegro
- Presto

František Jiránek (1698-1778): Sonáta C dur
- Adagio
- Allegro
- Gavotte

Ani v letošním roce festival se svými diváky neopouští jednu ze svých nejmenších a zároveň nejmalebnějších scén, kostel svaté Barbory v Zahrádkách, kde se opět koná tradiční koncert při svíčkách. Jeho hosty a protagonisty jsou houslistka Lenka Torgersen a cembalista Václav Luks, kteří se oba věnují interpretaci poučené interpretaci staré hudby.

Program nazvaný Il violino boemo s sebou přináší exkurz do houslové tvorby českých barokních skladatelů Františka Bendy a Františka Jiránka. Kvalita české houslové školy je překvapující a o to záslužnější je i přínos interpretů, kteří její dílo znovu přináší k posluchačům. Osa koncertu částečně sleduje CD, které interpreti vydali k poctě Bendy, Jiránka nebo Josefa Antonína Gureckého. Zmíněné album se dle kritiků vyznačuje svěžestí, barevností a něhou a nepoučené posluchače dosud neznámý svět české barokní houslové hudby na nahrávce obsažené fascinuje.

Nejproslulejším z trojice jmenovaných skladatelů byl František Benda, který pocházel z muzikantské rodiny z Benátek nad Jizerou a sám byl vynikajícím houslistou. Jeho hudební kariéra jej zavedla až na dvůr pruského krále Fridricha, kde dosáhl proslulosti a respektu. Muzikologové spojují Bendovo hudební univerzum s vivaldiovskou školou, kterou však nekopíroval, ale pouze z ní vycházel. Sám pak jistě pod vlivem osvícenské filosofie, kterou na svém dvoře Fridrich II. pěstoval, nacházel východiska jiná již částečně podléhající pronikajícímu klasicismu. S Vivaldim je ale spojován i další protagonista večera František Jiránek, který byl členem pražské kapely hraběte Václava Morzina, mecenáše Antonia Vivaldiho, a je pravděpodobné, že díky tomuto spojení se Jiránek dostal k Vivaldimu do učení.

Lenka Torgersen je absolventkou plzeňské konzervatoře a pražské AMU, kde studovala u Václava Snítila. Interpretačně se vyprofilovala hlavně na hru barokní hudby. V letech 1999-2003 si v tomto oboru dále prohlubovala vzdělání na Schola Cantorum Basiliensis pod vedením Chiary Banchini.V současné době je koncertním mistrem souboru Collegium Marianum a La Cetra Barockorchester Basel. Spolupracuje s mnoha dalšími soubory české i světové interpretační špičky, mezi kterými nechybí Freitagsakademie Bern, Collegium 1704, conSequenza a další. Díky bohaté koncertní praxi přišla do styku s vynikajícími osobnostmi staré hudby jako je Gustav Leonhardt nebo Jordi Savall.Lenka Torgersen nahrává pro renomované společnosti jako je Accent, Supraphon, Pan Classics, Harmonia Mundi nebo Zig - Zag Territoires .Od roku 2008 vyučuje hru na barokní housle a ansámblovou hru na Týnske škole při Karlově univerzitě v Praze. Hudební spolupráce Lenky Torgersen a Václava Lukse je oceňována hlavně pro svou autentičnost a citlivý přístup k barokní hudbě. Výsledný dojem podtrhují i housle Lenky Torgersen, které jsou originálním nástrojem z roku 1760 a které interpretce dlouhodobě zapůjčila nadace Deutsche Musikinstrumentenstiftung Göttingen.

Stejně zkušeným hudebníkem jako jeho koncertní partnerka je i Václav Luks a podobnými směry, byť na klávesové nástroje se ubíralo i jeho hudební vzdělání. Také jeho studia lemují Konzervatoř v Plzni, Akademie múzických umění v Praze a basilejská Schola Cantorum, kde završil své vzdělání v oboru historických klávesových nástrojů ve třídě J.–A. Böttichera a J. B. Christensena. Václav Luks je posluchačům známý především jako umělecký vedoucí souboru Collegium 1704, ale to není jeho jediné angažmá. Jako sólista nebo člen různých komorních souborů vystoupil na řadě významných pódií v Evropě i zámoří. Pravidelně je zván ke spolupráci s předními evropskými orchestry specializujícími se na interpretaci historické hudby a spolupracuje rozhlasovými stanicemi v ČR i v zahraničí.Kromě koncertní činnosti se Václav Luks intenzivně věnuje studiu hudebních historických pramenů Čech, Rakouska a Německa, kulturních vazeb ve středoevropském regionu a studiu pramenů hry generálbasu (basso continuo) na klávesové nástroje doby baroka. V letech 1996–1999 vyučoval generálbas na AMU v Praze a v letech 2001–2003 vyučoval na Vysoké hudební škole Felixe Mendelssohna-Bartholdyho v Lipsku. V současné době spolupracuje s JAMU v Brně.

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cena vstupenek: 190 Kč

Jana Boušková – harfa

Program:
Jan Ladislav Dusík (1760-1820): Sonáta Es dur, op.34
- Allegro brillante
- Andantino
- Rondo-Allegro moderato

František Antonín Rössler-Rosetti (1750-1792): Sonáta Es dur
- Allegro Assai
- Romance-Adagio non tanto
- Rondo- Allegretto

Antonín Dvořák (1841-1904): Suita A dur Americká, op.98
- Moderato
- Molto vivace
- Allegretto
- Andante
- Allegro

přestávka

Josef Suk (1874-1935): Letní dojmy, op. 22b (orig. pro klavír)
V poledne
Hra dětí
Večerní nálada

Bedřich Smetana (1824-1884)| Hanuš Trneček (1858-1914): Vltava

Harfistku světového renomé Janou Bouškovou již obdivovali posluchači v USA, Japonsku, Francii a na mnoha dalších vzdálených destinacích. Jako protipól věhlasných scén v zámoří může působit kravařský kostel Narození Panny Marie, kde se Jana Boušková chystá uvést pro harfu napsaná nebo upravená díla české provenience.

Jan Ladislav Dusík, v cizině nazývaný Dussek, je dnes poměrně málo známým autorem. Za svého života však byl uznávaný především jako virtuóz ve hře na piano. Koncertoval v Anglii, Itálii, Francii, Holandsku, Belgii, ale také v Petrohradu. Jeho instrumentální umění bylo významné pro vývoj moderní hry na klavír, jako skladatel je pokládán za předchůdce romantismu a jeho díla si vážil i o generaci mladší Joseph Haydn. Důležitou osobností, která formovala jeho počáteční hudební kroky, byla jeho matka, vynikající harfenistka. Možná právě proto Dusík složil nemálo skladeb pro harfu.

Z českých zemí pocházel i František Antonín Rössler. Český Němec, skladatel, dirigent a kontrabasista používající italský pseudonym Rosetti se narodil v Litoměřicích, ale některé prameny jej spojují i s Mimoní na Českolipsku. Získal vzdělání v kněžském semináři a byl dokonce vysvěcen na kněze. Nejvíce se však chtěl věnovat hudbě a proto požádal o papežskou dispenz, která jej pro hudební dráhu z církevních služeb uvolnila. Působil ponejvíce ve šlechtických kapelách po celé Evropě a jeho díla patřila v 18. století mezi nejhranější skladby. Známé byly krom jiného také jeho hornové koncerty, které údajně inspirovaly ke složení koncertů pro lesní rohy a orchestr i samotného Mozarta.

Původně pro klavír byla napsána Dvořákova suita A dur s přídomkem Americká. Antonín Dvořák ji napsal krátce po premiéře Novosvětské symfonie a svým způsobem pro něj byla uklidněním a stažením se do vlastního světa. Intimní dílo je uměřené, neokázalé, až lyrické.

Druhá část programu uvádí taktéž původně pro klavír napsané Letní dojmy od Josefa Suka. Snové a intimní dílo s sebou přináší něžnou meditaci, klidný prožitek silně působící na představivost.

Zdaleka nejznámějším kusem na programu je Smetanova Vltava ze symfonického cyklu Má vlast. Právě v podání velkého orchestru ji zná i většina diváků. Jana Boušková však všem podá důkaz o tom, že dílo je nosné a neztratí na výrazu ani při sólovém pojetí pro harfu.

Na Janu Bouškovou si vyžádal kontakt, poté co ji slyšel hrát v rozhlase, sám věhlasný violoncellista Mstislav Rostropovič a společně s ní provedl premiéru Sonáty pro violoncello a harfu Ravi Shankara. Světoznámá profesorka harfy Susan McDonald o Bouškové prohlásila, že je to talent století. Podobně nadšeně o Janě Bouškové hovoří i hudební kritici.

Jana Boušková je velmi žádanou hráčkou a na světových pódiích vystupuje se špičkovými orchestry, ale též v komorních seskupeních. Od roku 2005 je sólo harfenistkou České filharmonie. Kromě zmíněného Rostropoviče spolupracovala také s Jurijem Bašmetem, Patrickem Galloisem, Jiřím Bártou, Christianem Tetzlaffem, Radkem Baborákem a s dalšími vynikajícími umělci.

Jana Boušková má velmi bohatý koncertní repertoár. Je však ceněna nejen jako interpretka, ale též jako pedagožka. Současně vyučuje na třech školách, na Královské konzervatoři v Bruselu, Akademii Múzických Umění a Konzervatoři v Praze. Často též pořádá mistrovské kurzy na hudebních školách po celém světě, účastní se mezinárodních sympózií a zasedá v porotách prestižních interpretačních soutěží, které dříve sama vyhrávala. Vzpomínkou na vítězství na soutěži International Harp Competition v  roce 1992 je její koncertní nástroj, který jí byl udělen společně s laureátstvím v soutěži.

http://www.janabouskova.com/cz/

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Ticketpreis: 190 Kč

Jana Boušková - Harfe

Jan Ladislav Dusík (1760-1820): Sonate Es-Dur, Op. 34
- Allegro brillante
- Andantino
- Rondo-Allegro moderato
František Antonín Rössler-Rosetti (1750-1792): Sonate Es-Dur
- Allegro Assai
- Romance-Adagio non tanto
- Rondo- Allegretto
Antonín Dvořák (1841-1904): Amerikanische Suite A-Dur, Op.98
- Moderato
- Molto vivace
- Allegretto
- Andante
- Allegro

Pause

Josef Suk (1874-1935): Sommereindrücke, Op. 22b (Orig. für Klavier)
- Am Mittag
- Spiel der Kinder
- Abendlaune
Bedřich Smetana (1824-1884)| Hanuš Trneček (1858-1914): Die Moldau

Die weltweit renommierte Harfenistin Jana Boušková bewunderten bereits Zuhörer in den USA, Japan, Frankreich und in vielen entfernten Destinationen. Als Gegenpol zu weltberühmten Szenen im Ausland glänzt die Geburtskirche der Jungfrau Maria in Kravaře, wo Jana Boušková für Harfe komponierte oder modifizierte Werke tschechischer Herkunft aufführen wird. Jan Ladislav Dusík, im Ausland Dussek genannt, ist heute ein relativ wenig bekannter Autor.

Zu seinen Lebzeiten war er jedoch als Klaviervirtuose anerkannt. Er konzertierte in England, Italien, Frankreich, Belgien, in den Niederlanden, aber auch in St. Petersburg. Seine instrumentale Kunst war für die Entwicklung des modernen Klavierspiels von großer Bedeutung. Als Komponist zählt er zu den Vorgängern des Romantismus. Sein Werk wurde von dem eine Generation jüngeren Joseph Haydn hoch geschätzt. Eine wichtige Persönlichkeit, die seine ersten Musikschritte formte, war seine Mutter - eine hervorragende Harfenistin. Vielleicht schrieb Dusík gerade aus diesem Grund nicht wenige Kompositionen für Harfe.

Aus dem böhmischen Lande stammte auch František Antonín Rössler. Der tschechisch-deutschstämmige Komponist, Dirigent und Kontrabassist, der das Pseudonym „Rosetti“ benutzte, wurde in Litoměřice (Leitmeritz) geboren. Einige Quellen verbinden ihn aber auch mit Mimoň (Niemes) im Bezirk Česká Lípa (Böhmisch Leipa). Die Ausbildung erwarb er am Priesterseminar und wurde sogar zum Priester geweiht. Am meisten wollte er sich jedoch der Musik widmen. Für seine musikalische Karriere ließ er sich deshalb durch den Papst vom kirchlichen Dienst befreien. Meistens wirkte er in Adelskapellen in ganz Europa. Seine Werke zählten im 18. Jahrhundert zu den meist gespielten Kompositionen. Bekannt wurden unter anderem auch seine Hornkonzerte, die angeblich selbst Mozart zum Komponieren von Waldhorn- und Orchesterkonzerten inspirierten. Dvořáks Amerikanische Suite A-Dur wurde ursprünglich für Klavier komponiert. Dvořák komponierte sie kurz nach der Premiere seiner 9. Symphonie „Aus der Neuen Welt“. Die Suite bedeutete für ihn auf bestimmte Weise Beruhigung und ein Zurückziehen in seine eigene Welt. Das vertraute Werk wirkt verhalten, schlicht, fast lyrisch.

Im zweiten Programmteil wird der ebenfalls ursprünglich für Klavier geschriebene Zyklus Sommereindrücke von Josef Suk aufgeführt. Das traumhafte und vertraute Werk bringt eine zärtliche Meditation sowie ein ruhiges und auf Phantasie stark wirkendes Erlebnis mit sich.

Das mit Abstand bekannteste Stück innerhalb des Programms ist Smetanas Moldau aus dem symphonischen Zyklus „Meine Heimat“. Gerade in der Darbietung eines großen Orchesters ist die Komposition den meisten Zuschauern  bekannt. Jana Boušková beweist jedoch allen Zuhörern, dass das Werk tragfähig ist und nicht einmal bei einer Solofassung für Harfe an Ausdruck verliert. 

Selbst der weltberühmte Cellist Mstislav Rostropovič suchte den Kontakt zu Jana Boušková, als er sie im Rundfunksender spielen hörte. Gemeinsam mit ihr führte er später die Premiere der Sonate für Violoncello und Harfe von Ravi Shankar auf. Die weltbekannte Professorin für Harfe Susan McDonald sagte über Boušková, dass sie das Talent des Jahrhunderts sei. Ebenso begeistert lassen sich über Jana Boušková auch die Musikkritiker aus. Jana Boušková ist eine sehr gefragte Virtuosin. Auf Weltbühnen tritt sie nicht nur mit Spitzenorchestern, sondern auch in Kammerformationen auf. Seit 2005 ist sie Soloharfenistin der Tschechischen Philharmonie. Neben dem erwähnten Rostropovič arbeitete sie auch mit Jurij Bašmet, Patrick Gallois, Jiří Bárta, Christian Tetzlaff, Radek Baborák und weiteren hervorragenden Künstlern zusammen. 

Jana Boušková hat ein sehr reiches Repertoire. Geachtet und geschätzt wird sie jedoch nicht nur als Interpretin, sondern auch als Pädagogin. Momentan unterrichtet sie an drei Schulen: am Königlichen Konservatorium in Brüssel, an der Akademie der musischen Künste und am Konservatorium in Prag. Oft gibt sie auch Meisterkurse an Musikschulen in der ganzen Welt; nimmt an internationalen Symposien teil und sitzt in Jurys der Prestigewettbewerbe künstlerischer Interpretationen, die sie früher selbst gewann. Ihrem Konzertinstrument verdankt sie den Sieg des Wettbewerbes „International Harp Competition“ im Jahr 1992, der ihr gemeinsam mit dem Laureattitel erteilt wurd

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cena vstupenek: 390 a 290,- Kč

Collegium 1704 a Collegium Vocale 1704
Václav Luks – umělecký vedoucí

Program:

Slavné barokní kantáty a moteta: Z hlubin k Tobě volám, Hospodine

J. S. Bach: Kantate „Aus der Tiefe rufe ich, Herr zu dir“ BWV 131
H. Schütz: Motette „Anima mea liquefacta est“ SWV 263
H. Schütz: Motette „Aus der Tiefe ruf ich, Herr, zu dir“ SWV 25
změna: M. Weckman: Es erhub sich ein Streit á 9 voci 5 stromenti  (původně: Ch. Bernhard: Koncert „Aus der Tief ruf ich, Herr, zu dir“)
H. Schütz: Motette Was mein Gott will, das gescheh allzeit SWV 392
Ch. Bernhard: Tribularer si nescirem a 10 a 2 cori
J. S. Bach Kantate „Nimm, was dein ist, und gehe hin“ BWV 144

Na tento koncert vypravujeme autobus z České Lípy zdarma.
Podmínkou pro odvoz je platná vstupenka a registrace v tomto formuláři.
Zbývající počet volných míst je aktuálně orientačně 0.

Z hlubin k Tobě volám, Hospodine je název programu, kterým Collegium 1704 a Collegium Vocale 1704 připomínají odkaz skladatelů německé barokní školy. Pozornost interpretů se v něm netočí pouze kolem geniálního a svým způsobem obligátního Bacha, ale uvádí též jeho předchůdce Heinricha Schütze a Christopha Bernharda. Oba autory spojuje dlouholeté působení v nedalekých Drážďanech.

Název programu upomíná na jednu z nejstarších kantát Johanna Sebastiana Bacha. Sotva dvacetiletý Bach ji složil v roce 1707 v Mülhausenu, kde byla i poprvé uvedena. Kantátou zní slova biblického žalmu a pravděpodobně vznikla pro kajícnou mši po velkém požáru, který zachvátil město Mülhausen.

Bachovým předchůdcem byl Heinrich Schütz, který byl do té doby považován za jednoho z největších německých skladatelů. Jeho hluboce religiózní moteta jsou rozsáhlými vícehlasými kompozicemi. Zrcadlí se v nich Schützův příklon k jeho současníkům Monteverdimu a Giovanni Gabrielimu, u kterého studoval v Benátkách. Za svého dlouhého života zažil Schütz kulturní úpadek během třicetileté války, později se dočkal ocenění svého, hlavně varhanního, díla. Po průvanu, který ve světovém varhanním dědictví učinilo dílo Bachovo, byl Schütz částečně pozapomenut, a proto je jeho uvádění tolik přínosné.

Podobně zastíněn Bachovou velikostí byl i Christoph Bernhard, který stejně jako Schütz působil na saském dvoře. Do Drážďan přišel po třicetileté válce jako dvacetiletý. V Drážďanech se stal zpěvákem ve dvorní kapele a nabíral zkušenosti pod Schützovým vedením. Dobový mrav žádal po učencích a umělcích znalost italského prostředí, také Bernhard se do Itálie dvakrát vypravil. Načerpané zkušenosti mu pomohly zajistit místo u význačných hudebních těles a institucí. Jednou z nich bylo i hamburské Johanneum, kde Bernhard působil deset let. Jinak je ale spojován hlavně se Saskem, kde zastával kromě jiných funkcí post dvorního kapelníka a učitele hudby saských princů Johanna Georga a Friedricha Augusta.

Bernhardovo hudební dílo se s Schützovým dobře doplňuje. Oba byli význačnými autory chrámové hudby a Bernhard byl i vynikajícím hudebním teoretikem. Ani jeden z nich však svým odkazem nemůže překonat Johanna Sebastiana Bacha, který program načíná a zároveň i uzavírá.

Soubory Collegium 1704 a Collegium Vocale 1704 milovníci vrcholné barokní hudby na českých scénách vnímají již od roku 2005, kdy je založil Václav Luks, pro projekt Bach – Praha – 2005. S tímto programem Collegia vystoupila na festivalu Pražské jaro. V sezóně 2008 soubor nastudoval koncertní cyklus Hudební most Praha – Drážďany, který připomínal hudební dědictví obou měst. Rok 2012 soubory věnovaly v Rudolfinu prováděnému cyklu Hvězdy barokní opery. Mezitím si soubor vydobyl mezinárodní renomé a stal se pravidelným hostem festivalů po celé Evropě.

Vysoko je třeba cenit bohatý repertoárový záběr tělesa, které ve velké míře uvádí českou barokní hudbu a odvádí nemálo práce pro propagaci děl Jana Dismase Zelenky nebo Josefa Myslivečka. Collegium 1704 se často otevírá spolupráci s výraznými osobnostmi operní sféry jako je Magdalena Kožená, Vivica Genaux nebo Bejun Mehta. S představením Händlova Rinalda soubor slavil úspěchy na prknech Národního divadla a v operních domech ve Versailles, Caen, Rennes a Lucemburku.

Umělecký vedoucí Collegia 1704 Václav Luks je mezi interprety staré hudby významnou postavou. Kromě práce v čele orchestru je též vynikajícím cembalistou a hráčem na lesní roh. Po absolutoriu HAMU si prohluboval erudici studiem oboru historických klávesových nástrojů na Schole Cantorum v Basileji a sám v současnosti pedagogicky působí na Vysoké hudební škole Felixe Mendelssohna-Bartholdyho v Lipsku.

http://www.collegium1704.com/

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Ticketpreis: 390 und 290,- Kč
 

Collegium 1704
Collegium Vocale 1704
Václav Luks, Dirigent

Aus der Tiefen rufe ich, Herr, zu dir
J. S. Bach: Kantate „Aus der Tiefen rufe ich, Herr, zu dir“ BWV 131
H. Schütz: Motette „Anima mea liquefacta est“ SWV 263
H. Schütz: Motette „Aus der Tiefen ruf ich, Herr, zu dir“ SWV 25
Ch. Bernhard: Concert „Aus der Tiefen rufe ich, Herr, zu dir“
(Geistliche Harmonien, Dresden 1665)
H. Schütz: Motette „Was mein Gott will, das gscheh allzeit“ SWV 392
Ch. Bernhard: Tribularer si nescirem a 10 a 2 cori
J. S. Bach Kantate „Nimm, was dein ist, und gehe hin“ BWV 144

Mit dem Programm unter dem Titel „Aus der Tiefen rufe ich, Herr, zu dir“, erinnern die Ensembles Collegium 1704 und Collegium Vocale 1704 an den Nachlass deutscher Komponisten der Barockschule. Die Aufmerksamkeit der Interpreten konzentriert sich nicht nur auf den genialen und auf seine Weise unverzichtbaren J.S. Bach, sondern sie interpretieren auch dessen Vorgänger Heinrich Schütz und Christoph Bernard .

Beide Autoren verbindet ihr langjähriges Wirken im nahen Dresden.

Der Programmtitel erinnert an eine der ältesten Kantaten von J. S. Bach. Der kaum zwanzigjährige Bach komponierte sie 1707 in Mülhausen, wo sie auch zum ersten Mal aufgeführt wurde. In der Kantate erklingen Worte eines biblischen Psalmes.

Höchstwahrscheinlich wurden sie für eine Beichtmesse nach einem großen Brand komponiert, der die Stadt Mülhausen ergriffen hatte. 

Bachs Vorgänger war Heinrich Schütz, der bis dahin für einen der größten deutschen Komponisten gehalten wurde. Seine tief religiösen Motteten sind umfangreiche mehrstimmige Kompositionen. Sie spiegeln seine Zuneigung zu seinen Zeitgenossen Monteverdi und Giovanni Gabrieli wieder , bei denen er in Venedig studierte. In seinem langen Leben erlebte Schütz den Kulturverfall während des Dreißigjährigen Krieges. Erst spät erlebte er die Anerkennung seiner Werke, hauptsächlich der Orgelwerke. Nach dem Durchbruch Bachs mit seinen Orgelwerken, wurde Schütz teilweise vergessen und deshalb ist die Wiederaufführung seiner Kompositionen so bereichernd. Ähnlich erging es auch den Werken von Christoph Bernhard, der ebenso wie Schütz am sächsischen Hof wirkte und dessen Werke fast vergessen wurden. Als Zwanzigjähriger kam er nach dem Dreißigjährigen Krieg nach Dresden. Hier wirkte er als Sänger in der Dresdner Hofkapelle und sammelte Erfahrungen unter der Leitung von Schütz. Zur damaligen Zeit war es Pflicht, dass Gelehrte und Künstler Kenntnisse über das italienische Milieu besaßen. Auch Bernhard begab sich deshalb zweimal nach Italien. Die gewonnenen Erfahrungen halfen ihm eine Stelle bei bedeutenden Musikorps und Institutionen zu erhalten. Eines davon war auch das Hamburger Johanneum, an dem Bernhard zehn Jahre wirkte. Sonst ist er aber insbesondere mit Sachsen verbunden, wo er neben anderen Funktionen den Posten des Hofkapellmeisters und des Musiklehrers der sächsischen Prinzen Johann Georg und Friedrich August innehatte.

Bernhards Musikwerk ergänzt sich in perfekter Weise mit dem Werk von Schütz. Beide waren bedeutende Autoren der Kirchenmusik. Bernhard war darüber hinaus auch ein hervorragender Musiktheoretiker. Keiner von ihnen konnte jedoch mit seinen Kompositionen das Werk von Johann Sebastian Bach übertreffen, dessen Kompositionen das Programm eröffnen und auch schließen.

Tschechische Kunstliebhaber der Hochbarockmusik kennen die Ensemble Collegium 1704 und Collegium Vocale 1704 bereits seit dem Jahre 2005, in dem sie von Václav Luks zum Zweck des Projekts Bach – Praha – 2005 gegründet wurden. Mit diesem Programm traten beide Ensembles auf dem Festival Prager Frühlig auf. In der Saison 2008 traten sie mit dem Konzertzyklus Musikbrücke Prag – Dresden auf, der an das Musikerbe beider Städte erinnerte. Im Jahr 2012 widmeten sich beide Ensembles dem im Rudolfinum aufgeführten Zyklus „Sterne der Barockoper“. Beide Ensembles  erwarben sich bis zum heutigen Tag internationales Renommee und wurden zu regelmäßigen Gästen auf Festivals in ganz Europa.

Hoch zu schätzen ist der reiche Repertoirumfang der Ensembles, die in großem Ausmaß tschechische Barockmusik darbieten und sich auch für die Darbietung der Werke von Jan Dismas Zelenka oder Josef Mysliveček einsetzen. Das Collegium 1704 arbeitet oft mit bekannten Persönlichkeiten der Opernsphäre, wie Magdaléna Kožená, Vivica Genaux oder Bejun Mehta zusammen. Mit der Darbietung von Händels Rinaldo feierte das Ensemble Erfolge auf der Bühne des tschechischen Nationaltheaters sowie in Opernhäusern von Versailles, Caen, Rennes und Luxemburg.

Der künstlerische Leiter des Collegium 1704 Václav Luks wird als bedeutende Persönlichkeit unter den Interpreten der alten Musik verehrt. Neben seiner Arbeit an der Orchesterspitze ist er auch ein hervorragender Cembalist und Waldhornspieler. Nach dem Absolutorium an der Akademie der musischen Künste (HAMU) vertiefte er seine Kenntnisse durch das Studium der historischen Tasteninstrumente an der Schola Cantorum in Basel. Er selbst ist zur Zeit als Pädagoge an der Felix-Mendelssohn-Bartholdy-Hochschule für Musik in Leipzig tätig.

http://www.collegium1704.com/

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cena vstupenek: 190,- Kč

Ensemle Inégal
Adam Viktora – umělecký vedoucí
Vladimír Roubal – harmonium

Program: Antonín Dvořák (1841-1904): Mše D dur Lužanská
               duchovní písně
               Jindřich Ignác Franitšek Biber (1644-1704)

Dalším z koncertů, který připomene výroční odkaz české hudby, bude druhý večer německé triády, jež se uskuteční v novém festivalovém prostoru v Schirgiswalde. Na programu zazní Dvořákova Lužanská mše, kterou Dvořák zkomponoval na přání slavného mecenáše umění Josefa Hlávky pro příležitost vysvěcení kaple v jeho letním sídle v Lužanech. Interpretace mše pro sóla, sbor a varhany se ujme Ensemble Inégal se svým dirigentem Adamem Viktorou a varhaníkem Vladimírem Roubalem. Tento ansámbl získal evropské renomé díky svým vysoce ceněným koncertům a CD nahrávkám a stal se synonymem pro objevy z odkazu geniálního českého barokního skladatele, Jana Dismase Zelenky. Jedná se však o všestranné hudební těleso, jehož interpretační záběr se pne od renezanční hudby až po hudbu současnou. Koncertuje na prestižních evropských festivalech, realizoval již 10 úspěšných CD ověnčených řadou významných ocenění (Diapason d´or, IRR Outstanding, Goldberg 5Stars aj.) a pořádá i vlastní koncertní cykly.

http://www.inegal.cz/
 

 

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Ticketpreis: 190,- Kč

Messe „Lužanská“
Ensemble Inégal
Vladimír Roubal – Harmonium
Adam Viktora – Dirigent, künstlerischer Leiter

Heinrich Ignaz Biber (1644 – 1704): Rosenkranzsonaten
I. Zvěstování / Verkündigung
Georg Muffat (1645 – 1704): Apparatus Musico Organisticus
Ciacona I
Heinrich Ignaz Biber: Rosenkranzsonaten
X. Ukřižování / Kreuzigung
Georg Muffat: Apparatus Musico Organisticus
Ciacona II
Heinrich Ignaz Biber: Rosenkranzsonaten
XVI. Passacaglia
Antonín Dvořák (1841-1904): Messe D-Dur Op. 86 „Lužanská“
Kyrie
Gloria
Credo
Sanctus
Benedictus
Agnus Dei

Die Musik der alten Meister unter der Interpretation des Ensembles Inégal ist stets ein hochästhetisches Erlebnis. Zum Konzert in die Kirche des Hl. Sigmund in Stráž pod Ralskem kommt das Ensemble mit einem Programm unter dem Namen: Die Messe „Lužanská“.

Der Abendtitel verrät, dass das Konzert nicht nur ausschließlich der Barockmusik gewidmet ist, sondern dass es dem Genie von Antonín Dvořák ebenfalls Raum bietet.

Nach einem Jahr wird das Publikum erneut an den Nachlass des in Stáž geborenen Heinrich Ignaz Biber, des ausgezeichneten Geigenspielers und Komponisten, erinnert. Der Stil von Biber ist ein Kompositionsbeispiel des Hochbarocks. Sein von Zuhörern immer wieder neu entdeckendes Werk ist mit Kompositionen seiner bedeutenden Zeitgenossen vergleichbar. 

Biber studierte vermutlich am Jesuitengymnasium in Opava. Später wirkte er gemeinsam mit Pavel Josef Vejvanovský in der berühmten Erzbischöflichen Kapelle zu Kroměříž (Kremsier) und in Olomouc (Olmütz). Seinen Dienst beim Erzbischofs Karl von Liechtenstein-Kastelkorn hing er bald an den Nagel und fand Asyl an einem anderen Erzbischofshof, und zwar in Salzburg. Noch während seiner Lebzeit fand sein Werk in Salzburg große Anerkennung, weshalb ihn der Musikliebhaber Kaiser Leopold I. in den Adelsstand erhob.

Bibers Rosenkranzsonaten sind ebenfalls mit seinem Aufenthalt in Salzburg verbunden. In der Stadt hinterließ die Rosenkranzbruderschaft große Wirkung, und selbst der Erzbischof Max Gandolf von Kuenburg, dem Biber das Werk widmete, zog das Rosenkranzgebet hervor.

Das Leitmotiv der Komposition sind fünfzehn Szenen aus dem Leben der Jungfrau Maria. Das Ensemble Inégal führte das Werk, der Kritik nach, mit Enthusiasmus, großem Einsatz und Eleganz auf. Dieser Programmteil, der an und für sich Biber gewidmet ist, verknüpft sich mit dem Werk seines Zeitgenossen, Georg Muffat, der ebenfalls in Salzburg als Musiker tätig war. Genau wie Biber befand sich auch Muffat in den Diensten des Erzbischofs. In die Ära seines musikalischen Schaffens in Salzburg gehören seine Concerti grossi, Suitten und Orgeltoccaten und auch drei Opern. In Stráž pod Ralskem erklingt aus seinem umfangreichen Werk ein Stück aus dem Kompositionszyklus Appartus Musico Organicticus, in das Muffat seine ganze Persönlichkeit des Orgelmeisters hineinlegte. Es wird für eines der bedeutendsten Orgelwerke vor der Bach-Ära gehalten.

Der Höhepunkt des Programms stellt die Dvořáks Messe D-Dur „Lužanská“ dar, die Dvořák für seinen Freund und Kunstmäzen Josef Hlávka komponierte. Dvořáks Messe „Lužanská“ ist, wie der Großteil seines Werkes, ebenfalls ein offenherziges, inniges und erstaunlich musikalisch effektives Werk. Es verbinden sich darin Freude am Leben und Demut vor der höheren Instanz, dem auch der lateinisch liturgische Text entspricht.

Das Ensemble Inégal entstand im Jahre 2000 in Prag und besteht aus hervorragenden künstlerischen Persönlichkeiten, die sich auf die Interpretation der „Alten Musik“ spezialisieren. Ein bedeutender Anlass des Ensembles war insbesondere ihre Werbung für das Werk des tschechischen Barockgiganten Jan Dismas Zelenka. Das Ensemble widmet sich jedoch nicht nur der Barockmusik. Es greift universal zu Werken von der Renaissance bis zur Gegenwart. Neben der „Alten Musik“ verzeichnet das Ensemble auf seinem Konto auch Neuaufführungen und Tonaufnahmen aus der romantischen Musik von Antonín Dvořák oder Giaccomo Rossini sowie von modernen Komponisten, wie Benjamin Britten und Arvo Pärt.

Das Ensemble konzertiert auf europäischen Prestigefestivals wie auf dem Prager Frühling,  Musica Antiqua Brugy, Oude Muziek Utrecht, Lufthansa Festival London, Aschaffenburger Bachtage, Bach Festival Riga und vielen anderen. Es produzierte viele erfolgreiche CD-Aufnahmen, die mit einer Vielzahl  bedeutender Preise (Diapason d´or, IRR Outstanding, Goldberg 5Stars u. a.) ausgezeichnet wurden. Das Ensemble wird regelmäßig in tschechischen sowie ausländischen Fernseh- und Rundfunksendern (BBC, Europäische Sendeunion EBU, Tschechisches Fernsehen, Tschechischer Rundfunk, Deutschlandradio Kultur u. a.) ausgestrahlt. Seit 2007 veranstaltet das Ensemble Inégal alljährlich einen eigenen Konzertzyklus unter dem Namen „Der tschechische Musikbarock – Entdeckungen und Überraschungen“, mit dem es den Zuhörern Neuentdeckungen bzw. wiederentdeckte Kompositionen tschechischer Barockkomponisten präsentiert. Zu den bedeutendsten Konzertpremieren gehörten Aufführungen verschiedener Werke von J. D. Zelenka, A. Vivaldi, H. I. F. Biber, S. Capricorn, J. C. F. Fischer, J. J. I. Brentner und M. Vogt.

Der Organist, Dirigent und Harmoniumspieler Adam Viktora ist auf verschiedenen Musikfestivals in ganz Europa zu sehen. Er hält Fachvorträge und konzertiert auf internationalen Orgelkongressen. Er ist als Berater in Fachkommissionen beim Restaurieren von bedeutenden historischen Orgeln tätig und nimmt Aufnahmen für europäische Rundfunk- und Fernsehsender auf. Die Aufzählung seiner Aktivitäten ist jedoch noch viel umfangreicher: Adam Viktora ist gleichzeitig Gründer und künstlerischer Leiter des einzigartigen Projektes „Das Tschechische Orgelfestival“. Er gibt Orgelunterricht am Konservatorium in Pilsen und Musiktheorie am Konservatorium in Prag. Gemeinsam mit dem Ensembles Inégal und Prager Barocksolisten, deren künstlerischer Leiter er ist, realisierte Adam Viktora unzählige neuzeitliche Konzert- und Aufnahmepremieren des europäischen Barockrepertoires.

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Ensemle Inégal
Adam Viktora – umělecký vedoucí
Vladimír Roubal – harmonium

Program: Antonín Dvořák (1841-1904): Mše D dur Lužanská
               duchovní písně

Vstupné dobrovolné

Na tento koncert vypravujeme autobus z České Lípy zdarma.
Podmínkou pro odvoz je platná vstupenka a registrace v tomto formuláři.
Zbývající počet volných míst je aktuálně orientačně 28.

Dalším z koncertů, který připomene výroční odkaz české hudby, bude druhý večer německé triády, jež se uskuteční v novém festivalovém prostoru v Schirgiswalde. Na programu zazní Dvořákova Lužanská mše, kterou Dvořák zkomponoval na přání slavného mecenáše umění Josefa Hlávky pro příležitost vysvěcení kaple v jeho letním sídle v Lužanech. Interpretace mše pro sóla, sbor a varhany se ujme Ensemble Inégal se svým dirigentem Adamem Viktorou a varhaníkem Vladimírem Roubalem. Tento ansámbl získal evropské renomé díky svým vysoce ceněným koncertům a CD nahrávkám a stal se synonymem pro objevy z odkazu geniálního českého barokního skladatele, Jana Dismase Zelenky. Jedná se však o všestranné hudební těleso, jehož interpretační záběr se pne od renezanční hudby až po hudbu současnou. Koncertuje na prestižních evropských festivalech, realizoval již 10 úspěšných CD ověnčených řadou významných ocenění (Diapason d´or, IRR Outstanding, Goldberg 5Stars aj.) a pořádá i vlastní koncertní cykly.

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Ensemle Inégal
Adam Viktora – umělecký vedoucí
Vladimír Roubal – harmonium

IMF Lípa Musica 2014: Dvořáks Messe „Lužanská“ in Schirgiswalde

Anlässlich des Internationalen Musikfestivals Lípa Musica wird die Stadt Schirgiswalde (tschechisch Šerachov) und ihre Barockkirche Maria-Himmelfahrt in diesem Jahr zum neuen Festivalort in Sachsen. In den Räumen der Kirche stellt sich am Sonntag, dem 12. Oktober, das renommierte tschechische Ensemble Inégal mit dem künstlerischen Leiter Adam Viktora vor. Sie führen hier hinsichtlich des laufenden Jubiläumsjahres der tschechischen Musik das Hauptwerk Antonín Dvořáks, die Messe „Lužanská“ und seine geistlichen Lieder, auf.  

Die Dvořáks Messe D-Dur, „Lužanská“ genannt, entstand auf Veranlassung des bedeutenden tschechischen Architekten und Kunstliebhabers Josef Hlávka, dem späteren Gründer und ersten Präsidenten der Tschechischen Akademie der Wissenschaften. Hlávka ließ sich auf seiner Sommerresidenz – am Schloss im westböhmischen Ort Lužany – eine neue Kapelle bauen. Als deren Einweihung im nachfolgenden Jahr stattfinden sollte, bat er seinen Freund, den Komponisten Antonín Dvořák (1841 – 1904), zu diesem Anlass eine neue Messe zu komponieren. Dvořák, der den Architekten Hlávka sehr schätzte, kam diesem Wunsch gern entgegen und schuf eine Messe für Soli, Chor und Orgel. In Anbetracht des eigentlichen Zweckes, für den die Messe komponiert wurde, wählte Dvořák eine einfache formale Gliederung und achtete auf eine übersichtliche Notation der Sängerpartien.Wegen des kleinen Raumes der Kapelle in Lužany beschränkte er die instrumentale Begleitung lediglich auf die Orgel. Trotz dieser bescheidenen Mittel schuf er ein anmutiges, mit melodischem und harmonischem Fantasiereichtum begnadetes Werk, welches durch seine außerordentlichen musikalischen Qualitäten den Charakter eines Gelegenheitswerkes weit überschreitet. Ein beachtenswertes Merkmal der Komposition ist das Kombinieren alter sakraler Modi mit damaligen modernsten Harmonietechniken. Diese unterschiedlichen Elemente verbindet Dvořák mit unfehlbarer Selbstverständlichkeit in einer einzigartig wirkenden Einheit.  Das Werk hält sich an die Form der katholischen Messe mit all den festen Bestandteilen der Messe. Der lateinische Text ist im Großen und Ganzen in seinem traditionellen Wortlaut, bis auf einige Passagen, die der Komponist leicht veränderte, erhalten geblieben.

Dvořák schuf die Messe vorwiegend auf seinem Sommersitz in Vysoká inmitten seiner geliebten Natur. Und obgleich die Messe als Auftragswerk auf externen Anlass entstand, schrieb er sie vor allem für sein Vergnügen. Dies spiegelt sich in der Natürlichkeit, Herzlichkeit und Aufrichtigkeit des Werkes ohne jegliche äußere Affektiertheit wider. Es offenbart Dvořáks Innenleben und enthüllt seine tiefsten Gefühle, in denen sich der treue unberührte prunklose Glauben des Komponisten, natürliche Demut vor der höheren Instanz und die aufrichtige Freude am Leben widerspiegeln. Die Messe D-Dur ist einer der aufschlussreichsten Belege über Dvořáks Beziehung zum Menschen, zu Gott und zur Natur.

Ähnlich zeichnen sich auch Dvořáks Geistliche Lieder durch die Tiefe des Inhalts aus, in dem der Komponist mit Gott über seine Ängste, sein Vertrauen sowie über seine Freude spricht.

Im Rahmen des gesamten Werkes von Dvořák bezeugen diese Lieder den schlichten Glauben des Komponisten. Sie sind frei von Affekten und bezaubern schlichtweg durch ihre Natürlichkeit, ihre Demut, Aufrichtigkeit und ihren reinen musikalischen Schöpferreichtum.

Die Werke von Dvořák führt das renommierte tschechische Ensemble Inégal auf, das mit seinem Dirigenten Adam Viktora europaweit Beachtung fand. Besonders verdient machte sich das Ensemble um die Wiederbelebung der Werke des genialen tschechischen barocken Komponisten Jan Dismas Zelenka. Das Ensemble entstand in Prag im Jahre 2000. Die Musiker und Sänger interpretieren Musik der Renaissance bis zur zeitgenössischen Musik. Zahlreiche Konzerte und Tonaufnahmen von alter Musik oder Uraufführungen bis hin zur Romantik (z.B. A. Dvořák, G. Rossini) und zur moderen Musik (B. Britten, A. Pärt) zeugen vom vielseitigen Können der Musiker.

Sie konzertieren auf europäischen Prestigefestivals, wie dem Prager Frühling, Musica Antiqua Brugy, Oude Muziek Utrecht, Lufthansa Festival London, Aschaffenburger Bachtage, Bach Festival Riga und vielen anderen. Das Ensemble realisierte bereits 10 erfolgreiche CD-Aufnahmen, die durch eine Vielzahl bedeutender Preise (Diapason d´or, IRR Outstanding, Goldberg 5Stars u. a.) ausgezeichnet sind. Sie werden regelmäßig in tschechischen sowie ausländischen Fernseh- und Rundfunksendern (BBC, Europäische Sendeunion EBU, Tschechisches Fernsehen, Tschechischer Rundfunk, Deutschlandradio Kultur u. a.) ausgestrahlt. Seit 2007 veranstaltet das Ensemble Inégal alljährlich unter dem Namen „Der tschechische Musikbarock – Entdeckungen und Überraschungen“, in dem es vergessen geglaubte oder in tschechischen Archiven gefundene Musik wieder lebendig macht. Zu den bedeutesten Konzertpremieren gehörten Aufführungen verschiedener Werke von J. D. Zelenka, A. Vivaldi, H. I. F. Biber, S. Capricorn, J. C. F. Fischer, J. J. I. Brentner und M. Vogt.

Der Organist Vladimír Roubal begleitet das Ensemble auf dem Harmonium. Er zeichnet sich durch sein Improvisationstalent aus und überragte bei Improvisationswettbewerben (1982, 1988) mit zwei ersten Preisen. Roubal wirkt seit 1990 als Direktor der Dommusik der Königlichen Kanonie der Prämonstratenser vom Strahov in Prag. Hier gründete er den Kirchenchor Collegium Strahoviense. Er konzertierte in Tschechien, Deutschland, Österreich, Ungarn, in den Niederlanden, in Italien, Spanien, Frankreich, Polen, Rumänien, Moldawien, in den USA und in Japan. Er nahm eine Reihe von CDs auf, komponierte etliche Filmmusiken und produziert historische Orgelaufnahmen für den Tschechischen Rundfunk sowie für weitere Rundfunksender in Deutschland, in den Niederlanden und in Japan.

deutsch: http://www.vladimirroubal.cz/Roubal/Home_de.html

Dieses Konzert ist ein Benefizkonzert zu Gunsten des Stiftungsfonds Ozvena (Echo). Diese Stiftung bemüht sich um gehörlose Kinder in Tschechien. 

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Ticketpreis: 250 Kč

Martinů Voices
Lukáš Vasilek – künstlerischer Leiter

Liederschaffen der deutschen Romantik
Johannes Brahms (1833–1897): Drei Quartette, Op. 31
Richard Wagner (1813–1883): Träume (Wesendonck Lieder)
Richard Wagner (1813–1883): Isoldes Liebestod (Tristan und Isolde)
Johannes Brahms (1833–1897): Vier Quartette, Op. 92
Gustav Mahler (1860–1911): Die zwei blauen Augen (Lieder eines fahrenden Gesellen)
Gustav Mahler (1860–1911): Ich bin der Welt abhanden gekommen (Rückert-Lieder)

In dem uralten Saal des Rathauses im sächsischen Zittau kehrt das Festival bereits zum dritten Mal zurück und bestätigt somit unsere gute Nachbarschaft. Diesmal stellt sich das junge ambitiöse Vokalensemble, Martinů Voices, vor. Das Abendprogramm wird dem Liedschaffen zweier großer Komponisten der deutschen Romantik, Johannes Brahms und Richard Wagner sowie Liederwerken von Gustav Mahler, dem in Böhmen gebürtigen Komponisten und Darsteller moderner Kompositionstendenzen zu Ende des 19. Jahrhunderts, gewidmet.

Brahms Quartette waren ursprünglich für Solobesetzung mit Klavierbegleitung gedacht.

Gegenwärtig wird jedoch die Kammerensembleinterpretation bevorzugt, die eine bessere Wiedergabe aller Ausdrucksdetails des Komponisten ermöglicht. Einige der Quartette benutzen deutsche Übersetzungen böhmischer und mährischer Volkslieder. Durch deren Bearbeitung erinnern sie an Dvořáks Mährische Duette.

Weder Wagner noch Mahler komponierten eigenständige Chorwerke. Ihre Liederwerke ließen ihre Nachfolger jedoch nicht ungeachtet liegen. Besonders in letzter Zeit gewinnen alte Stücke nach ihrer Bearbeitung für Chor eine neue Dimension. Eine Vielzahl von Wagners und Mahlers Liedern bearbeitete der zeitgenössische deutsche Komponist, Clytus Gottwald, für einen sechzehnstimmigen Chor a capella.

Das Vokalensemble übernimmt in diesen Kompositionen nicht nur die Originalgesanglinie, sondern ersetzt zugleich eine orchestrale Begleitung. Der resultierende Effekt ist ein berauschender Klang, der verblichene Werke unter die größten Entdeckungen der Chormusik des letzten Jahrzehntes einreiht. Diese außerordentlich interessanten und anspruchsvoll zu interpretierenden Kompositionen gewannen schnell weltweit großen Respekt.

Der Kammerchor Martinů Voices gründete sich im Jahre 2010 als Vokalensemble mit der Ambition, das Vokalschaffen auf höchstem künstlerischen Niveau zu interpretieren.

Alle seine Mitglieder sind Profis, die ihre Ausbildung an Konservatorien und Musikakademien gewannen. Trotz ihres jungen Alters besitzen sie bereits reiche künstlerische Erfahrungen, und die sensible Leitung bildet aus ihren Individualitäten eine magische Einheit mit einem riesigen Potenzial.

In der Bezeichnung des Ensembles versteckt sich der Name eines Klassikers der tschechischen Musik des 20. Jahrhunderts. Der Grund dafür war nicht die Absicht, ausschließlich das Werk von Bohuslav Martinů zu interpretieren, sondern die Bewunderung, die das Ensemble dem künstlerischen Nachlass des kosmopolitisch orientierten Komponisten aus dem ostböhmischen Ort Polička entgegenbringt. Ähnlich kosmopolitisch ist auch die künstlerische Breite des Ensembles Martinů Voices, das gleichzeitig einen Akzent auf das tschechische Schaffen legt. In seinem Repertoire spielen tschechische Werke eine bedeutende Rolle, obwohl das Ensemble den gleichen Wert auch auf das weltweite Vokalschaffen legt. Ebenso spezialisiert sich das Ensemble nicht einmal auf eine bestimmte Epoche der musikalischen und kulturellen Entwicklung. Im Gegenteil, es schreitet auf hiesigen sowie ausländischen Podien festen und freien Schrittes, der das Ensemble überall dorthin führt, wo es arbeiten und sein will. Der Repertoireumfang ist ausgesprochen breit und umfasst Vokalmusik von der Renaissance bis zur Gegenwart. Der Chor tritt vorwiegend allein auf, verzichtet aber dennoch nicht auf die Zusammenarbeit mit hervorragenden Solisten, Kammerensembles und Orchestern. Trotz seiner kurzen Existenzzeit gelang es ihm, in Tschechien Respekt seitens der fachlichen Öffentlichkeit zu gewinnen. Aufgrund seiner individuellen Kunst wird es überall - auf tschechischen sowie europäischen Bühnen - herzlich empfangen. Der begeisterte Arbeitsansatz des Ensembles zahlt sich besonders in diesem Jahr aus, in dem das Ensemble Martinů Voices auf dem Festival „Prager Frühling“ debütiert.

Im Dezember tritt es schließlich mit der Tschechischen Philharmonie unter der Leitung von Jiří Bělohlávek auf, der die künstlerische Patenschaft für das Ensemble Martinů Voices übernahm.

Das Ensemble Martinů Voices arbeitet unter der Leitung des Chorleiters Lukáš Vasilek. Der junge Chorleiter absolvierte das Fach Dirigieren an der Prager Akademie der musischen Künste und das Fach Musikwissenschaft an der Philosophischen Fakultät der Karlsuniversität.

Zwischen 1988 und 2009 war er Chorleiter des Foerster Kammergesangvereins, den er zum absoluten Sieg in zahlreichen internationalen Wettbewerben führte. Im Zeitraum von 2005 bis 2007 übte er die Position des zweiten Chorleiters des Opernchores im Nationaltheater aus. In den letzten Jahren widmete er sich auch dem orchestralen Dirigieren.

Seit 2007 wirkt er als Hauptchorleiter des Prager Philharmonischen Chores. Neben dem Programmstudium und der Leitung eigenständiger Konzerte, ist die Vorbereitung des Chores zur Mitwirkung in großen Kantaten-, Oratorien- und Opernprojekten Bestandteil seiner Arbeit. Dabei arbeitet er mit bedeutenden weltberühmten Dirigenten und Orchestern zusammen.

Für den Tschechischen Rundfunk nahm Lukáš Vasilek einige bedeutende Werke des tschechischen sowie weltweiten Chorschaffens auf. Bei der Realisierung weniger bekannter Opern- und Operettentitel arbeitete er für den Westdeutschen sowie Bayerischen Rundfunk. 

Im Jahre 2010 stellte Lukáš Vasilek ein Jazzvokalensemble zusammen, das er musikalisch vorbereitete, und das Bobby McFerrin auf seinen Konzerten in der Tschechischen Republik begleitete. Im gleichen Jahr gründete er den professionellen Kammerchor Martinů Voices. 

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Cena vstupenek: 250 Kč

Martinů Voices
Lukáš Vasilek – umělecký vedoucí

Program:
Písňová tvorba německého romantismu
Johannes Brahms (1833–1897): Drei Quartette op. 31
Richard Wagner (1813–1883): Träume (Wesendonck Lieder)
Richard Wagner (1813–1883): Isoldes Liebestod (Tristan und Isolde)
Johannes Brahms (1833–1897): Vier Quartette op. 92
Gustav Mahler (1860–1911): Die zwei blauen Augen (Lieder eines fahrenden Gesellen)
Gustav Mahler (1860–1911): Ich bin der Welt abhanden gekommen (Rückert-Lieder)

Na tento koncert vypravujeme autobus z České Lípy zdarma.
Podmínkou pro odvoz je platná vstupenka a registrace v tomto formuláři.
Zbývající počet volných míst je aktuálně orientačně 0.

Do prastarého sálu radnice v saské Žitavě se festival vrací již potřetí a potvrzuje tak dobré sousedství. Přijíždí sem s mladým ambiciózním vokálním souborem Martinů Voices. Na programu večera je písňová tvorba dvou velkých skladatelů německého hudebního romantismu, Johannese Brahmse, Richarda Wagnera, a českého rodáka a představitele moderních kompozičních snah sklonku 19. století Gustava Mahlera.

Brahmsovy kvartety byly původně zamýšleny pro sólové obsazení s klavírním doprovodem. V současnosti je ale upřednostňována komorní sborová interpretace, která umožňuje lepší vykreslení všech skladatelových výrazových detailů. Některé z kvartetů využívají německé překlady českých a moravských lidových písní a svým zpracováním velmi připomínají Moravské dvojzpěvy Antonína Dvořáka.

Wagner ani Mahler samostatné sborové skladby nenapsali. Jejich písňové dílo ale nenechali ležet ladem jejich následovníci. Zejména v poslední době získávají staré kusy po úpravách pro pěvecké sbory nový plnohodnotný život. Řadu Wagnerových a Mahlerových písní upravil soudobý německý skladatel Clytus Gottwald pro šestnáctihlasý smíšený sbor a capella.

Vokální těleso v těchto skladbách neprovádí pouze originální zpěvní linku, ale nahrazuje také orchestrální doprovod. Výsledným efektem je opojná zvukovost, která zašlá díla řadí mezi největší objevy sborové hudby posledního desetiletí. Tyto mimořádně zajímavé a interpretačně náročné skladby si po celém světě rychle získaly velký respekt.

Komorní sbor Martinů Voices byl založen v roce 2010 jako vokální těleso s ambicí interpretovat sborovou tvorbu na nejvyšší umělecké úrovni. Všichni jeho členové jsou profesionálové, kteří získali vzdělání na konzervatořích a hudebních akademiích. Navzdory svému mládí mají bohaté zkušenosti z praxe a citlivé vedení z jejich individualit vytváří celek s obrovským uměleckým potenciálem. V názvu sboru se objevilo jméno klasika české hudby 20. století. Důvodem nebyl záměr provozovat výhradně dílo Bohuslava Martinů, ale obdiv k uměleckému odkazu kosmopolitně orientovaného skladatele z východočeské Poličky. Podobně kosmopolitní a souběžně kladoucí důraz na českou tvorbu je i umělecký záběr sboru Martinů Voices. V jeho repertoáru hraje česká tvorba významnou roli, ale stejný důraz sbor klade i na světovou vokální tvorbu, stejně tak se sbor nespecializuje ani na určité období hudebního a kulturního vývoje. Naopak kráčí po pódiích u nás i v zahraničí pevným a svobodným krokem, který jej vede tam, kde on sám chce být a pracovat. Repertoárový záběr je tak velmi široký a zahrnuje vokální hudbu od renesance až po současnost. Sbor vystupuje převážně samostatně, ale nevyhýbá se ani spolupráci s vynikajícími sólisty, komorními ansámbly a orchestry. I přes krátkou dobu své existence si získal respekt české odborné veřejnosti a s vřelým přijetím své práce se setkává při svých produkcí na českých i evropských pódiích. Nadšený přístup sboru k práci se úročí hlavně v tomto roce, kdy Martinů Voices debutují na festivalu Pražské jaro. V prosinci pak ansámbl vystoupí s Českou filharmonií pod vedením jejího šéfdirigenta Jiřího Bělohlávka, který nad Martinů Voices převzal umělecký patronát.

Martinů Voices pracují pod vedením sbormistra Lukáše Vasilka. Mladý sbormistr vystudoval dirigování na pražské AMU a hudební vědu na Filozofické fakultě Univerzity Karlovy. V letech 1998–2009 byl sbormistrem Foerstrova komorního pěveckého sdružení a dovedl jej k absolutnímu vítězství v četných mezinárodních soutěžích. V období 2005–2007 vykonával funkci druhého sbormistra operního sboru Národního divadla v Praze a v posledních letech se věnoval také orchestrálnímu dirigování. Od roku 2007 je hlavním sbormistrem Pražského filharmonického sboru. Kromě studia programu a řízení samostatných koncertů je součástí jeho práce příprava tělesa k účinkování ve velkých kantátových, oratorních a operních projektech. Spolupracuje při tom s významnými světovými dirigenty a orchestry. Pro Český rozhlas Lukáš Vasílek nahrál několik významných děl české a světové sborové tvorby a při realizaci méně známých operních a operetních titulů pracoval pro Westdeutscher

Rundfunk a Bayerischer Rundfunk. V roce 2010 Lukáš Vasilek sestavil a hudebně připravil jazzový vokální ansámbl, který provázel Bobbyho McFerrina na koncertech v České republice. V tomtéž roce založil profesionální komorní sbor Martinů Voices.

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Ticketpreis: 190 Kč

FANDANGO
Lucie Guerra Žáková, Petra Žďárská – Cembalo
Ludovica Mosca – Barocktanz und Kastagnetten

J. H. d´Anglebert: Troisième suite, Prélude, Allemande, Courante et Double, Sarabande Grave, Gigue, Gaillard, Gavotte, Menuet, Variations sur les folies d´Espagne
A. Soler: Concierto No. 2 en La menor, Andante, Allegro, Tempo de minué
A. Soler: Fandango
A. Scarlatti: Toccata, Folie
A. Soler: Concierto No. 3 en Sol mayor, Andantino, Minué
L. Boccherini: Fandango

Das Programm unter dem Titel „Fandango“ führt den Zuhörer in die spanische Barockerbschaft. Die instrumentale Komponente verknüpft sich mit dem Tanz, denn selbst der Projekttitel Fandango erinnert an den traditionellen spanischen Tanz, dessen Entstehung mit dem Anfang des 18. Jahrhunderts verbunden wird. Autoren der ältesten Fandangoformen sind anonym geblieben. Priester Martín Martí beschrieb im Jahre 1712 zum ersten Mal die Bewegungselemente dieses Tanzes. Der Fandango wurde relativ bald populär, und auch die Adeligen begannen sich für diesen Tanz, zu interessieren. Gemeinsam mit der Aristokratie reiste der Fandango daraufhin durch Spanien und Europa. Bald wurde er auch in Opern und Ballette eingegliedert. Seine Formen sind in Werken von J.P. Rameau, A. Scarlatti, D. Scarlatti, A. Soler, L. Boccherini, aber auch in denen von W.A. Mozart oder M. Ravel zu finden. In der Welt der Gitarren und Kastagnetten geriet der Fandango so manches Mal in das voll orchestralische Milieu.

Das komplette Durchspiel der Barocktänze bietet die dritte Suite für Cembalo von Jean Henri d´Anglebert, dem Hofkomponisten des Königs Ludwig XIV. Die Suite wird von spanischen Folias beendet, die die Zuhörer auf den iberischen, also auf den Hauptteil des Abends, vorbereiten. Der Katalane Antonio Soler wurde durch seine Kompositionen für Tasteninstrumente berühmt. Seine Musikkarriere begann er bereits im zarten Alter von sechs Jahren mit seinem Beitritt in den berühmten Knabenchor des Klosters zu Monserrat. Später wurde Soler zum Kapellmeister der Kathedrale von Lleida und übte daraufhin denselben Posten am Königshof des Klosters El Escorial aus. Aus der Werkstatt dieses Autors wurden Zuhörern Konzerte für zwei Cembalos und der Fandango für Cembalo und Kastagnetten übermittelt.

Der Klang von Kastagnetten war auch dem Italiener Alessandro Scarlatti nicht unbekannt.

Dieser Gründer der neapolitanischen Opernschule wird auch mit weiteren Orten in ganz Italien verbunden. Am Anfang und am Ende seines bunten Musiklebens wirkte er dann in Rom. Scarlatti war ein äußerst produktiver Komponist, aus dessen Werkstatt rund sechzig Opern und etwa zweihundert Messen hervorgingen. Im Gegensatz dazu führt das Konzert sein instrumentales Werk auf, aus dem Toccaten für Cembalo und Folias gewählt wurden.

Zum Abschluss des Programms hören wir ein Werk des italienischen kosmopolitischen Komponisten Luigi Boccherini. Auch dieser Komponist und Cellist, der die letzten zwanzig Jahre seines Lebens in Spanien verbrachte, war von der spanischen Musik stark beeinflusst.

Neben der reichen Literatur für Streichinstrumente finden wir bei ihm auch Kompositionen für Cembalo, von denen gerade der Fandango aufgeführt wird, der dadurch die Leitidee des ganzen Abends unterstreicht und hervorhebt.

Lucie Guerra Žáková ist eine tschechische Cembalistin und Organistin, die in Frankreich und Spanien lebt und arbeitet. Dort lieferte sie nicht wenig Arbeit für die Propagation der tschechischen Musik. In beiden Ländern führte sie die Premiere des Werkes von Petr Eben auf. Das Werk wurde anhand des Textes von Comenius „Das Labyrinth der Welt und das Paradies des Herzens“ komponiert. Sie ist zu Prestigefestivals in der Tschechischen Republik sowie im Ausland eingeladen (z.B. zum internationalen Festival Smetana Litomyšl, Český Krumlov, Arte Sacro in Madrid oder Festival Internacional de Órgano de Morelia in Mexiko). Sie spielte ebenfalls auf der Orgel der Kathedrale Notre-Dame von Paris. Lucie Guerra Žáková tritt auch in einem Orgelduo für 4 Hände und 4 Füße mit dem Spanier Carlos Arturo Guerra Parra oder im Ensemble Pratur cembalo duo gemeinsam mit Petra Žďárská auf, mit der sie sich in der Klasse von Prof. Giedré Lukšaité-Mrázková an der Akademie der musischen Künste in Prag traf.

Die hervorragende Musikerin unserer Generation, Petra Žďárská, ist im Fach Cembalo und Kleines Orchester die erfolgreichste Laureatin des Prager Frühlings 2012. Sie studierte am CNSMD Lyon und nahm an vielen Interpretationsmeisterkursen in ganz Europa teil. 

Im September 2012 debütierte sie auf dem Festival Junges Prag mit dem Konzert für Cembalo und ein Kleines Orchester von Bohuslav Martinů. Momentan setzt sie ihr Doktorandenstudium an der Akademie der musischen Künste in der Klasse von Prof. Giedré Lukšaité-Mrázková fort. Ihr Hauptinteresse innerhalb des Studiums sind vergessene Kompositionen für Cembalo und Kammerkompositionen von Josef Antonín Štěpán aus dem erzbischöflichen Musikarchiv in Kroměříž (Kremsier).

Eine interessante Persönlichkeit des Fandango-Projektes ist die spanische Tänzerin und Kastagnettenspielerin Ludovica Mosca. Diese allseitig künstlerisch begabte Musikerin und Malerin wirkt als Professorin an der Schule Escuela Luthier–Música y Danza in Barcelona.

Sie konzertiert in verschiedensten Formationen auf der ganzen Welt und unterrichtet oft bei Meisterkursen. In diesem Jahr arbeitet sie als Lektorin an der Akademie der musischen Künste in Prag. 

www.ludovicamosca.com
www.zdarska.com
www.luciezakova.com
 

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Cena vstupenek: 190 Kč

Fandango
Lucie Guerra Žáková, Petr Žďárská – cembalo
Ludovica Mosca – barokní tanec a kastaněty

Program:

Jean Henri d´Anglebert (1629 – 1691) Troisiѐme suite
Prélude, Allemande, Courante et Double, Sarabande Grave, Gavotte, Menuet, Gigue
Alessandro Scarlatti (1660 – 1725) Folie
Antonio Soler (1729 – 1783) Fandango
Antonio Soler (1729 – 1783) Concierto n.º 3 en Sol mayor
Andantino, Minué
Luigi Boccherini (1743 – 1805) Fandango
(Transkripce „Kvintetu č. IV D dur, G 448“ pro dvě cembala: Andreas Staier)

Na tento koncert vypravujeme autobus z České Lípy zdarma.
Podmínkou pro odvoz je platná vstupenka a registrace v tomto formuláři.
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Program s názvem Fandango uvádí posluchače do španělského barokního dědictví. Propojuje se v něm složka instrumentální s tancem, neboť už samotný název projektu Fandango upomíná na tradiční španělský tanec, jehož vznik je datován počátkem 18. století. Autory nejstarších forem fandanga jsou anonymové a poprvé pohybové prvky tance popsal kněz Martín Martí v roce 1712. Poměrně brzy začalo být fandango populární a začala se o něj zajímat aristokracie. Spolu s ní poté cestovalo po Španělsku a Evropě, záhy začalo být začleňováno i do oper a baletů. S jeho formami se lze setkat v dílech J. P. Rameaua, A. Scarlattiho, D. Scarlattiho, A. Solera, L. Boccheriniho, ale i W. A. Mozarta, či M. Ravela. Ze světa kytar a kastanět se tak fandango dostalo do prostředí nejednou plně orchestrálních. Svůj tradiční španělský rytmus a háv si však ponechalo.

Celou přehrávku barokních tanců nabízí třetí suita pro cembalo od Jeana Henri d'Angleberta, dvorního skladatele krále Ludvíka XIV. Suitu zakončují španělské folie, které již posluchače připravují na iberskou, a tedy stěžejní část večera. Katalánec Antonio Soler proslul skladbami pro klávesové nástroje. Jeho hudební kariéra začala již v šesti letech nástupem do slavného chlapeckého sboru kláštera v Montserratu. Později se Soler stal kapelníkem katedrály v Lleidě a posléze vykonával tutéž funkci při královském dvoře v El Escorialu. Z dílny tohoto autora jsou posluchačům zprostředkovány koncerty pro dvě cembala a fandango pro cembalo a kastaněty.

Zvuk kastanět nebyl neznámým ani Italovi Alessandru Scarlattimu. Tento zakladatel neapolské operní školy je spojen také s dalšími místy po celé Itálii, na začátku i na konci svého pestrého hudebního života pak působil v Římě. Scarlatti byl nesmírně plodným skladatelem, z jehož dílny vzešlo na šedesát oper a kolem dvou set mší. Koncert naproti tomu uvádí jeho dílo instrumentální, z něhož jsou vybrány cembalové tokáty a folie.

Autorem programové tečky koncertu je italský kosmopolitní skladatel Luigi Boccherini. Také tento skladatel a violoncellista, který ve Španělsku strávil posledních dvacet let svého života, byl španělskou hudbou silně ovlivněn. Kromě bohaté smyčcové literatury se u něj setkáváme i se skladbami pro cembalo, z nichž bude uvedeno právě Fandango, které tak podtrhne a zvýrazní zaměření celého večera.

Lucie Guerra Žáková je česká cembalistka a varhanice žijící a působící ve Francii a Španělsku, kde již odvedla nemálo práce pro propagaci české hudby. V obou zemích provedla premiéru díla Petra Ebena složeného na text Komenského opusu Labyrint světa a ráj srdce. Je zvána na prestižní festivaly v České republice i v zahraničí (např. mezinárodní festivaly Smetanova Litomyšl, Český Krumlov, Arte Sacro v Madridu či Festival Internacional de Órgano de Morelia v Mexiku) a zahrála si také na varhany katedrály Notre-Dame v Paříži. Lucie Guerra Žáková také vystupuje ve varhanním duu pro 4 ruce a 4 nohy se Španělem Carlosem Arturo Guerra Parra nebo v souboru Prague cembalo duo společně s Petrou Žďárskou, se kterou se potkala ve třídě prof. Giedrė Lukšaitė–Mrázkové na AMU v Praze.

Vynikající hudebnice své generace, Petra Žďárská, je v oboru cembalo nejúspěšnější českou laureátkou Pražského jara 2012. Studovala na CNSMD v Lyonu a zúčastnila se mnoha mistrovských interpretačních kurzů po celé Evropě. V září 2012 debutovala na festivalu Mladá Praha Koncertem pro cembalo a malý orchestr od Bohuslava Martinů. Aktuálně pokračuje v doktorandském studiu na AMU ve třídě prof. Giedrė Lukšaitė–Mrázkové. Jejím hlavním studijním zájmem jsou zapomenuté cembalové a komorní skladby Josefa Antonína Štěpána z arcibiskupského archivu v Kroměříži.

Zajímavým prvkem projektu Fandango je španělská tanečnice a hráčka na kastaněty Ludovica Mosca. Tato všestranně umělecky nadaná hudebnice a malířka je profesorkou na Escuela Luthier–Música y Danza v Barceloně. Koncertně vystupuje po celém světě v nejrůznějších seskupeních a často působí jako vyučující na mistrovských kurzech. V letošním roce působí jako lektorka na Akademii Múzických Umění v Praze.

www.ludovicamosca.com
www.zdarska.com
www.luciezakova.com
 

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Ticketpreis: 250 Kč

Gerhard Oppitz – Klavier

Franz Schubert (1797-1828):
Impromptu Nr. 1 f-Moll, Op.142 D 935, Allegro moderato
Impromptu Nr. 2 A-Dur, Op.142 D 935, Allegretto
Impromptu Nr. 3 B-Dur, Op.142 D 935, Thema, Andante
Impromptu Nr. 4 f-Moll, Op.142 D 935, Allegro scherzando
Phantasie-Pilger C-Dur, Op. 15 D 760, Allegro con fuoco ma non troppo, Adagio, Presto, Allegro

Pause

Johannes Brahms (1833-1897):
Variationen und Fuge B-Dur nach dem Thema von Händel, Op. 24, Arie, Variationen, Fuge

Ein großes Vergnügen für das Publikum ist, den Auftritt von Gerhard Oppitz gleich zweimal innerhalb eines Festivals zu erleben. Seinen ersten Auftritt hat der Musiker an einem neuen Veranstaltungsort des Festivals - Teplice (Teplitz), in der Stadt mit einer reichen musikalischen Geschichte sowie Gegenwart.

Franz Schubert ist bis heute als Komponist von Hunderten Liedern bekannt. Obgleich es Schubert, einem typischen Romantiker, nicht vergönnt war, lang auf dieser Welt zu verweilen, schaffte er es als Komponist neben der Komposition von Liedern auch in anderen Genren Spuren zu hinterlassen. Schubert war Autor von Symphonien, Opern, Messen sowie Kammermusik. Seine Klavierkompositionen gehören zu dem poetischsten Stücken, welche für dieses Instrument je geschrieben wurde.Die Klavierimprovisationen, mit denen das Abendprogramm beginnt, könnte man ihrem Namen nach für simple Kompositionen halten. In Wirklichkeit handelt es sich jedoch um durchdachte und reiche Kompositionen, die im Umfang mit Sonaten vergleichbar sind.

Der deutsche Komponist und Pianist Johannes Brahms wurde einige Jahre nach Schuberts Tod in Hamburg geboren. Bereits mit dreizehn Jahren begann er als Pianist in verschiedenen Lokalen und anderen fragwürdigen Einrichtungen zu musizieren. Er knüpfte auch Kontakte zu den um eine Generation älteren Listz und Schumann. Als Brahms in den sechziger Jahren nach Wien umzog, wurde er hier als Nachfolger Beethovens betrachtet. Mit Erinnerungen an seine eigenen nicht gerade leichten Anfänge, half er später dem jungen Antonín Dvořák sich durchzusetzen. Für den Interpreten des Abends Gerhard Oppitz stellt das Klavierwerk von Brahms einen der Pfeiler seines Konzertrepertoirs dar.

Gerhard Oppitz wurde 1953 im bayerischen Frauenau geboren. Bereits seit seinem fünften Lebensjahr spielt er Klavier und mit elf Jahren gab er erste Konzerte. Bereits zu dieser Zeit fiel er Paul Buck auf, der als Professor an der Musikhochschule in Stuttgart tätig war.

1974 schrieb sich Oppitz in die Meisterkurse von Hugo Steurers in München ein. Zur gleichen Zeit traf der junge Pianist den beinahe achtzigjährigen Wilhelm Kempff, der eine wichtige Säule in der Interpretation der klassischen Musik in Deutschland darstellte und der Oppitz für das Werk von Ludwig van Beethoven begeisterte. Den Höhepunkt seiner beispiellosen Karriere auf die Bühnen der Welt erreichte er 1977 in Tel Aviv, wo Oppitz im Artur-Rubinstein-Wettbewerb siegte und wo Rubinstein selbst in der Jury saß. Oppitz erlangte durch den Wettbewerb Bekanntheit, dank derer er zu weiteren Konzerten in den USA, Japan und in ganz Europa eingeladen wurde. Im Jahre 1978 wurde ihm eine Stelle an der Münchner Musikhochschule angeboten, an der er später zu deren jüngsten Professor ernannt wurde.

Bewundertswert ist Oppitzs Arbeitsintensität. Weiterhin bleibt er auch der Arbeit mit jungen talentierten Pianisten treu. Nebenbei spielt er jährlich um die rund achtzig Konzerte mit den besten und weltberühmtesten Orchestern und Dirigenten. Dazu gehören unter anderem: die Wiener und Berliner Philharmoniker, das Königliche Philharmonische Orchester, das Israelitische Philharmonische Orchester oder das Londoner Philharmonische Orchester.

Das musikalische Register von Oppitz ist sehr umfangreich. Den größten Raum widmet er den Zyklen für Soloklavier von Bach, Mozart, Schubert, Beethovens Sonaten und vornehmlich dem ganzen Werk von Brahms, das er bereits in vielen Weltmetropolen aufführte. Ebenfalls beachtenswert ist seine Arbeit für die Unterstützung  zeitgenössischer Komponisten wie Lutoslawski, Veerhoff, Stockhausen und andere. Zu seiner pädagogischen Tätigkeit und den Konzerten kommen außerdem noch die Aufnahmen zahlreicher Musikträger hinzu.

Gerhard Oppitz ist eine interessante und allseitige Persönlichkeit nicht nur wegen seines musikalischen Engagements. Über ihn ist außerdem bekannt, dass er ein Polyglott ist, der sieben Weltsprachen spricht. Eine seiner weiteren Leidenschaften ist außerdem das Flugwesen. Er fliegt das Flugzeug zu seinen Konzerten in Europa sogar selbst 

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Cena vstupenek: 250 Kč

Gerhard Oppitz – klavír

Program:
Franz Schubert (1797-1828):
- Impromptu No. 1 f moll, op.142 D 935, Allegro moderato
- Impromptu No. 2 A dur, op.142 D 935, Allegretto
- Impromptu No. 3 B dur, op.142 D 935, Thema, Andante
- Impromptu No. 4 f moll, op.142 D 935, Allegro scherzando
- Fantazie-poutník C dur, Op. 15 D 760, Allegro con fuoco ma non troppo, Adagio, Presto, Allegro

přestávka

Johannes Brahms (1833-1897):
Variace a fuga B dur na Händelovo téma, op. 24, Árie, Variace, Fuga

Na tento koncert vypravujeme autobus z České Lípy zdarma.
Podmínkou pro odvoz je platná vstupenka a registrace v tomto formuláři.
Zbývající počet volných míst je aktuálně orientačně 4.

Po světě chodí mnoho hudebníků, mnozí z nich jsou dobří a někteří jsou dokonce ve svém oboru nejlepší, takových již tolik není. O to větším potěšením je zažít vystoupení Gerharda Oppitze hned dvakrát během jednoho festivalového ročníku. Jeho první vystoupení hostí jako nová destinace festivalu Teplice, město s bohatou hudební historií i současností.

Franz Schubert byl prvním hudebním romantikem, kterému se podařilo pozvednout písňový žánr k umělecké vyspělosti a do dneška je Schubert známý jako autor stovek písní. Přestože Schubertovi nebylo jako typickému romantikovi dáno po tomto světě chodit příliš dlouho, skladatelsky se stihl dostatečně otisknout i v jiných žánrech než písňových. Schubert byl autorem symfonií, oper, mší i komorní hudby. Jeho klavírní kompozice patří mezi to nejpoetičtější, co bylo pro tento nástroj napsáno. Klavírní improvizace, které program večera načínají, by podle názvu mohly být pokládány za odlehčenější útvary. Ve skutečnosti se jedná o propracované a bohaté kompozice, které dosahují rozsahu sonát.

Německý skladatel a klavírista Johannes Brahms se narodil v Hamburgu několik let Schubertově smrti. S hudbou začínal ve třinácti letech, kdy jako klavírista hrál v různých lokálech a jinak pochybných sálech. Později objevil dílo Bachovo a Mozartovo. Navázal také kontakty s o generaci staršími Lisztem a Schumannem. Když Brahms v šedesátých letech přesídlil do Vídně, byl zde považován za Beethovenova nástupce. Později, maje na paměti vlastní nelehké začátky, pomáhal s prosazením mladému Antonínu Dvořákovi. Pro interpreta večera Geparda Oppitze představuje Brahmsovo klavírní dílo jeden z pilířů jeho koncertního repertoáru.

Gerhard Oppitz se narodil roku 1953 v bavorském Frauenau. Hře na klavír se věnuje od svých pěti let, koncertovat začal v jedenácti. V té době si jej všiml Paul Buck, který jako profesor působil na Musikhochschule ve Stuttgartu. Roku 1974 se Oppitz zapsal do mistrovských kurzů Huga Steurerse v Mnichově. Ve stejné době se mladý pianista setkal s takřka osmdesátiletým Wilhelmem Kempffem, který představoval pevný pilíř v interpretaci německé tradice v klasické hudbě a Oppitze nadchl pro dílo Ludwiga van Beethovena.

Ouvertura Oppitzovy triumfální cesty po světových pódiích se odehrála v roce 1977 v Tel Avivu, kde Oppitz zvítězil na soutěži Arthura Rubinsteina, který sám seděl v porotě. Oppitz zde získal věhlas, díky kterému byl zván k dalším koncertům v USA, Japonsku a po celé Evropě. Hned v roce 1978 mu bylo nabídnuto místo na mnichovské Musikhochschule, jejímž se stal později nejmladším profesorem.

Pracovní nasazení Gerharda Oppitze je obdivuhodné. Nadále je věrný práci s mladými talentovanými klavíristy a přitom ročně odehraje k osmdesáti koncertům s těmi nejlepšími světovými orchestry a dirigenty. Z dlouhého výčtu docela stačí jmenovat Vídeňské a Berlínské filharmoniky, Královský filharmonický orchestr, Izraelský filharmonický orchestr či Londýnský symfonický orchestr.

Oppitzův hudební rejstřík je velmi široký. Nejvíce prostoru dopřává cyklům pro sólový klavír od Bacha, Mozarta, Schuberta, sonátám Beethovenovým a především celému dílu Brahmsovu, které prováděl již v mnoha světových metropolích. Stejně tak je ale ceněna také Oppitzova práce pro propagaci soudobých autorů jako Lutoslawského, Veerhoffa, Stockhausena a dalších. K pedagogické a koncertní činnosti je třeba přidat ještě četné nahrávání hudebních nosičů.

Gerhard Oppitz je zajímavou a všestrannou osobností nejen pro své hudební angažmá. Je o něm známé, že je polyglotem hovořícím sedmi světovými jazyky. Další jeho vášní je aviatika. Dokonce se sám letecky dopravuje na své koncerty po Evropě.

 

 

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Vstup zdarma

Lípa Cantantes

Slavnostní koncert vítězů celokrajské pěvecké soutěže ZUŠ vyhlášené festivalem

MHF Lípa Musica připravila v loňském roce úspěšnou novinku – hudební soutěž pro děti a mládež v kategoriích sólový a komorní zpěv. Ve spolupráci se Základní uměleckou školou Česká Lípa tak vznikla ojedinělá platforma umožňující porovnání pěveckého umu mládeže Libereckého kraje. Hlavním cílem soutěže pro mladé zpěváky ve věku od 7 do 25 let je podpořit zájem o interpretaci písní českých i světových autorů, vytvářet koncertní příležitosti pro talentované žáky a rozvíjet tak dále zájem o zpěv. V letošním roce se uskuteční druhý ročník této soutěže.

http://lipamusica.cz/cs/lipa-cantantes
 

 

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Lípa Cantates 2014

Wettbewerb im klassischen Solo- und Kammergesang

Den Gesangswettbewerb Lípa Cantates führt das Festival Lípa Musica gemeinsam mit der Grundschule für Kunst in Česká Lípa durch. In diesem Jahr findet der Wettbewerb zum zweitem Mal statt. Die Wettbswerbteilnehmer sind Schüler der künstlerischen Grundschulen der Region Liberec (Reichenberg). Die Wettbewerbsregeln legen das Teilnehmeralter auf 7 – 25 Jahre fest. Die Teilnehmer wurden in fünf Alterskategorien und in eine Sonderkategorie für Kammergesang aufgeteilt. Ziel ist es, das Interesse für die Interpretation der Lieder von weltbekannten tschechischen sowie ausländischen Komponisten zu unterstützen und talentierten Schülern eine Bühne zu bieten. Das feierliche Konzert im Foyer der Grundschule für Kunst in Česká Lípa präsentiert die Sieger aller Kategorien.

Das Wettbewerbrepertoir umfasst Volks- und Kunstlieder sowie Arien mit Klavierbegleitung oder mit Begleitung anderer Instrumente. Der Jury sitzt die international anerkannte Sopranistin und Professorin für Gesang an der Prager Akademie der musischen Künste Magdalena Hajóssyová vor. Während der feierlichen Abendveranstaltung werden auch alle Preise des Wettbewerbs überreicht. 

Kategorien für Sologesang
1.             7-9 Jahre
2.         10-12 Jahre                
3.         13-15 Jahre
4.         16-18 Jahre
5.         19-25 Jahre

Kategorien für Kammergesang
A            7-10 Jahre
B         11-14 Jahre
C         15-17 Jahre
D         18-25 Jahre

Wettbewerbsjury

Magdalena Hajóssyová, Lehrstuhl für Gesang, Fakultät für Musik der Akademie der
                                musischen Künste in Prag
Bc. Lucie Mairichová, dipl. um, Abteilung für Gesang, Konservatorium Teplice
Mgr. Michal Kutek, Leiter der Gesangsabteilung, Grundschule für Kunst Trutnov
Alena Losová, Mitglied des Stadtrates für Schulwesen und Beschäftigungslage der Region    
Liberec, Pädagogin der Grundschule für Kunst Česká Lípa
Hana Moudrá, Bürgermeisterin der Stadt Česká Lípa
Marek Kučera, Direktor der Grundschule für Kunst Česká Lípa

Preise

Die Preise für die Plätze 1-3 werden in allen Kategorie vergeben
Das Internationale Musikfestival Lípa Musika widmet dem Wettbewerb einen Betrag in Höhe von 6 000,- Kč und 2 000,- Kč für den Gesamt-Wettbewerbssieger. Die Jury vergibt einen weiteren Preis an die Grundschule für Kunst für die außergewöhnliche Interpretation der tschechischen Volkslieder.
Der Preis der Bürgermeisterin der Stadt Česká Lípa wird an den Gesamt-Sieger vergeben.
Die Jury vergibt außerdem den Pavla-Šimková-Preis für musikalischen Ausdruck in Kammergesang.

http://lipamusica.cz/cs/lipa-cantantes

 

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Ticketpreis: 250 Kč
 

Prager Kammerphilharmonie
Gerhard Oppitz – Klavier
Tomáš Brauner – Dirigent

Ludwig van Beethoven
Klavierkonzert Nr. 5 Es-Dur, Op. 73, „Kaiserkonzert“
Antonín Dvořák
Symphonie Nr. 9 „Aus der Neuen Welt“

Das Ende krönt das Werk, wie der klassisch antike Ovidius schrieb, und in diesem Sinne ist auch das Programm für den Abschlussabend des Festivals konzipiert. Beide Programmteile, Beethovens „Kaiserkonzert“ für Klavier und Orchester sowie die Dvořáks Symphonie „Aus der Neuen Welt“, bilden einen würdevollen und grandiosen Festivalschlusspunkt.

Beethovens „Kaiserkonzert“ für Klavier und Orchester entstand in einer komplizierten und stürmischen Zeit zu Beginn des 19. Jahrhunderts. Die Napoleonischen Kriege rüttelten Europa durcheinander, die junge Künstlergeneration schloss sich allmählich der Seite des Widerstands an und unterlag der durchdringenden rebellischen Romantik. Auch in das konservative Wien, wo Musik von Mozart und seinen Zeitgenossen sowie deren Nachfolgern wie eine allgegenwärtige Kulisse nachhallte, drangen Stimmen zur gesellschaftlichen Veränderung durch. In der Musik spiegelte sich deren Auswirkung in der Wandlung schöpferischer Verfahren wider. Obwohl Beethoven Haydns oder Salieris Schüler war, gab er sich nicht mit eingelebten Mustern zufrieden. Er suchte in der Musik Ausdrucksvielfalt und die Möglichkeit, Streit und Konfrontation auszudrücken. Die erhoffte Intensität und das Dramatische fand er in Werken für große Orchester.

Das „Kaiserkonzert“ für Klavier und Orchester Es-Dur ist ein in diesen Intentionen entstandenes Produkt. Das für die Interpretation sowie fürs Anhören anspruchsvolle Stück wurde in der Zeit seiner Aufführung nicht mit großer Begeisterung aufgenommen.

Vielleicht spiegelte es allzu sehr den gesamtgesellschaftlichen Streit, die dramatische internationale Situation wider und beinhaltete revolutionäre Ideen, die die Gesellschaft noch nicht ganz verstand. Jener Streit betraf jedoch nicht nur die Zuhörer. Auch Beethoven ging zu der Zeit, in der das Werk entstand, durch eine schwierige Lebensphase, denn er begann allmählich das Gehör zu verlieren. Sein Genie schlug einen schweren Kampf mit dem unnachsichtigen Schicksal. Dies ist symptomatisch für die kulturgeschichtliche Epoche der Romantik, die sich gerade auf ihren Zug durch Europa vorbereitete. Das Klavierkonzert

Es-Dur sagt vieles über die Zeit seiner Entstehung aus, die es überzeugend beschreibt.

Die Sorglosigkeit des 18. Jahrhunderts ist schon längst vorbei; lyrische Töne machen den Weg für die Autorität militärischer Marschrhythmen frei. Ihre Allgegenwärtigkeit führte infolgedessen die Europäer zu der aktuellen Frage, was für sie wichtiger ist: ob Größe oder Freiheit.

Die Dvořáks Symphonie „Aus der Neuen Welt“, die im zweiten Programmteil des Abends erklingt, entstand neunzig Jahre später in einer ganz anderen Atmosphäre. Dvořák komponierte sie zu Beginn seines Aufenthalts in Amerika. Sie spiegelt seine Eindrücke aus der hektischen Welt des Fortschritts und der Industrialisierung wider, mit denen sich die ursprünglich amerikanische Musik einschließlich negerischer Einflüsse mischt. Gleichzeitig sickern in diese kosmopolitische Symphonie Dvořáks Erinnerungen an die Heimat und Elemente tschechischer Volkslieder durch, die sich mit seinen amerikanischen Impressionen mischen. Auf eine Art ist Dvořáks Symphonie „Aus der Neuen Welt“ ein Reisetagebuch, das seine Eindrücke summiert. Deren Notentext ist insofern plastisch und verständlich, dass das Werk zu einer der bekanntesten Kompositionen in der Welt der klassischen Musik überhaupt wurde. Dvořáks absolute musikalische Logik macht die Symphonie zu einem vollkommenen Werk, das auch weniger geschulte Zuhörer verstehen. Oftmals führt die Symphonie so manch weltberühmte Orchester auf Podien in der ganzen Welt. Durch ihre Großartigkeit und zugleich Zärtlichkeit bietet gerade dieses Stück die beste Art, sich vom 13. Festival Lípa Musica zu verabschieden.

Die Prager Kammerphilharmonie feiert in diesem Jahr ihr 20-jähriges Bestehen. Seit ihrer Gründung wird sie daheim und im Ausland für das Beste gehalten, was die tschechische Kultur zu präsentieren hat. Nach zwei Jahren kehrt dieses hervorragende Orchester diesmal unter der Leitung des Dirigenten, Tomáš Brauner, wieder zurück auf die Festivalbühne.

Dem Orchester mit jungem Antlitz wird Courage, Frische und zugleich beste musikalische Erudition und Perfektionismus nachgesagt. Hochgeschätzt wird seine orchestrale Ausführung der Musik aus der Zeit des Wiener Klassizismus, wohin auch das Ludwig van Beethovens „Kaiserkonzert“ fällt. Zugleich stützt sich jedoch das Repertoire der Prager Kammerphilharmonie auf romantische oder moderne und gegenwärtige Werke. Der Ruhm des jungen Ensembles ist der Grund, weshalb mit ihm führende Weltdirigenten und Interpreten wie Vladimir Ashkenazy, Shlomo Mintz, Plácido Domingo, Mischa Maisky und aus der jüngeren Generation Radek Baborák zusammenarbeiten. In diesem Sinne ist Gerhard Oppitz ein weiterer ehrenwerter Gast des Orchesters und des Festivals.

Der Dirigent Tomáš Brauner ist trotz seines jungen Alters einer der gefragtesten tschechischen Dirigenten. Seine Arbeit verzeichnet Erfolge bei Opern- und Symphonieaufführungen. Dem Dirigierstudium widmete er sich an der Prager Akademie der musischen Künste, an der er im Jahre 2005 promovierte. Anschließend vertiefte er seine Ausbildung in Wien. Im Jahre 2010 wurde er Laureat des Internationalen Dirigentenwettbewerb „Dimitris Mitropoulos“ in Athen. Tomáš Brauner leistet bedeutende Arbeit auf den Opernbühnen Tschechiens und arbeitet bei uns regelmäßig mit den größten Orchestern zusammen. Er ist auch im Ausland gefragt und führte Werke tschechischer Autoren bereits in Deutschland, Russland oder Mexiko auf, wo er die Aufführung Janáčeks Oper Jenůfa dirigierte.

Gerhard Oppitz wurde 1953 im bayerischen Frauenau geboren. Dem Klavierspiel widmet er sich seit seinem fünften Lebensjahr. Mit elf Jahren begann er, zu konzertieren. Zu Beginn der 70er Jahre studierte Oppitz in Stuttgart, und einige Jahre später schrieb er sich in die Meisterkurse von Hugo Steurers in München ein. Seit Ende der 70er Jahre begann seine triumphale Reise auf die Weltpodien, deren Ouvertüre sich im Jahre 1977 in Tel Aviv abspielte, wo Oppitz im Arthur-Rubinstein-Wettbewerb siegte, in dem Rubinstein selbst in der Jury saß. Dies verschaffte Oppitz den Ruhm, der ihm Konzertauftritte in der ganzen Welt ebnete. Namenhafte Dirigenten und Orchester arbeiten mit ihm zusammen. Oppitzs Musikregister ist sehr breit. Den größten Platz räumt er den Zyklen für Soloklavier von Bach, Mozart, Schubert, den Beethovensonaten und besonders dem gesamten Werk von Brahms ein. 

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Cena vstupenek: 250 Kč

Gerhard Oppitz – klavír
PKF - Prague Philharmonia
Tomáš Brauner – dirigent

Program: L. v Beethoven: klavírní koncert č. 5 Es dur op. 73 "Císařský"
               A. Dvořák: Symfonie č.9 z Nového světa

Konec korunuje dílo, jak napsal antický klasik Ovidius a zcela v tomto duchu je narýsován i program závěrečného koncertu festivalu. Obě části programu, Beethovenův Císařský koncert pro klavír a orchestr i Dvořákova Novosvětská symfonie, jsou důstojnou a velkolepou tečkou za uplynulým ročníkem.

Beethovenův Císařský koncert pro klavír a orchestr vznikal v komplikované a bouřlivé době počátku 19. století. Evropou cloumaly Napoleonské války, mladá generace umělců se pomalu přidávala na stranu vzdoru a podléhala pronikajícímu buřičskému romantismu. I do konzervativní Vídně, kde jako všudypřítomná kulisa doznívala hudba Mozartova, jeho současníků i nástupců, doléhaly hlasy po změně poměrů. Jejich projevem v hudbě byla změna tvůrčích postupů. Beethoven, ač byl žákem Haydna nebo Salieriho, se nespokojil se zažitými vzory, hledal v hudbě výrazovou rozmanitost, možnost vyjádřit střet a konfrontaci. Kýženou intenzitu a dramatičnost nalezl v dílech pro velké orchestry.

Císařský koncert pro klavír a orchestr Es dur je produktem vzniklým v těchto intencích. Interpretačně i posluchačsky náročný kus v době svého uvedení nebyl přijat s velkým nadšením. Snad příliš odrážel celospolečenský svár, dramatickou mezinárodní situaci, obsahoval převratné myšlenky, kterým společnost dosud docela nerozuměla. Onen svár se však netýkal pouze posluchačů. Také Beethoven v době vzniku díla prožíval těžké životní období, neboť již pomalu ztrácel sluch a jeho génius sváděl těžký boj s neúprosným osudem, což je symptomatické pro celý romantismus, který se chystal ke svému tažení Evropou.

Klavírní koncert Es dur vypovídá mnohé o době svého vzniku, kterou přesvědčivě popisuje. Bezstarostnost 18. století je pryč již dávno, lyrické tóny ustupují autoritě pochodových vojenských rytmů. Jejich všudypřítomnost potom vede Evropany k tomu, aby si položili aktuální otázku, co je pro ně víc, zda-li velikost nebo svoboda.

Dvořákova Novosvětská symfonie, která zazní během druhé části večera, vznikala o devadesát let později v docela jiné atmosféře. Dvořák ji složil na začátku svého amerického působení a plně se v ní odráží jeho dojmy z hektického světa pokroku a industrializace, se kterými se mísí původní americká hudba včetně vlivů černošských. Zároveň do této kosmopolitní symfonie prosakují Dvořákovy vzpomínky na domov a prvky českých lidových písní, které se prolínají s jeho impresemi americkými.

Svým způsobem je Dvořákova Novosvětská cestovním deníkem, který sumarizuje jeho dojmy. Jejich zachycení v notách je natolik plastické a srozumitelné, že se dílo stalo jednou z nejznámějších kompozic světa klasické hudby vůbec. Dvořákova absolutní hudební logika ze symfonie činí dokonalé dílo, kterému rozumí i méně poučení posluchači. Symfonii často uvádí mnohé věhlasné orchestry na pódiích celého světa. Svou velkolepostí a zároveň něhou je právě tento kus, tím nejlepším způsobem, jak se s 13. ročníkem festivalu rozloučit.

Gerhard Oppitz se narodil roku 1953 v bavorském Frauenau. Hře na klavír se věnuje od svých pěti let, koncertovat začal v jedenácti. Na začátku 70. let studoval Oppitz ve Stuttgartu a o několik let později se zapsal do mistrovských kurzů Huga Steurerse v Mnichově. Od konce 70. let počala Oppitzova triumfální cesta po světových pódiích, jejíž ouvertura se odehrála v roce 1977 v Tel Avivu, kde Oppitz zvítězil na soutěži Arthura Rubinsteina, který sám seděl v porotě. Oppitz si získal věhlas, díky kterému je zván na koncerty po celém světě a spolupracují s ním dirigenti a orchestry proslulých jmen. Oppitzův hudební rejstřík je velmi široký. Nejvíce prostoru dopřává cyklům pro sólový klavír od Bacha, Mozarta, Schuberta, sonátám Beethovenovým a především celému dílu Brahmsovu.

PKF - Prague Philharmonia v letošním roce slaví 20 let od svého založení a takřka po celou dobu svého působení je u nás i ve světě považována za to nejlepší, čím se česká kultura může prezentovat. Na festival se tento vynikající orchestr, tentokrát pod vedením dirigenta Tomáše Braunera, vrací znovu po dvou letech. Orchestru s mladou tváří je připisována energičnost a svěžest a zároveň ta nejlepší hudební erudice a perfekcionalismus. Vysoce jsou ceněna jeho orchestrální provedení hudby období vídeňského klasicismu, kam spadá i Císařský koncert Ludwiga van Beethovena. Zároveň se ale repertoár PKF - Prague Philharmonia opírá i o díla romantická či moderní a soudobá. Věhlas mladého ansámblu podtrhuje i to, že s ním spolupracují přední světoví dirigenti a interpreti jako Vladimir Ashkenazy, Shlomo Mintz, Plácido Domingo, Mischa Maisky, z mladší generace pak Radek Baborák. V tomto smyslu je Gerhard Oppitz dalším velice čestným hostem orchestru i festivalu samotného.

Dirigent Tomáš Brauner je přes své mládí jedním z nejvyhledávanějších českých dirigentů. Jeho práce se setkává s úspěchy při provádění oper i symfonií. Studiu dirigentství se věnoval na pražské AMU, kde promoval v roce 2005 a poté si prohluboval vzdělání ve Vídni. V roce 2010 se stal laureátem Mezinárodní soutěže dirigentů Dimitrise Mitropoulose v Athénách.

Tomáš Brauner odvádí významnou porci práce na operních scénách v České republice a spolupracuje pravidelně s největšími orchestry u nás. Často je žádán rovněž v zahraničí a díla převážně českých autorů již uvedl v Německu, Rusku nebo Mexiku, kde řídil provedení Janáčkovy opery Jenůfa.

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